Sala de batallas. El Escorial

Con claros efectos propagandísticos, la sala está organizada para una visita lineal de ida por una pared y vuelta por la pared con ventanas.

Comienza con la batalla de la Higueruela que mantuvo Juan II de Trastámara en las inmediaciones de Granada en julio de 1431; entre las ventanas, la campaña de San Quintín, el 10 de agosto de 1557, por cuya victoria y en acción de gracias se levantó el monasterio, y en los testeros, dos episodios de la anexión de Portugal ya en 1583, la conquista de las islas Terceras y de las islas Azores

Los artistas elegidos fueron todos de origen genovés: Niccolò Granello (1553-1593), su hermanastro Fabrizio Castello (1562-1617), Lazzaro Tavarone (1556-1641) y Orazio Cambiaso (m. s. XVI-ca. 1600), hijo del pintor Luca Cambiaso.

 

Estéticamente, la obra al fresco responde a los modelos renacentistas de claroscuro y perspectiva (aunque con un punto de vista muy alto o perspectiva caballera, habitual en las escenas de batallas desde la mismísima columna de Trajano)

Evidentemente adolecen de fuerza e intensidad por su profundo geometrismo a lo hora de componer un friso tan lago que más que una composición unitaria se divide en varios trabajos individuales.

PARA SABER MUCHÍSIMO MÁS SOBRE EL ESCORIAL

EL GRECO. SAN SEBASTIÁN

En los últimos años de producción (1510-14), y apoyado por su taller, el trabajo del Greco llega a cotas  insuperables.

El control de la pincelada cada vez más deshecha, los colores fríos y ácidos, con esos maravillosos grises metalizados, las anatomías estilizadas sin fin, creadas por bandas de sombras verticales (especialmente visibles en las piernas), las lívidas luces o el punto tan elevado sobre el horizonte son algunos rasgos más llamativos de este periodo.

En él todo se ha convertido en color y pintura, casi un mundo abstracto que se dirigiría a las emociones (muchas de ellas místicas, pues retrata el alma torturada de los hombres, siempre en lucha por ascender hacia el absoluto)

El personaje es el conocido (y contradictorio) San Sebastián del que ya hablamos largamente aquí como emblema de la homosexualidad.

En cuanto a su curiosa exposición se debe a que en algún momento del XIX el cuadro se troceó, reuniéndose ambos fragmentos en 1987 (aunque con faltas que cubre el marco)

Como siempre en esta época, Toledo al fondo, espectral con su castillo de San Servando y puente de Alcántara

EL GRECO BÁSICO

FELIPE II POR TIZIANO

• Se estima entre 1550-1554, tras los encuentros de Tiziano con Felipe en Milán y Augsburgo, casi coincidente con el Felipe II con armadura del Museo del Prado

.Frente a la segunda esta obra insiste en la idea de príncipe renacentista por completo italiano. Todos sus bordados y damasquinados o sus calzas cortadas nos hablan de un retrato de la elegancia (y con ella la sofisticación y lujo).

Aparece también el toisón de oro como símbolo de la casa de Borgoña que da paso a la austriaca

Existe además un retrato aún psicológico (frente al rey oculto, aquel que esconde sus emociones tras una máscara hierática que será la aportación de Antonio Moro, luego seguida por sus discípulos) que deberíamos emparentar con una obra anterior, el cansado Carlos V en la batalla de Mülhberg

.Ya vemos aparecer en él los pies en compás que serán habituales en nuestra expresión de realeza pero aún no el juego de dos perspectivas de las piernas

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LOS MORA Y LA FACHADA DEL ALCÁZAR DE MADRID

Luego sustituido, tras un pavoroso incendio, por el actual Palacio Real, el Alcázar fue el lugar de la monarquía durante siglos.

Posiblemente sus primeras piedras correspondan al  propio castillo islámico, más tarde ampliado por los Trastamara y, ya en el siglo XVI por Covarrubias para Carlos V y Felipe II.

Ya en tiempos de Felipe III se le pide a Francisco de Mora (terminando el proyecto su sobrino Juan Gómez de Mora) la reorganización de la fachada principal, que reviste ambas torres con un nuevo paramento, con chapiteles superiores.

Entre ambos, y como una segunda piel, se organiza una fachada de ventanas corridas con escudo central (muy cercano a los proyectos de Covarrubias para el cierre del alcázar de Toledo) y tejado de pizarra con buhardillas al modelo escurialense que se une a los citados chapiteles

Autorretrato con Virginal (O Lucia Anguissola, hermana de Sofonisba)

 

Desde Duero hasta Rembrandt, es la artista -femenina o masculina- que más veces se representó a sí misma. La mayoría de estas obras corresponden a su etapa italiana de juventud, durante la década de 1550, 

De una manera práctica, era el mejor modelo que podría encontrar (ella o su hermana) y un soporte publicitario que su padre envió a varias cortes.

