Análisis y comentario de la TEMPESTAD. Giorgione

Tema: no se sabe con exactitud lo que cuenta la obra, pero podemos apreciar en ella un paisaje con lo que parece ser un pastor o un militar a la izquierda observando a una mujer dando de mamar a un bebe rodeados de vegetación. En el fondo, pasando el puente, se encuentra una ciudad con un cielo lleno de nubes y el destello de un rayo provocando gran dramatismo y dejando como protagonista absoluta a la naturaleza.

Soporte: para este cuadro se utiliza la técnica del oleo sobre lienzo utilizando como aglutinante el aceite permitiendo corregir errores y crear mayor luminosidad, gracias a su lento secado que permite un trabajo sosegado y detallista mediante la pincelada suelta permitiendo que vista de lejos la pintura tenga coherencia y una visión mucho más real de la escena.

Utiliza una composición simétrica y estática de los personajes mediante formas geométricas como el gran triangulo que forman el rayo, el hombre y la mujer, aunque también la composición de la mujer forma un pequeño triangulo y líneas diagonales debido a su posición curvada, se pueden apreciar líneas verticales para los edificios, los árboles y las columnas, además de líneas horizontales en el puente.

En este cuadro se aprecia claramente el predomino del color sobre el dibujo ya que no utiliza un boceto previo (alla prima) lo que le hará corregir partes del cuadro saliendo con el tiempo los llamados arrepentimientos. Predominan  los colores fríos como es el verde de la naturaleza, el azul del río y del cielo, aunque utiliza también los colores cálidos, como es el rojo, en los ropajes del hombre, además de blancos en las columnas, en la tela que cubre el cuerpo desnudo de la mujer y la camisa del hombre, todo esto creará figuras volumétricas y reales.

El foco de luz lo podemos encontrar en el destello del rayo, iluminando a los personajes, creando claroscuros y dando volumen y profundidad a las figuras y a las nubes dotándolas de un aspecto fantasmagórico.

En cuanto al espacio como se ha dicho anteriormente, se puede apreciar la lejanía de la ciudad dando sensación de profundidad y realizando la perspectiva aérea través de los claroscuros.

Figuras: los personajes se encuentran idealizados, esto se puede apreciar en la mujer, ya que el autor utiliza el canon de la época, es decir robusto, además los dos personajes se mantiene en una posición estática, el hombre apoyado en un bastón mientras observa a la mujer y la mujer sentada mirando hacia el espectador creando un pequeño escorzo, con una expresión hierática, podemos apreciar como el niño observa a la mujer creando una pequeña relación, esto pasa con el hombre ya que observa a la mujer desde la distancia.

Comentario

Este cuadro forma parte de la pintura veneciana que surge en el s.XVI, estos empezarán a emplear como soporte el lienzo de tela, así como el óleo heredado de los primitivos flamencos (Matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck), 

Esta técnica será perfeccionada permitiendo el predomino de la línea sobre el color o pincelada suelta, aunque al no utilizar boceto, es decir, alla prima, (invención de Giorgione)los llevará a corregir partes del cuadro surgiendo los llamados arrepentimientos (Felipe IV, a caballo de Velázquez). 

Estos pintores utilizarán la perspectiva aérea heredada de Leonardo, y modernizando los temas anteriores como son los retratos, la religión, dándoles un sentido más sensual que encontraremos en la Venus dormida de Giorgione y La Venus de Urbino de Tiziano, este último será el máximo exponente de la pincelada suelta. 

Estas obras tienen un carácter más sensitivo y visual teniendo gran influencia posteriormente en el Barroco. Las figuras geométricas utilizadas son recogidas como influencia del renacimiento (Piero della Francesca en Para Brera, Nacimientos de Venus de Botticelli).

Paula Sancho (2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo)

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