Mona Hatoum. LA EDUCACIÓN PARA LA PAZ SE COMIENZA DISTINGUIENDO LO QUE ES VIOLENCIA

 SDELBIOMBO - 05 DE JULIO DE 2010 - 19:00 - DESDE LOS 80 A HOY. POSTMODERNIDAD

Tomado de https://i.pinimg.com/564x/3b/12/4f/3b124ff7073c682a2b601d990a9075c9.jpg 

Mujer y palestina (aunque nacida en el Líbano y muy pronto en el exilio). Bajo estas ideas se puede ya entender que su arte no será excesivamente complaciente.

Una parte importante de sus obras parte de su doble condición de mujer y de musulmana (de cultura musulmana más que propiamente religión). En ese sentido su actitud es la investigar las relaciones de poder (el hombre sobre la mujer, el occidental sobre otras culturas, el soldado sobre el civil…).

Sus medios son muy variados, desde simples objetos cotidianos (a menudos relacionados con la cocina) que se agrandan monstruosamente para evocar ideas de cárceles y torturas

Tomado de http://www.eladerezo.com/ultimas-tendencias/rallador-de-mona-hatoum.html

Granadas de mano reconvertida en una especie de dulces frascos de perfume de cristal coloreado, con un fuerte choque entre significado y significante

También llaman la atención sus cárceles. Instalaciones casi minimalistas que crean fuertes efectos...

… pero sólo cuando nos acercamos

Ambas tomadas de

http://contessanally.blogspot.com/2009/07/palazzo-querini-stampalia-mona-hatoum.html

 

Tomado de

http://twokitties.typepad.com/my_weblog/2009/08/index.html

 O a través de la luz, que nos crea una cárcel de sombras

 Incluso en una cárcel se convierte este jaula llamada mejicana

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2009/08/mona-hatoum-beirut-libano-1952.html

 

Definiciones de estilos. Siglo XX

 Fauvismo. Vanguardia histórica de principios del siglo XX liderada por Matisse. Inspirada en las investigaciones de Gauguin utiliza un color plano, potente, sin relación con la realidad, con fines sinestésicos para crear "un sillón para la mirada"

Cubismo Vanguardia histórica de principios del siglo XX liderada por Picasso y Braque. Arrancando de las investigaciones de Cezanne (pero también del arte negro, de Ingres o del arte egipcio) plasman la realidad  profundamente geometrizada y vista desde varios puntos de vista (visión simultánea). Pasa por varias fases: época negra, cubismo analítico, cubismo sintético (con la aparición del collage)

Expresionismo Vanguardia histórica de principios del siglo XX que busca la expresión angustiada, profundamente pesimista, del mundo. Arrancando desde la obra de Van Gogh y el fauvismo utilizarán colores potentes, de armonías estridentes, con un pincelada agresiva, a menudo pastosa y fuertes deformaciones en personas y perspectivas. Munch, grupo El Puente

Futurismo Vanguardia histórica italiana de principios del siglo XX que buscará la plasmación del movimiento y la velocidad como la perfecta definición de la modernidad. Para ello utilizará barridos fotográficos, técnica de descomposición cubista. En sus famosas veladas abrirán todo un campo de experimentación basado en el escándolo y la provocación que heredará Dada. Marinetti, Carra.

Dada . Revolución artística de principios del siglo XX que se replantea la función del arte y el artista (Fuente de Duchamp) y reacciona ante la Primera Guerra Mundial recurriendo al humor, el absurdo, el juego, la provocación y el escándalo. Muchos de sus comportamientos y técnicas las heredará el Surrealismo y los movimientos conceptuales. Ernts, Duchamp, Picabia

Surrealismo. Movimiento literario y artístico liderado por Breton que se inspira en las teorías de Freud sobre el inconsciente. En su búsqueda se inventarán numerosas técnicas como el dibujo automático, las asociaciones espontáneas, la búsqueda en el mundo de los sueños, los objetos encontrados... Buscan romper las reglas de la moral y la buena educación burguesa dejando entrar temas tabúes (lo escatológico, la violencia, lo sexual...). Dalí, Miró, Magritte

Abstracción lírica. Primera abstracción del siglo XX desarrollada por Kandinsky que, partiendo de la realidad, y despojándola progresivamente de los detalles, llega a formas de líneas y colores que se relacionan con lo musical (sinestesia)

Neoplasticismo. Movimiento del siglo XX capitaneado por Mondrian que busca reducir la realidad a formas y colores básicos y sus relaciones. Con ella se intenta proporcionar al hombre moderno una nueva forma de armonía que le permita una vida más plena y espiritual

Expresionismo abstracto Movimiento artístico de la segunda mitad siglo XX nacido en EE UU que une las tradiciones expresionistas (si visión negativa del mundo) y surrealistas (en especial el dibujo automático) para producir cuadros de grandes dimensiones llenos de tensión y energía ern donde el espectador pueda perderse. Pollock.