También lo podemos entender como la perfecta representación de la mujer cultivada que permanece es el domicilio y se dedica a labores de hogar (costura) o formas artísticas (como la música o la pintura)

SOFONISBA ANGUISSOLA. ÍNDICES

Aparición de Cristo resucitado a su madre, Pedro Berruguete.

Esta  aparición de Cristo resucitado a su madre, ca. 1500, de Pedro Berruguete, se encuentra en la Colegiata de Santa María del Campo, Burgos.

Es una verdadera obra maestra del palentino. Un delicado equilibrio entre el realismo heredado de la corriente hispano flamenca, hegemónica en Castilla, y las lecciones italianas sobre volumen y uso de la luz de Piero della Francesca.

Esta magnífica oposición es sumamente evidente en el fondo plano y decorativista, con estofados que recuerdan a los textiles del momento, y la volumetría y duro realismo de las figuras.

Un verdadero prodigio, además, de detallismo al modo flamenco

Frente a la gravedad, elegancia y belleza de la Virgen.

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Jacometrezo. Medalla Felipe II

 

Jacopo da Trezzo (escultor, arquitecto, orfebre, joyero y entallador de gemas.) forma parte de ese grupo selecto y variopinto de artistas italianos que trabajaron para los primeros austrias (los Leoni, Juanelo Torriani, ...)

Tras trabajar durante años para Cosme de Medici, se trasladará a Madrid en donde creará taller, siempre vinculado con Felipe II, realizando trabajo para el Escorial (tabernáculo del Escorial) y la corte.

En este caso se trata de una medalla (que deberíamos emparentar con las que ya había realizado León Leoni para Carlos V) en donde aparece su efigie y, en el anverso, un carro triunfal con cuadriga (acaso Helios?) que conmemora su proclamación en Bruselas

EL PALACIO DEL PARDO. SU ESTRUCTURA FILIPINA

El antiguo pabellón medieval de caza del Pardo se realiza de nuevo por orden de Carlos V.

Su primer arquitecto será  Luis de Vega hasta su muerte en 1562 que realizará el plano general en torno a un patio central (siguiendo el modelo creado por Covarrubias en su reforma del alcázar de Toledo)

A partir de entonces, el mando lo llevará Juan Bautista de Toledo que lo terminará (1569) a la manera filipina de techos de pizarra y chapiteles en las esquinas (como el propio Escorial, que también él comandaba).

Realizó también un jardín renacentista sobre el foso que debió ser muy cercano a los de Aranjuez, y una casa de oficios (también semejante a dicho Palacio)

Este palacio será muy dañado por un incendio, teniendo que ser reconstruido en la tradición escurialense por Francisco de Mora: 11604-1612 y Juan Gómez de Mora: 1604-1612 

Imágenes: Infografías Colecciones Reales

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EL SOPLÓN. EL GRECO

Pintado en sus años romanos (1570-75) en al menos tres versiones (una de ellas en el Prado, triple).

Evidentemente en lo estético se encuentra muy cerca de Bassano (a quien conocería en Venecia) y sus juego lumínicos en donde la luz sale del propio cuadro, creando los personajes a través de fuertes claroscuros.

Ideológicamente se ha planteado una imitatio de lo antico, tomando las Historias Naturales de Plinio describía a Lycios, Antífilo y Filisco habían representado a un niño soplando unos tizones encendidos, algo que sería muy bien visto en el ambiente humanista de los Farnesio en donde estaba recogido, apoyado por Giulio Clovio y el bibliotecario Fulvio Orsini.

Manuela Mena plantea una interpretación suplementaria, la de crear una fábula moralizante sobre el camino solitario que el hombre, siempre un niño ingenuo a los ojos de Dios, no debía seguir en modo alguno (refiriéndose a las múltiples herejías, como la de alumbrados, que estaban surgiendo en estos momentos tan confusos)

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SOTACORO DE LA BASÍLICA DEL ESCORIAL

La ampliación del coro a los pies de la basílica hizo que el sotacoro, ya proyectado como espacio de transición entre la basílica y el patio, siendo lugar de celebraciones más populares en sus dos altares laterales.

Por ello, Herrera tuvo que realizar toda una proeza arquitectónica, crear una cúpula casi plana que por medio de pechinas se sustenta en arcos rebajados sobre pilares.

Para evitar su caída cada uno de los círculos de dovelas se sujeta a sí mismo (como un anillo de comprensión) y, por medio de un encaje oblicuo de los sillares, desplaza el peso hacia los laterales.

