BOTERO. PABLO ESCOBAR

 

Aunque Pablo Escobar tuviera obra de Botero, la relación no era mutua, y Botero siempre lo consideró como un acontecimiento nacional desafortunado para todos aunque no tuviera esa imagen, en especial en ciertos barrios desfavorecidos que él mecenaba.

El narco llevaba meses en busca y captura y fue  localizado por  la policía en los tejados de la ciudad de Medellín, estaba descalzo y pesaba 100 kilos, y muy pronto fue abatido

El peculiar estilo de Botero le permite tratar un tema tan sumamente trágico (y brutal; abatido por una lluvia de balas) de una forma casi infantil, reconvirtiendo la tradicional iconografía de San Sebastián por un villano moderno.

Una forma casi de realismo mágico (con esas balas volando hacia su cuerpo) en una ciudad de cuento que es la terrible Medellín de la violencia extrema.

Una pura paradoja entre la representación y la narración que le da un fuerte valor artístico.

ORATORIO DE SAN JUAN BAUTISTA. URBINO. 2

 

Como ya veíamos aquí, el oratorio de principio del XIV fue pintado a principio del XV por dos hermanos, Lorenzo y Jacopo Salimbeni de  San Severino Marche.

Si en los frescos de San Juan prevalecía el carácter narrativo y la elegancia formal tanto cromática como en su dibujo suave, en el gran altar de la crucifixión cambian las prioridades.

Nos encontramos entonces con su estilo más expresivo en donde el dibujo no aporta belleza sino expresión y dolor de aquellos que son partícipes de la crucifixión.

El mundo se llena de gritos y tensión y hasta los pequeños niños pelean mientras la Magdalena ruge arrancándose sus cabellos, la Virgen cae desmayada, los ángeles lloran mientras recogen su sangre y otros, llevan las almas a la salvación o la perdición en el buen y el mal ladrón.

CONOCIENDO URBINO

Nápoles según Erri de Luca

Nápoles es una ciudad de contrapelo, de esas que arañan la pizarra con las uñas, y el mármol, con la hoja de un cuchillo. A sus inquilinos les provoca erupciones cutáneas. Quien se apea en Nápoles lo sabe de antemano: habrá muchas cosas que le tocarán. Las ciudades que acaban en el mar se deslizan de buena gana hacia las olas a través de pasajes angostos. Acaso por defensa, para que el enemigo se adentre incómodamente en ella por embudos, estrechamientos, gargantas. 

(...)

Nunca maternal ni indulgente: no guardo recuerdo de que perdonara a los suyos ni que los suyos se perdonaran entre sí.

(...)

Provengo de la tupida humanidad de una ciudad abarrotada: ni puertas ni ventanas atrancadas salvaban del potaje sonoro de peleas, discusiones, comidas, cisternas, fiestas, lutos e insomnios ajenos. No podía uno oponerse, taparse los órganos: la densidad desbordaba, consumía el aire. El dialecto era una lengua de asfixiados: conciso,

Napátrida. Volver a Nápoles (Erri De Luca)

TODOS NUESTROS POST SOBRE NÁPOLES

Flores de agua. Mares mercuriales

                                                  Vicente Camarasa Domínguez

Todos los derechos reservados

Calpe, 2023

De la serie Flores de agua

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                                                   (Una primera aproximación)

TODAS NUESTRAS FOTOGRAFÍAS

LA CERTOSA DE SAN MARTINO. NÁPOLES

 

La iglesia

El claustro grande

La sacristía

Las estancias del prior

                                                        El pesepre de Cucinello (y 2)

Giovanni Sottocornola L'alba dell'operaio, 1897

El día se resiste a aparecer cuando los obreros ya se encuentran en camino a la fábrica.

En la ciudad fantasmal aún alumbran las luces de gas (que junto a las vías del tranvía nos hablan de la modernidad, una que no da nuevos horizontes sino que encadena más a los hombres) y la sombra de los hombres avanza como si fueran espectros, bultos deformes que trabajarán hasta la noche.

El autor experimenta con la técnica divisionista que hace extenderse la luz desde las farolas hasta irse perdiendo en la niebla y los reflejos

VIRGEN BLANCA CATEDRAL DE TOLEDO

En el centro del coro hay una de las piezas más exquisitas de toda la catedral.

Se trata de una Virgen blanca que habitualmente se ha supuesto francesa de principios del XIV (Georg Weise), aunque recientes estudios la adelantan a finales del XIII, pues en 1288 Gonzalo Pérez Gudiel pidió ser enterrado a sus pies, en el coro.

Se trata de una iconografía derivada de las glycofilusas bizantinas en donde se reafirma la relación (maternal), entre la Virgen y su Hijo, algo que se reafirma con la sonrisa de Ella y la actitud amorosa del Niño, que le toma delicadamente el mentón.

Hemos pasado de una relación puramente teológica (la Virgen Kiriotissa románica) a otra humana que pretende acercarse al fiel a través de la empatía. La Virgen ya no es sólo un trono de Dios, sino la madre de todos, una intercesora a la que acogerse (como las famosas Cantigas de Alfonso X, también toledanas).

Estéticamente hemos pasado del antinaturalismo románico al realismo idealizado de las formas que usa la belleza como forma de persuasión ante un nuevo público urbano.

Su curvatura la podemos analizar como una forma de manierismo en la que desemboca el gótico clásico, igual que su canon tan sumamente alargado y esbelto.

Se encuentra realizada en alabastro y conserva gran parte de su policromía al estar resguardada desde el comienzo en el coro (y también por la costumbre de vestirla, como fue habitual hasta el siglo XX)

TODOS NUESTROS POST DE LA CATEDRAL DE TOLEDO

Eugenio Merino. Lavado de Cara

En el último Arco, Eugenio Merino realizó una fantástica instalación: un lavavajillas relleno de platos serigrafiados con los retratos de los líderes de la extrema derecha mundial: Donald Trump, Giorgia Meloni o Santiago Abascal,

El título lo deja todo evidente: lavado de cara, la que hacen los medios de comunicación y redes que que blanquean (convirtiéndolos en una nueva normalidad los gritos, bulos, insultos, odios, resentimientos, violencias de todo tipo...) a estos movimientos que están socavando nuestro mundo escondidos tras su supuesta libertad de expresión, sinceridad absoluta o puro sentimentalismo

 

Emilio Lara. La venus del Espejo

 Podríamos hablar de dos libros en uno.

El primero es fantástico. Nos narra la asombrosa historia de Olimpia Maidalchini que consigue salir del convento acusando falsamente al sacerdote y lentamente va escalando peldaños en la sociedad italiana, casándose primero con un viejo rico y, ya viuda con un miembro de la familia Pamphilj.

A través de él comenzará a vivir en el palacio de la familia en la Piazza Navonna y conocerá al hermano de su marido, el oscuro religioso que terminará convirtiendo primero en Nuncio en Nápoles y Madrid, luego en cardenal y por último en papa, Inocencio X.

Su ansia de poder, su capacidad de evaluar a los enemigos y las situaciones le permiten moverse en las intrigas vaticana hasta convertirse en la papisa en la sombra, generando múltiples críticas (los famosos pasquinos) que le acusan de nepotismo, robo e incluso, amancebamiento con el Papa.

Sin embargo, Olimpia tiene también un lado luminoso, como el apoyo a instituciones de prostitutas retiradas, de huérfanas, incluso de prostitutas en ejercicio (aunque por un módico precio de mordida).

También es una gran mecenas que utilizará a Bernini y Borromini para su gran proyecto, la Piazza Navonna y sus fuentes, palacio e iglesia.

La segunda parte de la novela es la que dedica a Velázquez y su Venus del Espejo, bastante más floja.

Las ocupaciones artísticas del pintor están bien desarrolladas pero la historia de amor con la pintora Flaminia Triunfi (en la que ni siquiera aparece Antonio, el hijo de ambos) y el propio cuadro son, con mucho, lo más flojo de la obra.

En cuanto Roma, la gran protagonista de todas estas novelas está magníficamente representada, igual que el Madrid Barroco o el Nápoles de la rebelión de Massianello. Las escenas de las navidades y los carnavales son magníficas y muy ilustrativas.

VELÁZQUEZ BÁSICO

SOLSONA EL MALO. Sobre los cambios en la vida

 Amor Towles. Un caballero en Moscú. Salamandra 2018

Solsona

ÁNIMA MUNDI

AQUELLAS PRADERAS AZULES. Todos quisimos ser Sony Croquet

Miami Vice fue para mi algo más que una serie de policías. Fue toda una revelación

Quizás la frase pueda parecer excesiva pero fue totalmente cierta aunque sea difícilmente explicable pues, ¿quién puede explicar que sus iluminaciones de videoclip, su gusto por los montajes complejos, casi oníricos, pudieran cambiar la vida a nadie?

Pues precisamente a mi.

Con ellas y descubrí un concepto de glamour que unía la belleza con el estilo. Una belleza como forma de vida, como una justificación en medio de la podredumbre (no sólo física sino también moral) que me fascinó.

Sus trajes elegantes combinados con camisetas de colores se convirtieron para mi en un paradigma del gusto pero también en una forma de pensamiento, enseñándome caminos desconocidos: No era necesario ser como todos. Lo único imprescindible era encontrarse a sí mismo. Sólo así se podría triunfar.

Aquí estaba el quid de todo, y sólo necesitaría los siguientes 30 años para lograrlo

Hasta ese punto te puede cambiar la vida una simple serie llena de trajes de Armani y Ferraris, de héroes cansados que se mantienen en pie por pura dignidad mientras todo se derrumba a su alrededor y el amor, siempre, ya se perdió.

Eso y la vida dentro de una canción, con aquellos temas magníficos de Phil Collins o de Jan Hammer sobre los que se montaban el clímax de las historias y que yo años después repetí en la terrible película que perpetramos en la asignatura de Audiovisuales II de tercero de magisterio, pues era como si la vida (al fin) llevara preparada su propia banda sonora que hiciera de altavoz de las emociones.

Una perfección que yo siempre había perseguido durante años, vivir en una canción muchos años como si cada pedazo importante de nuestras vidas pudiera enclaustrarse en los tres minutos y medio de un tema.

¿No es eso lo que estoy pretendiendo con todas estas praderas azules?

Acaso mucho más tarde descubrí, que al menos en la música, ese sueño lo cumplió ya Spotify en su versión premium, pero a mis quince años esa serie de lanchas motoras lanzadas a toda velocidad entre los Cayos fue imprescindible para ampliar mis modelos de épica y y ratificar mi imaginario de perdedor con clase y amor perdido.

Pues incluso en los momentos más ardientes de amor con Sabrina en su tercera vez yo siempre supe que era (querría haber sido) Sony Croquet, atenazado por pasados que no pudieron nunca ser.

Amores perdidos, compañeros heridos, oportunidades que nunca pudieron ser posibles

Luis.

AQUELLAS PRADERAS AZULES. ÍNDICES

ÁNIMA MUNDI

Böcklin. Ninfa en el río

Es una pintura de promesas, de futuros que nosotros ya conocemos.

Si no fuera así veríamos la clara influencia de la pintura paisajística clásica y de las luces con las que Corot acariciaba sus árboles junto al río. Veríamos un tema clásico (una ninfa) en una naturaleza exuberante y una paleta aclarada por el contacto con la pintura clásica en Roma (pero también por experiencias de mediados de siglo que estaban confluyendo a las formas luminosas que terminarán en las no sombras impresionistas, como las de Courbet, Millet o Manet).

Una pintura que oscila entre un segundo estadio del romanticismo (lo que llamaremos muy pronto simbolismo) y el realismo.

Todo esto lo verían los espectadores de ese momento pero nosotros le añadiremos (pues esa será su flecha del tiempo que desarrollará su pintura madura) que hay un extra de erotismo (en el paisaje y su crecimiento lujurioso, en la posición y el abandono de la ninfa que nos está empezando a convertir en mirones) que convierte el tema clásico en una nueva fuente de sensaciones y símbolos (la sexualidad y el agua y el paisaje).