Pop art Movimiento artístico de la segunda mitad siglo XX nacido en EE UU que reacciona ante el expresionismo abstracto, y retornan a la figuración. Sus fuentes de inspiración serán el mundo de la publicidad, el cine y el consumo (tan típicamente estadounidense), buscando nuevas formas de expresión (fotografía, serigrafía...). Sus obras son un canto a lo banal, superfluo, cotidiano, brillante... Warhol

Funcionalismo Escuela arquitectónica de la primera mitad del siglo XX que, basándose en la arquitectura del hierro y el cristal y la Escuela de Chicago, buscan  edificios adaptados a las funciones (por ello funcionalismo), con plantas libres y fachadas cortinas de estructura reticular. Se valorará la sinceridad de los materiales (mostrar directamente el hierro, cemento...) sin esconderlos tras la decoración. Le Corbusier, Mies.

Organicismo. Escuela arquitectónica de la primera mitad del siglo XX que busca superar el funcionalismo (aunque utilizando muchas de sus materiales y técnicas constructivas) para incluir la arquitectura en la Naturaleza y el paisaje, y humanizarlas por medio de la curva y los espacios fluidos. Wright, Aalto.

Definiciones de estilos. Siglo XIX

 Cartones para tapices: conjunto de obras que pintó Goya para la Real Fábrica de Tapices a finales del XVIII. El tema era elegido por los reyes. Consta de composiciones equilibradas, a menudo triangulares, colores pastel, gestos aristocráticos y empleo de sfumato y luz suave. En general corresponden a una estética rococó. La vendimia.

Pinturas negras Etapa pictórica del pintor español Goya a finales de su carrera (años 20 del siglo XIX). Está inmerso en una crisis personal Y pintará sobre las propias paredes de su casa temas relacionados con la vejez, muerte, la violencia, lo siniestro. En ellas podemos ver el uso de la paleta sucia, deformación de la realidad y claroscuros potentes .Dos viejos comiendo sopa

Neoclasicismo Estilo artístico de finales del siglo XVIII y principios XIX relacionado con la ilustración. Busca la vuelta a los clásicos grecorromanos o renacentistas  (su sobriedad, equilibrio, belleza). En pintura se caracteriza por gestos teatrales, temas clásicos y medidas muy exactas; mientras que en arquitectura recurre a lo estructural y a los órdenes clásicos. David, Villanueva, Canova.

Romanticismo: movimiento cultural  nacido en el siglo XIX  que reacciona contra el neoclasicismo, valorando más la subjetividad, el exotismo, la rebeldía, los sentimientos o  la devoción por la Edad Media y el mundo oriental. Estéticamente recogerán la influencia veneciana y barroca (pincelada suelta, diagonales, escorzos, momentos de mayor tensión, tenebrismo, importancia del color ...) Delacroix. Gericault, Turner.

o   Realismo:  movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet (Picapedreros, entierro en Ornans). Se caracteriza por su compromiso con las clases bajas y trata de crear una sensibilidad social ante los oprimidos. Millet retratará fundamentalmente campesinos, mientras Daumier dará un fuerte impulso a la caricatura.

Impresionismo. Estilo pictórico que se desarrolla en las últimas décadas del s.XIX. Su obsesión por la luz le llevará a la pintura antiliteraria, realizada a plein air, con pincelada suelta y abocetada, el uso de colores sin mezclas, eliminando el negro de las sombras y las series de un objeto a distintas horas del día. Monet, impresión del sol naciente, Renoir, las famosas bailarinas de Degas.

Historicismo. Estilo arquitectónico del siglo XIX que reutiliza la historia del arte como fuente de inspiración, adaptando cada estilo a ciertos valores (neoegipcio para cementerios, neorrománico para pequeñas iglesias, neorrenacimiento y neobarroco para palacetes ...) y utilizándolo de forma nacionalista para entroncar con las tradiciones del país (neogótico en Inglaterra; neomudéjar en el caso español)

Arquitectura hierro y cristal. Estilo arquitectónico de la segunda mitad del XIX que utilizará los nuevos avances tecnológicos de la revolución industrial, en especial el hierro y el cristal, debido a su resistencia, precio y velocidad de trabajo (al montarse). Frente a estas ventajas, esta arquitectura es criticada por su falta de belleza, utilizándose para estaciones de trenes, puentes,... por ingenieros. Paxton, Eiffel

Escuela de Chicago. Escuela arquitectónica de finales del siglo XIX desarrollada en EE UU. Sobre las técnicas de la arquitectura del hierro y el cristal, estos arquitectos (Sullivan) desarrollarán los primeros rascacielos sobre estructuras de acero y cemento que permitirán muros cortinas (sin funciones sustentantes) y planta libre (adaptada a las distintas necesidades de cada piso). En sus exterior aún encontraremos toques historicistas, inspirándose en los palacios renacentistas para la decoración.

Modernismo. Movimiento artístico de finales del siglo XIX que reacciona ante la fealdad y carácter industrial de la arquitectura del hierro y el cristal. Buscando la inspiración en la naturaleza (formas florales, insectos, cisnes ... ), gustará del color, la línea sinuosa o la asimetría para construir espacios llenos de elegancia y fantasía para una clientela burguesa que busca distinguirse de las clases inferiores por medio de su buen gusto y exquisitez. Gaudí, Mucha, Guimard, Víctor Horta

 

NICCOLA PISANO. LA FUENTE DE PERUGIA

De nuevo nos encontramos (como en los púlpitos de Pisa o Siena) con una obra mixta entre arquitectura y escultura.

Si en los púlpitos es el hueco y lo aéreo la razón de su estructura, en esta fuente triunfa lo macizo, horizontal y pesado que intenta integrarse en el paisaje urbano sin interferir en él, y tan sólo la taza superior se eleva (aunque con dificultades) del terreno.

La pila baja consta de dos cuerpos poligonales de cincuenta tramos que nos sugieren el círculo sin concretarlo, como si no se quisiera más que proponer la plenitud de lo circular en un mundo (el humano) puramente poligonal (el paso de la realidad a la idea sólo se realizará plenamente en el Alto Renacimiento)

En la parte baja columnas dobles y sobresaliente separan los paneles (de bajo relieve), mientras que en la superior, las esquinas entre paneles las ocupan figuras. 

Los relieves regresan (aún intensifican) a la sobriedad de Pisa en donde el cuerpo humano se empieza a valorar como generador de las propias escenas. 

Estas son profanas (desde las artes liberales, escudos, reyes, personificación del lago Trasimeno) a otras religiosas (profetas, biblicas) que están hablando de un nuevo tiempo de orgullo cívico (la fontana maggiore fue la terminación de un acueducto realizado en ese momento)

Su técnica es tan refinada y romana que parece un verdadero anacronismo en plena Edad Media.

DE TURISMO POR PERUGIA

Peter Fischli y David Weiss. El curso de las cosas

 

Peter Fischli y David Weiss formaron un extraordinario equipo artístico cuya obra se ha movido entre el video-arte y el mundo neodada (aunque con un fuerte contenido político y social que les podría aproximar al arte político de Krugger, Guerrilla Girl, Trokell, Hacke...), jugando con la baza de la ironía (cuando no la pura parodia) para desvelar oscuros instrumentos de dominación social.

Una de sus obras más reconocidas es esta famosa película (casi 30 minutos) de 1987.

Hoy en día, tras los efectos mariposa del Hormiguero y los virales de internet, acaso nos puede parecer demasiado visto, pero en su estreno fue un verdadero aldabonazo.

En realidad se trata de una combinación de reacciones físicas y mecánicas que, si nos dejamos llevar por las imágenes, nos fascinará por su suspense, por sus constantes sorpresas y movimientos.

En realidad, el origen de esta idea la podríamos rastrear en las máquinas de Tinguely, unas verdaderas máquinas inútiles que ya vimos aquí que, en su momento más extremo, pueden legar a autodestruirse. Como ellas son una verdadera parodia del mundo industrial y la ciencia, utilizados con el sentido contrario al que les he propio, la productividad.

Frente a ello, y como buenos neodadas, apuestan por los más complejos cálculos y efectos para el simple entretenimiento, con una estética en las antípodas del glamour y la belleza (¿o acaso esa es la belleza de nuestros tiempos, tan puramente líquida antes incluso de que la bautizara Bauman?).

Y ya puestos en la metáfora, ¿podríamos ver en esta película algo de nuestra propia vida, de nuestra sociedad "perfectamente sincronizada"?

Bajo las apariencias de banalidad, la obra de Peter Fischli y David Weiss nos ofrece un panorama en el fondo apocalíptico en donde la grasa del suelo o un neumático destrozado conviven con la más estricta sincronía

DAMIEN HIRTS. ¿EL ARTISTA PROVOCADOR O LOS ESPECTADORES INCOMODADOS?

31 DE OCTUBRE DE 2008 - 21:51 - DESDE LOS 80 A HOY. POSTMODERNIDAD

  

El autor frente a una de sus obras más populares. La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo , un tiburón real suspendido en formol que en la actualidad tiene ya claros signos de descomposición

Tomado de http://www.descubrirelarte.es/?attachment_id=2682

 

Damien Hirst (1965) es quizás uno de los artistas más mediáticos (y por supuesto millonarios) del panorama artístico internacional que no ha dejado nunca indiferente al público desde su presentación mundial dentro del llamado Young British Artists (jóvenes artistas británicos) que fue promocionado por el controvertido coleccionista Charles Saatchi.

Su meteórica carrera artística está escalonada de escandalosas obras frente a las que la crítica se ha dividido, y mientras unos le consideran el sucesor de Warhol, el gran artista del momento, otros simplemente hablan de marketing, provocación gratuita y una nula capacidad artística.

No voy a entrar aquí en esta polémica (entre otras cosas porque su obra me parece muy desigual y tanto podría estar de acuerdo con las críticas como las alabanzas); simplemente me limitaré a señalar algunas de sus rasgos que a mi me parecen más interesantes.

 

 

San Sebastián, exquisita pintura

Tomado de http://www.operamundi-magazine.com/2012/04/primera-retrospectiva-del-polemico-damien-hirst.html

 

 

Por una parte (y aunque eso ya no sea una novedad desde el arte minimal) Hirts es un artista puramente intelectual que deja la realización de sus obras a técnicos especializados. Suya es la idea, simplemente, pero sus manos no se manchan con la materia, lo cual sigue molestando a muchos críticos, aunque esto sea algo tan habitual en la historia del Arte que los especialistas aún dudan entre las partes originales y las realizadas por los miembros del taller de las obras de Rafael o Rubens.

Por otra parte, sus famosas presentaciones en vitrinas de cristal ya las habían realizado Beuys o Koons, o el uso de materiales vivos tampoco ha sido una creación propia y existen numerosos ejemplos contemporáneos de ello (desde el Arte Póvera de los 60). Ni siquiera sus técnicas de conservación en formol son pioneras y ya existían antes de sus obras.

Frente a todo ello alguien se puede preguntar, ¿por qué es entonces tan famoso?

 

Quizás su éxito radique en la fuerza icónica de sus imágenes, como el tiburón con las mandíbulas abiertas que flota silenciosamente en el líquido azulado, dejando al espectador una sensación de inquietud verdaderamente palpable. Ya no es una representación, es una presentación de unas de las imágenes que más miedo nos pueden producir a nosotros, occidentales burgueses que nos bañamos en la playa cada verano y tenemos en nuestro inconsciente colectivo las imágenes de Spilberg.

Esta fuerza radica, además, en algo ya había descubierto los surrealistas. Mirad esta imagen.