Algo verdaderamente asombroso

PARA SABER MUCHO MÁS DEL ESCORIAL

EL RETABLO DEL ESCORIAL

Juan de Herrera (como arquitecto), Jácome Trezzo (como organizador y orfebre), Pompeo Leoni (como escultor), Juan Bautista Comane (tallista de piedras) y Zuccaro y Tibaldi como pintores son la asombrosa nómina de artistas que intervienen en este retablo, cumbre del purismo español (un equivalente al cinquecento italiano ya con notas manieristas)

La traza del retablo se organiza de forma arquitectónica de órdenes alternados (como ya haría el Coliseo y en el renacimiento del Quattrocento, Alberti, con órdenes dórico, jónico y corintio de abajo a arriba). 

Dichas columnas de mármoles y bronce dorado apoyan dinteles que convierten a toda esta máquina en una retícula de rectángulos de proporción aúrea en la calle central que se va reduciendo armónicamente hacia los extremos

En ella se encuentran, en la parte baja, una custodia claramente inspirada en San Pietro in Montorio, y en la parte alta, una crucifixión con Deesis.

 

Tanto los materiales (mármol, bronce dorado) como la composición rigurosa y geométrica o las formas utilizadas en las esculturas consiguen una majestuosidad equilibrada, solemne y rica, algo perfecto para este lugar central del escorial en donde se funde Dios (la custodia) el rey (con sus habitaciones laterales) y la historia (el panteón real, lugar de enterramiento de los reyes hispanos; bajo las escalinatas).

La pintura central. de Tibaldi, es claramente de un estilo manierista reformado, heredera de la imagen miguelangelesca con una luz y color con sugerencias venecianas

LEÓN LEONI. MEDALLA DE CARLOS V

La medallística fue una disciplina resucitada en el renacimiento con la misma ideología de Roma: recordar y publicitar las figuras de poder.

Como bien aparece en la medalla Carlos V se autotitula emperador (del Sacro Imperio) y es reflejado en perfil estricto en el rostro (como las monedas romanas) y toda una panoplia de símbolos vinculados con el poder (armadura de rey guerrero, como el Rey David bíblico con el que siempre se identifica como monarca conquistador; Toisón de Oro que se vincula a Jasón y los Argonautas, pues los reyes hispanos procedía de Hércules, uno de los héroes de la travesía; la corona de laurel de los vencedores...).

Fue realizada por su escultor italiano que también realizaría (él y sus hijos) sus estatuas orantes (Escorial) o en pie.

Reverso en donde el emperador se compara con Hércules, uno de los fundadores míticos de la monarquía

EL GRECO VS SÁNCHEZ COELLO. EL RETRATO DE DIEGO DE COVARRUBIAS

Sánchez Coello.

Diego de Covarrubias fue un jurista, político y eclesiástico español, hijo de Alonso de Covarrubias y hermano de Antonio de Covarrubias y Leyva (uno de sus principales mecenas)

El Greco nunca le llegaría a conocer, pues murió en el mismo año en el que él llegó a Toledo, y realizará su retrato partiendo sobre el que ya le hubiera hecho Sánchez Coello.

                                                 El Greco

Viendo ambos retratos podemos observar el abismo que separa ambos lados del manierismo español.

                                                  El Greco

El de Coello bebe del detallismo de origen flamenco que recoge a través de Antonio Moro, siempre atento a la minucia, con un estilo más dibujístico y preciso.

Por el contrario, el Greco es deudor del color y la pincelada veneciana, de la visión general y óptica sobre la parcial y mental de Coello.

Sánchez Coello.

Es un manierista mucho más romano y límite que no se para ante la realidad y tiende a su transformación artística.

Sólo en Velázquez se unirán ambos mundos

LOS REYES DE JUDÁ. PEDRO BERRUGUETE

En la predela del retablo de la iglesia parroquial de Paredes de Nava (su localidad natal) se encuentran unas tablas de los reyes de Judá, una de las obras maestras del pintor.

Su inspiración hay que buscarla en la galería de hombres ilustres del studiolo que el propio Berruguete (junto a Justo de Gante) habían realizado para Federico de Montefeltro.

Igual que le ocurre con otras obras , el retorno a Pedro a Castilla es también un retroceso estilístico (al menos en parte)

Como puede verse los fondos clásicos y perspectivas anteriores se han convertido en fondos de pan de oro con esgrafiados y han vuelto a aparecer las posturas frontales (aunque resisten también los típicos perfiles estrictos relacionados con Piero della Francesca).

Probablemente se trataba de adaptarse al gusto más conservador de Castilla (en donde la gran novedad era el mundo flamenco o hispano flamenco tan detallista y rico, muy emparentado con el gótico internacional), pues debajo de estos ropajes hay un renacimiento profundo.

Primero en ciertas formas técnicas, como el magnífico claroscuro, detalles como los marcos en los que se apoyan ropajes o elementos que demostraban su profundo conocimiento de la perspectiva o la penetración psicológica de los personajes.

Luego en el plano ideológico, pues estos reyes de Judá tienen un profundo antropocentrismo que los individualiza y los convierte en modelos de ser y comportarse en la vida, con la fama como forma de trascendencia y un conciliato que une lo religioso con el poso clásico.

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