jueves, 28 de julio de 2016
lunes, 25 de julio de 2016
LOS NAVIGLI (CANALES) DE MILÁN
Desde tiempos medievales Milán sintió la necesidad de comunicarse y, a falta de mar y en una gran llanura, ideó una serie de canales navegables (navigli) que le conectaran con los principales ríos de la zona (1179) por los que se transportaban mercancías y los propios sillares del Duomo.
Sin embargo, esta estructura sufrirá una enorme mejora en el siglo siglo XVI gracias a la intervención de Leonardo da Vinci quien, animado por los Sforza, puso sus conocimientos ingenieriles para mejorar el sistema, creando las presas necesarias para salvar los desniveles.
Su construcción se siguió ampliando hasta tiempos napoleónicos, perdiéndose poco a poco a partir del XIX que fue sepultándolos (sobre todo en el centro de la ciudad) ante los nuevos tipos de transporte.
Imágenes JV
jueves, 21 de julio de 2016
ÁNIMA MUNDI
Escalera de incredulidad es: todo lo solido se desvanece, Dios ha muerto, desaparecieron los grandes relatos, nada puede decirse de las cosas sino alrededor de ellas, sociedad líquida, globalización, física cuántica y famosa tertuliana escribe un libro
Vicente Camarasa Domínguez
lunes, 18 de julio de 2016
EL PALAZZO BRERA. MILÁN
Más conocido por su excepcional museo, el propio edificio es también sumamente poderoso, aunque muestra claramente el estancamiento de la arquitectura milanesa que sigue basándose en ideas manieristas cuando el barroco ha triunfado ampliamente en Roma (el proyecto es de mediados del siglo XVII, de Francesco María Richino, siendo continuado por sus hijos hasta el siglo XVIII)
Así podemos verlo en su magnífico patio, aún dependiente de los modelos palladianos y serlianos con sus vanos alternados con dinteles sobre dobles columnas. (Es muy probable que el modelo inmediato fuera el Colegio Borromeo de Pavía realizado por Tibaldi)
Hay, sin embargo, elementos ya planamente barroco, como la escalera de doble rampa o la vocación por eliminar los espacios compartimentados manieristas en favor de un eje central más destacado.
De la misma manera, su gran portada recuerda a modelos (para la época arcaicos) de palacios romanos protobarrocos
domingo, 17 de julio de 2016
ÁNIMA MUNDI. El cronopio
En un mes de abril de tiempos pasados se encontró un cronopio abatido por las balas, en un barrio poco respetable.
Nunca se dio con su asesino, aunque muchos sospecharon que, detrás del arma, hubo una potente cadena televisiva.
jueves, 14 de julio de 2016
REFLEX-IONES. Castilla: Rigor ascético
miércoles, 13 de julio de 2016
EL DISCO DE TEODOSIO
Se trata de un gran disco de plata (que se encontró doblado sobre sí mismo y roto en Extremadura). Con él se conmemoraba el décimo o el decimoquinto aniversario (según se interprete una de sus letras) del reinado del emperador Teodosio I, el último emperador del imperio romano conjunto y autor del edicto de Tesalónica (que declaró oficial la religión cristiana), nacido en España
A sus lados se encuentran Arcadio y Honorio, los hijos en los que dividirá definitivamente el Imperio.
El disco nos representa al Emperador entronizado y nimbado, una imagen habitual del poder imperial que será, convenientemente cristianizado, el origen del Pantocrator del que ya hemos hablado aquí
Está efectuando la tradigio legis y se encuentra separado de sus súbditos por el tamaño (perspectiva jerárquica) y el escabel en el que apoya los pies.
A su espaldas se sitúa (centrando su imagen) un templo al modo oriental (posiblemente el disco fuera fabricado en Constantinopla), con un arco de medio punto que rompe el frontón, mientras que la parte inferior la ocupa una representación mitológica de la abundancia.
