Análisis y comentario de Kandisky

Esta obra, como todas las abstractas, no plantea un tema definido, sino que el autor lo deja a la libre elección del que lo interpreta, provocando que la imaginación se mueva a sus anchas alrededor del cuadro en el que podemos encontrar un fondo blanco con todo tipo de figuras geométricas  y colores: en el centro un cuadrado verde, dos triángulos de color rojo y amarillo , así como también un trapecio de color naranja y otro más pequeño de color azul, y un pequeño circulo, todo esto forma intersecciones en el cuadrado principal, sin olvidar la línea diagonal que cruza el cuadro haciendo recordar a unas aspas, dejándonos llevar por los sentimientos que la obra nos presenta, tal y como quería Kandinsky.

Kandinsky utilizará ya la típica técnica del óleo sobre el lienzo, muy conocido desde los primitivos flamencos y utilizado por los venecianos junto con el lienzo, aunque presentando una pincelada de factura lisa, es decir, poco notable, muy diferente a los estilos anteriores.

Esta obra presenta una composición un tanto asimétrica y dinámica debido a los colores utilizados, en el que, según el autor, presentan gran sinestesia mediante suaves melodías, emociones, etc. Todo esto, junto con las líneas diagonales y las demás figuras geométricas, otorgan de un gran equilibrio y armonía.

Se puede observar cómo estas figuras se superponen unas sobre otras sobre el fondo blanco, además del predominio de las figuras rectas tanto verticales como horizontales provocando que el espectador vague por todo el cuadro sin descanso. 

También se puede observar el predominio de la línea sobre el color, esto se observa bien en los pequeños cuadrados que incluso llegan a recordar a un pequeño tablero de ajedrez; esta línea se presenta muy fina y muy geométrica predominando más la recta que la curva, aunque esta también está presente. Se puede observar claramente la utilización de colores muy vivos dotando de gran armonía al cuadro, siendo , como se ha dicho anteriormente sinestésico, estos colores sepueden oír, oler, saborear e incluso tocar y dependiendo de la “fiereza” de las figuras, el autor les asigna un color determinado, este es el caso del triángulo, que al ser una figura geométrica “muy violenta”, debido a sus vértices puntiagudos, se le asigna colores como el amarillo siendo un color fuerte, agresivo y tocado por una trompeta, ocurriendo lo mismo con el color rojo, un color más calmado es el azul del trapecio, representando la calma, el silencio y siendo tocado por una flauta. La utilización de los colores saturados permite crear mayor tensión cromática provocando que la mirada vaya de un lado al otro del cuadro creando movimiento.

En cuanto la luz (por completo antinatural) se podría decir que esta proviene del fondo blanco creando grandes contrastes entre los colores saturados.

En la obra se puede observar los fondos planos y bidimensionales desapareciendo cualquier referencia al mundo real dejando solo colores y formas sin ningún tipo de significado en el que solo importan los sentimientos, provocando que nuestra mente busque un significado al cuadro, aunque no lo haya, ya que para esta es imposible que eso ocurra.

Esta obra pertenece a la pintura abstracta surgida en el s.XX en el que estos autores buscaban evadirse de la realidad y pretendían que sus pinturas se basaran exclusivamente en lo estético y sin ningún tipo de significado, abandonado las ideas clasicistas, recogiendo las culturas africanas (PICASSO) y el arte infantil que recogerá Miró (El carnaval de Arlequín). Empezarán realizar cuadros planos y bidimensionales, que recuerdan al mundo egipcio y románico (Pantocrátor) , eliminando el claroscuro y la perspectiva tan aclamada en el Renacimiento(La virgen de las rocas de Leonardo) ya que pretenden una visión más personal, dejando de lado el realismo (El entierro de Ornans de Courbet) y el impresionismo (Impresión, sol naciente de Monet) anteriores y eliminando todo lo naturalista del cuadro dejando solo el color y la forma, siendo muy importante para estos artistas.

Esta obra, al ser de Kandinsky se puede observar claramente su evolución, este autor empezó a realizar obras realistas con influencia del fauvismo, sobre todo los colores antinaturalistas que recoge de Matisse (La alegría de vivir), así como también las formas geométricas de Cézanne (manzanas y naranjas) que tanto gustarán a Picasso (Las señoritas de Avinyó), sin olvidarnos del puntillismo. Poco a poco empieza a eliminar los elementos naturalistas dejando solo el color y la forma no representativa, dejándose llevar por la influencia de la teosofía dándole gran importancia a los sentimientos y al alma creando obras con grandes curvas (abstracción lírica, Lírica) mediante la sinestesia (utilizada mucho en Gauguin, El mercado), pero su estilo se va volviendo cada vez más geométrico tras entrar como profesor en la Bauhaus sobre teoría y forma. Al final de su obra recogerá incluso elementos de Miró, además de la factura lisa utilizada por Mondrian (Composición II) aunque con pintura acrílica.

Ficha técnica: Sobre blanco II, pertenece al pintor Kandinsky perteneciente a la pintura abstracta del s.XX.

Paula Sancho. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo