Jacomart y Reixach. Retablo de Santa Ana. Seo de Játiva

El cardenal Alfonso de Borja, más tarde Calixto III, encargó a Pere Reixach en 1452 un retablo para la capilla de santa Ana, protectora de la Familia Borja. Hoy se conservan muy pocas tablas de aquel retablo. En 1924 se recompuso lo que ahora tenemos 

Como aparece en la parte superior (y también en los diversos contratos firmados en Roma) este retablo se realizó por Reixach (aunque algunos autores quieren ver también la mano de su maestro, Jacomart) para la capilla financiada levantada por el papa Calixto III.

En la zona central se encuentra santa Ana (patrona de los Borja) con María y el Niño en la típica secuencia medieval de ir reduciendo el tamaño de las figuras para adaptarlas al tema. A sus lados, como donantes, San Joaquín y el arcángel San Gabriel

A la izquierda, la tabla representa a san Agustín, obispo y doctor de la Iglesia junto su madre, santa Mónica, arrodillada .

La tabla de la derecha nos muestra a san Ildefonso

Sobre estas tablas aparecen el bautismo de san Agustín celebrado en la catedral de Milán  por el obispo san Ambrosio con santa Mónica dando gracias a Dios , y la imposición de la casulla a san Ildefonso.

Ahora aislados de la composición se encuentra Santa Helena y San Sebastián

Todas las composiciones son de gran riqueza cromática (con una especial riqueza en los suelos de baldosines polícromos) que contrastan con la gravedad y volumetría de las figuras, trabajadas de una forma ya casi renacentista

Willian Godward. Campaspe

Campaspe es uno de los pocos desnudos integrales del pintor John William Godward.

Este pintor se mueve entre el final del prerrafaelismo (del que toma una versión dulce pero profundamente sexualizada del pasado) y la obra de  Alma-Tadema,

Para su realización, posó la joven modelo británica Lily Pettigrew.

Campaspe era la famosa  concubina de Alejandro Magno y modelo de Apeles para su Venus Anadiomena, aunque , en el fondo, es simplemente la excusa para un desnudo tan sumamente explícito que se adorna con un sucinto escenario de riqueza y poder.

Es la mujer, tan habitual en la época, que inspira deseo a la vez que temor. Su autocontrol, su empoderamiento (diríamos ahora) es un señuelo sexual a la vez que un peligro (esto ya lo analizamos , la mujer fatal, aquí, y también aquí) y la convierte en una divinidad perversa. que se amplifica con su exquisito uso de las texturas

Cranach, el Viejo. Charitas

 

El tema es habitual en la obra del pintor y su taller, repetido en diferentes interpretaciones y composiciones.

Deriva de la las composiciones italianas en donde una mujer amamantaba a uno o dos hijos, que él retoma con su característica forma de desnudos

La aparición de las manzanas introduce la iconografía cristiana de forma muy tangencial

LOS TEMPLOS GRIEGOS DE PAESTUM

Fundada por los colonos griegos de Sibari, eligieron la fértil llanura al sur del río Sele para fundar la ciudad, con el nombre de Poseidonia.

Paestum fue probablemente una de las ciudades griegas más grandes en la costa del mar Tirreno en la Magna Grecia. Conquistada por los Lucanos a finales del siglo V a. C., que la llamaron Paistos, fue conquistada posteriormente por los romanos a quienes debe su actual nombre de Paestum.

El templo dórico de Atenea edificado en piedra caliza local, se remonta a finales del siglo VI a. C.

Templo de Neptuno, es el más grande y es el mejor conservado, se remonta al siglo V a.C. y es considerado como un magnífico ejemplo de la arquitectura dórica en la península itálica.

La atribución a Neptuno se debe a los investigadores del siglo XVIII que creyeron se había construido en honor del dios Poseidón-Neptuno que da nombre a la ciudad. Sin embargo, estudios recientes lo atribuyen a Apolo, en su calidad de médico.

Su estructura es períptera, exástila y de tres naves en el interior de la naos con un doble orden.

El Templo de Hera es el más antiguo de los tres templos, el templo estaba dedicado a la diosa Hera, esposa de Zeus . Fue construido alrededor del año 550 a.C.

OTROS POST SOBRE PAESTUM

YOLANDA ANDRADE. DIOS ES BISEXUAL

 

Esta imagen es perfecta para explicar dos de las características más definitorias del trabajo de Yolanda Andrade.

Por una parte se encuentra su fascinación por lo urbano y la expresión popular que ella recoge en pintadas y múltiples manifestaciones de Méjico DC.

Por otra parte esta su activismo en favor del colectivo LGTBI+, algo complejo en una sociedad tan tradicional y machista como es la mejicana.

El mensaje es tan breve como rotundo y abre una inacabable polémica que afecta a las mismas bases (más emocionales) de la religión católica (tan heterosexual y ante todo tan masculina), pero se carga de emotividad con los personajes movidos que la atraviesan, uniendo una sentencia (moral e ideológica) con la vida más cotidiana

Ángeles Santos. Mi Mundo

 vagos ángeles malvas

apagan las verdes estrellas

Una cinta tranquila

de suaves violetas

abrazaba amorosa

a la pálida Tierra.

Pintada en 1929 cuando la artista tenía solo 17 años, esta obra monumental se inspira en estos versos del propio Juan Ramón Jiménez.

A partir de ellos, y mezclando realismo mágico, surrealismo y Nueva Objetividad alemana, la jovencísima pintora crea todo un mundo que cambia la esfera por las caras de un gran cubo.