El pasado del futuro simbolismo

Cavallini. Mosaicos sobre la vida de laVirgen. Santa maría del Trastévere

En el último tercio del siglo XIII, la llegada de un nuevo pontífice que pone en un nuevo orden la situación política en Roma (Urbano IV) , va a reflejarse en una renovación estilística de alguna de las grandes basílicas como Santa María del Trastévere o San Pablo Extramuros (Cavallini) o Santa Maria Maggiore y Letrán (Torrini) ya en tiempos de Nicolás III

Se trata de una de evolucionar sobre la tradición musivaria paleocristiana que en el caso de Cavallini será mucho más intensa y personal.

La cuenca absidial es románica y Cavallini añadirá la banda inferior de escenas de la vida de la Virgen

En ellas combina sabiamente unas figuras de extraordinaria verdad sin perder su majestuosidad de matronas y príncipes romanos.

Figuras que cada vez tienen mayor volumen gracias al claroscuro

Así como extraordinarios edificios en perspectivas frontales y esquinadas que están ya muy cerca del futuro Giotto

Según  White, utiliza una serie de toques de luz en los paños que derivarían del arte bizantino en sus cúpulas como una manera de hacer restallar las superficies más oscuras y darlas una nueva vida (en parte espiritual) casi invisible para el espectador.

De la misma manera, la iconografía será bizantina.

TODOS NUESTROS POST SOBRE SANTA MARÍA DEL TRASTEVERE

Tres AGUAS. Cristina Iglesias. Toledo

 

El pulso regular de Tres Aguas evoca la simbiosis mente-cuerpo de todo organismo viviente así como la reciprocidad que debe existir entre la naturaleza y la sociedad, el individuo y la comunidad. Los trabajos de Toledo abren los ojos de los habitantes de la ciudad a las fuerzas naturales que circulan bajo sus pies y sostienen nuestra existencia

Marina Warner, 2015 The springs beneath, the flow above, the light within

En 2014 Cristina Iglesias realizó tres instalaciones en Toledo de la que hoy sólo podemos contemplar la de la plaza del Ayuntamiento, en donde, como si la geología se hubiera hecho visible en medio de la ciudad una gran grieta atraviesa la plaza, como una inesperada surgencia.

El agua transcurre por este improvisado arroyuelo rellenándolo progresivamente hasta crear una pequeña laguna que sirve como espejo de Ayuntamiento y torre de la Catedral.

Un reflejo que introduce su trampantojo, pues el cauce de agua tiene como fondo una escultura que recuerda las raíces y los tallos, esas plantas acuáticas que lentamente invaden los arroyos.

Se introduce entonces, también, la biología, el propio paisaje en la artificialidad de la ciudad.

Un maravilloso arte impuro

VELÁZQUEZ. UN CABALLO HUÉRFANO

En el museo de las colecciones reales encontramos (como una de sus joyas) este magnífico caballo blanco, atribuido a Velázquez.

Lo conocemos ya en el inventario que se hizo de la Casa del Tesoro, taller del pintor junto al Alcázar.

Lo que no sabemos si era un modelo para otros caballos o un cuadro inacabado.

Tenemos que recordar que la forma de pintar del artista era compleja, y se realizaba por partes. Primero el caballo (de ser un retrato ecuestre), luego las vestiduras (montadas sobre un esqueleto), más tarde el paisaje (mirando por las propias ventanas de su estudio, mirando la Sierra del Guadarrama) y por último el rostro y manos.

Este caballo sería, por tanto, el principio del proceso. Un caballo en corveta, como correspondía a reyes, príncipes y (también) validos como el Conde duque. Girando en una leve diagonal hacia el fondo que le haría ganar profundidad a la escena.

Un caballo como trono portátil, como ya explicamos aquí, tan utilizado en los retratos del salón de Reinos

                             VELÁZQUEZ BÁSICO