El canon desproporcionado de las figuras (excesivamente alargadas), su falta de conexión con el espacio (con unos pies ya danzantes) y el hieratismo de los personajes nos están hablando de un tránsito de la estética de lo clásico a lo medieval, tal y como ya pudimos analizar en la estatua de Constantino o los relieves del obelisco de Constantinopla, también patrocinados por Teodosio
Este tipo de piezas suelen denominarse missorium, grandes bandejas ceremoniales que el emperador enviaba a las distintas provincias como una forma de remarcar su poder
Las fotografías pertenecen a la réplica que conserva el Museo de Mérida
martes, 12 de julio de 2016
LA CAPILLA DE SANTO TOMÁS EN SANT' AGOSTINO. ROMA
En el crucero izquierdo de la iglesia se encuentra un magnífico retablo marmóreo dedicado a Santo Tomás de Villanueva (el santo limosnero del que ya hablamos aquí)
El autor de su diseño aún se discute pero lo más probable fuera una sucesión de trazas de Rainaldi, Borromini y de nuevo Rainaldi (como había ocurrido en la cercana Sant' Agnese in Agone de la Piazza Navonna) que iban acumulando elementos y ritmos, siendo difícil distinguir lo debido a cada autor.
Las esculturas pertenecen a Gaffá y Ércole Ferrata, más berninescas en las esculturas de gran bulto de la parte central, más influidas por Algardi los paneles laterales.
Exorcismo de un endemoniado
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domingo, 10 de julio de 2016
CARAVAGGIO, LA VOCACIÓN DE SAN MATEO
En esta pintura
se presenta un tema religioso; podemos observar a Jesús que busca a San Mateo y al entrar en una taberna, le señala para que le siga.
A través de
la temática del cuadro se pretendía volver a acercar a la sociedad a la
religión de forma didáctica, sobre todo a las clases más bajas, apostando
por el realismo como podemos observar en las figuras tanto en sus rostros (que
eran muy familiares para el pueblo ya que los modelos eran gente de a pie) como en su comportamiento (ya que se encuentran en una taberna); todo ello para crea una conexión directa
con el espectador.
El soporte
ha cambiado frente al renacimiento; ahora se utiliza el óleo sobre
lienzo apoyándose en la pincelada suelta típicamente veneciana que nos muestra
el predominio del color sobre la línea.
En cuanto a la luz ,un rasgo muy
característico de Caravaggio es el tenebrismo que se consigue
con una luz diagonal totalmente expresiva, aportando mayor tensión a las figuras mediante el claroscuro
La composición es atectónica y asimétrica, creando una sensación de inestabilidad y
de relación entre ellas como podemos apreciar en el hombre que esta de espaldas
o la mano de Cristo, aunque sin lugar a dudas la más impactante es la figura del
fondo que se sujeta en la mesa con la cabeza inclinada
El espacio se consigue gracias a los fuertes escorzos, mediante los cuales acerca el espacio
literalmente al espectador.
Comentario
Esta obra
pertenece al Barroco italiano (s XVII)
La iglesia había dividido Europa; por un
lado católicos, cuya base social era estamental y su gobierno era la monarquía
absoluta; por otro lado, protestantes cuyas bases eran el capitalismo y el
parlamentarismo. Este periodo también es conocido por la rebelión cultural que
dio a conocer a figuras como Galileo o Descartes.
El artista ya forma parte al
servicio de los grandes poderes que usaban el arte como propaganda para poder
afianzar su prestigio.
Su mayor mecenas es la iglesia que, tras el concilio de
Trento, retoma el control ideológico para convencer por medio de la persuasión, basándose en las apariencias.
Se crean corporaciones como los jesuitas que
promulgan el catolicismo combatiendo la herejía con un
mensaje claro y conciso, sin distracciones, con la ayuda el veedor.
Por ultimo, para atraer la atención de los fieles surge la teatralidad, el sentimiento y la
mística que se plasman en el barroco efímero como las procesiones donde hacen
sentir participe al pueblo.
Caravaggio
influye con su tenebrismo y realismo extremo tanto en el barroco italiano como en el flamenco (Rubens con el descendimiento) y holandés (Rembrandt con la lección de anatomía); por otro lado influye en el barroco
español principalmente en el primer
tercio del s XVII, en Ribalta, donde queda plasmado en San francisco confortado por un
ángel, y más tarde en el segundo tercio del siglo XVII en Velázquez, cuyo
estilo evolucionará, aunque en su primera etapa sevillana hace uso de la técnica
tenebrista como vemos en El aguador de Sevilla
Capilla Contarelli en San Luis de los Franceses. En el centro San Mateo con el ángel, a la izquierda la Vocación y a la derecha el Martirio
Martirio de San Mateo
María Vega. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo
María Vega. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo
sábado, 9 de julio de 2016
FRAY ANGELICO EN SAN MARCOS. FLORENCIA
La anunciación
La pintura que
se nos presenta es de carácter religioso, en ella aparece el tema religioso de
la Anunciación donde el arcángel San Gabriel anuncia a María que va a ser madre
del Mesías. (En la del Prado aparecen también se
puede ver la Trinidad con el espíritu santo en forma de paloma y a Dios padre
en la arquitectura encima de la columna central).