En ellas se multiplican las escenas sin parar, jugando con las perspectivas y las proporciones, ensamblando puntos de vista como haría un cubista.

Con paredes abiertas el espectador puede fisgar con toda comodidad y ver cines o escuelas

Hay trenes, barcos o entierros

Si ahora abandonamos el detalle y volvemos a la totalidad nos encontraremos con dos aspectos angélicos

Rodeando toda la tierra cuadrada hay múltiples ángeles que toman los rayos de sol para iluminar sus estrellas.

Por otra parte, y a la derecha, nos encontramos con otras alienígenas mujer que acunan a sus crías al son de la música mientras otras figuras, también filiformes, onduladas, bajan por una escalera de caracol

En todo el cuadro reina la creación de un mundo nuevo con sus propias mitologías y quehaceres que a veces se parece al nuestro pero es cambiante, oscilante. Un lugar en donde hay tragedia pero también ternura, y un poco de risa y mucha poesía que está muy cerca de las verbenas de Maruja Mallo

PISCINA STELLA. MADRID

La Piscina Stella, ahora cerrada desde hace años, fue una arquitectura de vanguardia. Un magnífico ejemplo del racionalismo con ecos Decó construida en los 40 por Fermín Moscoso del Prado y remodelada en los 50 por Gutiérrez Soto.

Su estructura blanca, de líneas muy claras y formas sin ángulos crean una arquitectura bella, muy audaz para la época, llena de glamour decó (relacionado con una imagen marinera relacionadas con los Club Naúticos) pero también de movimiento, de modernidad.

En realidad esta era la idea, casi profética, que la generó: crear un lugar moderno, limpio y feliz en medio del desastre de la postguerra española. Un lugar para el ocio de una clase pudiente, glamurosa, cercana de la Avenida de América, su conexión con la base (entonces exclusivamente americana) y los estudios cinematográficos de la CEA.

A partir de entonces el Stella dejó de ser solo una piscina para convertirse en uno de los primeros clubes sociales de ocio integral de España, una auténtica rareza en la época y todo un símbolo de modernidad. Además de una de las piscinas más elegantes de la ciudad, los socios del club podían disfrutar de una peluquería, pistas de frontón y bolera, salón de baile, bar, restaurante, bingo y zonas ajardinadas.

Fue todo un centro de la riqueza y el glamour nacional con visitantes como los duques de Windsor, músicos como Xavier Cugat o Antonio Machín, Alfredo Di Stéfano o Ava Gardner, que creaban un ambiente hedonista, mucho más abierto a la mentalidad dominante (desde el bikini a los primeros topless de su solarium).

TODOS NUESTROS RINCONES DE MADRID

Erasmo de Roterdam Quentin Metsys

Mucho más cercano al renacimiento que su obra religiosa (acaso por el propio hecho del humanismo que representa la imagen y la influencia de Durero).

Su forma triangular, su serenidad o el juego de luces nos acercan al mejor estilo italiano.

De todas formas seguiremos viendo sus maneras flamencas en su gusto por la figura esbelta y detallada o el exquisito trampantojo de las tijeras sobre el mueble

Su rostro tiene una profunda concentración, una especie de pensamiento hecho imagen, casi un Platón redivivo.

Sin embargo, todo esto no era más que una puro juego, pues en la obra completa (un díptico, existía una segunda figura, de de otro humanista amigo de Erasmo y de Moro, Pieter Gillis.

Nos encontramos, por tanto, no sólo con un hombre que piensa, sino que lo hace en compañía, esa República de sabios platónica que pone en la palabra su pegamento.

MACELUM DE POZZOULI

Pozzouli fue la entrada del gran puerto creado en tiempos de Augusto para la flota imperial que sólo entró en decadencia con la construcción del puerto de Ostia en tiempos de Claudio.

Entre los restos imperiales se encuentra este magnífico macellum, mercado, con gran patio porticado y termas.

En su parte central se encuentra un tholos con cuadro entradas en forma de cruz griega.

En esta zona se puede observar perfectamente el bradisismo consiste en un periódico descenso  o ascenso  del nivel del suelo por fenómenos en el nivel de magma de la cámara magmática. En las columnas se pueden observar las huellas de presencia marina en el tiempo

LUCIO VAQUERO , LA REPRESENTACIÓN Y EL PASO DEL TIEMPO

 Lucio Vaquero tiene en la última exposición en la sala Fernández Braso dos ideas recurrentes en su evolución estilística.

La primera de ella es la importancia de la tensión entre realidad y pintura. Realidad que recoge de forma exquisita en sus dibujos y que más tarde se transforma por medio de las craquelaciones de los pigmentos, el cambio del color por gamas únicas, la superposición de imágenes tan querida por la posmodernidad...

Junto a esto, hay un constante referirse al paso del tiempo como destructor. Un tiempo aniquilador, como Saturno comiéndose a sus hijos.

Las obras se llenan de espacios descascarillados, todo es ocupado por una tristeza mate.

La instalación que ha presentado es perfecta para explicarlo.

Un mobiliario antiguo, de una gran riqueza (gracias al pan de oro y el trabajo de la madera) que, como si fuera un Dalí, deja escurrir una sustancia espesa, grumos oscuros que manchan y comen el oro y los muebles, cubriéndolos con indiferencia.

El pasado que siempre regresa, el tiempo que nos desintegra pese a toda la riqueza