 

 

Tomada de http://www.teinteresa.es/ocio/Hirst-pagan-millonada_5_674982503.html?itemId=11

 

No es sólo el animal real, es toda la carga de maldad, de brutalidad que nos descarga como una corriente eléctrica. Es una de las tácticas de Hirts, colocarnos ante nuestra parte más terrible, hacernos conscientes del grado de sadismo, venganza o violencia reprimida que tenemos cada uno de nosotros en nuestro interior. Acaso por eso nos perturban, igual que hicieron los surrealistas al utilizar los tabúes de la sangre, las vísceras, los excrementos o el sexo en los años 20 (como ya mencionamos al hablar de Bataille). Simplemente habría que volver a ver el famoso Perro Andaluz de Buñuel  o estas obra de Óscar Domínguez

 

 

Óscar Domínguez. Máquina de coser electrosexual. (1933)

 

 

Quizás sea este su mérito, contar lo innombrable, lo que la buena educación, la memoria colectiva o lo políticamente correcto nos impiden. Hacerlo, además, de una forma efectista que prescinde de lo estético para brutalizar aún más la sensación

  

 Tomado de http://luz-sonriente.tumblr.com/post/34302671294/damien-hirst-verity-ligier-degas-crossover

Pero en Hirts hay otra constante que se utiliza como forma de conmoción. La muerte. Su tratamiento vuelve a recordar al surrealismo. La muerte como una sociedad secreta, como diría Bretón en su Manifiesto Surrealista de 1924. Un lugar previsto, una cita ineludible que pese a adornarse con diamantes (o precisamente por ello, por confrontarse con el brillo y lujo inútil que tienen los diamantes en la muerte) crea una potente imagen que juega entre lo macabro y lo obsceno (aunque no tenemos, curiosamente, esa sensación cuando vemos ejemplos muy semejantes, como la famosa máscara funeraria de Tutankamon; pues acaso el tiempo, su pátina, llena de un cierto sentido estético a ese lujo aterrador y lo hace pasar por arte)

               Por el amor de Dios. Calavera real con diamantes engastados

 

 

Máscara de Tutankamon.

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Tutankamon

 

Y la comparación no es gratuita. Una de las obras exhibidas en su última muestra que ha batido todos los records de venta es precisamente una vaca casi sagrada, nimbada y con las pezuñas doradas, como si fuera el Buey Apis redivivo.  

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Becerro de oro

Tomadas de http://kinua.blogspot.com.es/2008/11/hirst-horsch-de-arte-contemporneo-y.html

En este sentido, una de las pocas obras que he podido ver directamente del autor, me impresionó, lo reconozco. Se trataba de la llamada Trampa para moscas. Una gran vitrina dividida en dos espacios intercomunicados. En uno de ellos había larvas de moscas que iban naciendo, alimentándose del azúcar de un platillo. Al desarrollar sus alas, algunas de ellas pasaban por azar al otro habitáculo en donde existía una trampa eléctrica en donde las moscas se achicharraban (como las que existen en algunos bares de carretera), dejando el suelo de cristal tapizado con sus cadáveres.

 

 

Trampa de Moscas

Tomado de http://www.dobleclic.com/%C2%BFdamien-hirst-arte-o-especulacion/damien-hirst-thousand/

 

Realmente la metáfora no podía ser más evidente. Somos como moscas que nacemos y morimos ante la mirada impávida del espectador. Un verdaderamente terrible Gran Hermano que se desarrolla ante nuestros ojos que ven pasar el tiempo como si fuéramos dioses menores de las moscas.

 

LA EVOLUCIÓN DE LA PLANTA EN LA ARQUITECTURA GÓTICA

 SDELBIOMBO - 23 DE DICIEMBRE DE 2014 - 08:51 - GÓTICO

 Evoluciona desde la cruz latina con deambulatorio del románico de peregrinación (XI-XII)

Catedral de Santiago

Tomado de https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_854.html

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En el protogótico (XII) se desarrola este modelo, normalmente con el eje longitudinal muy destacado y larga cabecera (Notre Dame de París)

Catedral de Sens

Tomado de wikipedia

En el gótico clásico (XII) las plantas tienen un transepto cada vez menos resaltado mientras aumentan la cabecera, terminándose por unir

Catedral de León

Ya en el XIV y XV la tendencia es hacia la planta salón (espacio unitario) con ejemplos de cinco naves y doble deambulatorio sin transepto visible en planta (aunque sí en alzado) como Toledo (XIV).

Catedral de Toledo

En el gótico mediterráneo del XIV también se tiende a espacios más diáfanos (Jacobinos de Toulousse), igual que el flamígero del XV (San Juan de Reyes)

Santa María del Mar (Gótico mediterráneo)

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 (San Juan de Reyes)

CONCEPTOS FUNDAMENTALES DE LA ARQUITECTURA GÓTICA