El mensaje que quiere transmitir es una religión dulce y
sencilla que enseñe pero sin necesidad de someter a los seguidores.
El soporte
sobre el que se realiza es mural y la técnica la del fresco que consistía en
aplicar yeso sobre el muro y después pintar poco a poco.
La composición
de esta obra es simétrica cuyo eje separa al ángel de la
Virgen. Las figuras geométricas que utiliza el autor principalmente es la forma triangular
que enmarca a cada uno de los personajes.
Predomina la línea sobre el color, siendo
colores pasteles propios de este período del Quattroccento. Se aprecia muy bien
el detallismo de la obra en las flores o en la decoración de las columnas.
La obra
refleja una luz muy natural con fines representativos y en su fondo se aprecia en
la perspectiva alzada dónde se va inclinando hacia arriba.
Las figuras
que se nos presentan son idealizadas, ya que embellecen la realidad, con un carácter divino, canon estilizado y posición estática, Carecen la expresión de su rostro pero se pueden reflejar en ellas los sentimientos; se
ve la psicología del personaje y se muestra una relación entre ambas. Los paños
que se aprecian son acartonados y podemos fijarnos en las texturas como en los
árboles o en los propios pliegues.
La.
La Anunciación. Detalle
La obra que vamos
a comentar es la Anunciación de Fra Angélico que se encuentra en el Convento de
San Marcos en Florencia.
Esta obra pertenece al Renacimiento italiano, concretamente al Quatroccento. Dentro de esta corriente se pueden observar dos formas de expresión: una más
expresiva y centrada en la investigación de la perspectiva o el claroscuro (Masaccio) y otra más sentimental, como la que nos encontramos, cuyo principal
representante es el autor Fra Angélico o Botticelli
Algunas características que hacen que
podamos clasificarlo en esta etapa y escuela es el uso de los colores más pastel, el
gusto por lo curvilíneo y un canon estilizado, Podemos decir que tiene grazia, siendo un estilo más cercano al gótico pero con algunas innovaciones como la
perspectiva alzada.
Santo Domingo agarrado a la cruz (las figuras laterales son posteriores)
El contexto histórico en el que se realiza esta obra es un momento histórico de revalorizar la Antigüedad Clásica siguiendo los ideales de Grecia y Roma (por ello se llama Renacimiento). Se vuelve una sociedad antropocéntrica dónde lo más importante es el ser humano y en el arte a partir de ahí se puede ver la idea de antropocentrismo cristiano, donde igualan al ser humano con Dios , y del consiguiente Conciliatto, uniendo elementos paganos con religiosos.
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Esta obra recibe influencias anteriores de Simone Martini, perteneciente al trecento italiano, debido al uso del pan de oro, el detallismo, los sentimientos…y generará influencias posteriores como el mismo cuadro pero que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid o incluso el propio Boticelli, que se fijará mucho en las idealización de las figuras y el detallismo que plasmará en sus cuadros futuros.
Anunciación. Taller
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Nerea Viejo. 2º Bach. IES Los Olivos en Mejorada del Campo
Tributo de la Moneda, Masaccio. Capilla Brancacci. Florencia
La obra pertenece a los frescos de la Capilla Brancacci, en
Florencia.
TEMA
La obra es de tipo religioso y narra la
vida de Jesucristo y San Pedro. En éste concretamente Cristo pide a San Pedro
que pesque un pez y en el estará la moneda para que Pedro pague al cobrador.
TÉCNICA Y SOPORTE
Está realizada sobre un mural mediante la técnica del fresco
(su aglutinante es la clara de huevo). La desventaja de esta técnica es la
tardanza del secado y no poder añadir detalles pues una vez que se seca no se
puede pintar encima.
LA COMPOSICIÓN es simétrica y tiene como eje central la
figura de Cristo. Además, es contrapesada, pues se observa el mismo número de
figuras a ambos lados de la imagen de Cristo que crean una forma rectangular en torno a la cual se ordenan las dos escenas laterales. Los gestos de Cristo y la figura agachada junto al río dan una
sensación de dinamismo. Las líneas fundamentales son las verticales y
horizontales.
LÍNEA Y COLOR
Predomina la línea sobre el color aunque con un trazado más
esbelto (comparado con el trazado grueso del Románico). La alternancia de colores fríos y cálidos consiguen también que la composición esté equilibrada y por tanto esté en armonía.
LA LUZ es cenital y representativa pues el foco central recae sobre la figura de Cristo.
ESPACIO
Hay un gran interés por el espacio, tanto por el uso de la
perspectiva lineal (que organiza las figuras en relación con las líneas de fuga
que se juntan en un punto de fuga, el punto más alejado del paisaje), como por
el uso del claroscuro y las figuras de
espaldas alrededor de Cristo que dan una sensación de profundidad y realismo al
espacio. La arquitectura en perspectiva y el personaje de espaldas (al modo de
Giotto) crean un ámbito espacial a Cristo.
LAS FIGURAS son idealizadas, es decir, embellecen la realidad, además tienen un canon correcto (copiando el modelo clásico).
La figuras de la derecha, el
hombre junto al río, y las figuras de espaldas están en escorzo por lo que da
dinamismo y perspectiva a la escena. Estas se relacionan mediante los gestos de Cristo y
las miradas entre los diferentes personajes que recorren los diferentes puntos
de la composición.
Son expresivas e individualizas (dejando la isocefalea
románica). Interesan las texturas al tacto aunque los paños son un poco
acartonados
COMENTARIO
Este fresco pertenece al Renacimiento, concretamente al
Quattrocento (sigo XV) como se puede observar en la armonía de la composición y
en el uso de la perspectiva lineal que busca la belleza y perfección clásica.
La función de la obra es religiosa y estética.
El mecenas
(personaje importantísimo en el Renacimiento, pues es quien encarga la obra de
arte) será la familia Brancacci (dueños de la capilla) con una intención pública
pues al ser banqueros el encargar obras de arte intentaban mejor su reputación.
El autor firma las obras. Su autor,
Masaccio, relacionado con figuras como Brunelleschi y Donatello, realiza
importantes estudios sobre la perspectiva, el canon armónico y las composiciones equilibradas.
Sigue la corriente más vanguardista del Quattrocento (que a su vez sigue elejemplo del Giotto) por lo que se interesa por la perspectiva, la expresión
psicológica de los personajes y la relación entre ellos por medio de gesto) a
diferencia de la corriente que seguirá Fra Angelico, basada en Simone Martin, que muestra un claro interés por la grazia de las figuras, la idealización de
las mismas y por las líneas curvas.
Se observa el antropocentrismo cristiano por el que Dios y
el hombre conviven en sus respectivos ámbitos debido a que el hombre comienza a
tener importancia de nuevo (al igual que en el mundo clásico).
La arquitectura de la derecha, con los arcos de medio punto
y las columnas puede referirse al mundo clásico por lo que estaría empleando el
conciliato, es decir, la introducción en la misma obra de elementos cristianos
(como es el propio tema) con elementos paganos.
Masaccio recibe la influencia del Giotto (surgida en el
Trecento) y probablemente de la arquitectura y escultura clásica pues no se
conocerá pintura hasta el siglo XVIII cuando comiencen las excavaciones en la
ciudad de Pompeya (enterrada bajo las cenizas del Vesubio).
Posteriormente
estos frescos influirán PIERO DELLA FRANCESCA en autores del Cinquecento en
autores como Miguel Ángel o Rafael.
Miriam Gutierrez, 2º Bachillerato, IES Los Olivos en Mejorada del Campo
jueves, 7 de julio de 2016
ÁNIMA MUNDI
Me estoy volviendo mayor y cada vez veo con más temor todo rasgo posmoderno, líquido o cuántico que me rodea.
LAS certezas, aunque sean inciertas, cada vez me son más necesarias
Vicente Camarasa Domínguez
martes, 5 de julio de 2016
GANDÍA, ALGO MÁS QUE PLAYA Y FIESTA
Además de lo ya conocido, Gandía tiene un bellísimo casco histórico que muchos visitantes ni siquiera pisan.
Os invito a recorrer rápidamente algo de sus lugares.
La colegiata de Santa María, de los siglo XIV y XV, con una portada, la de los Apóstoles, de Forment.
El Museo Arqueológico (con múltiples muestras del amplio patrimonio prehistórico de la zona) al que se ha añadido las dependencias del antiguo hospital de San Marcos, en donde se expone una interesante colección de pinturas (desde Juan de Juanes a Ribera)
El palacio Ducal, de orígenes medievales y ampliamente reformado por los famosos Borgia. En él nació y pasó gran parte de su vida San Francisco de Borja
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