VAN EYCK. Virgen y Niño

Todas las características tan sumamente peculiares de este autor se encuentran en este pequeño cuadro.

Tomando el modelo tradicional de Virgen Galactotrofusa, la encierra en un diminuto espacio doméstico, lo cual agranda de forma desmesurada su figura sin romper su exquisitez (Es en el fondo una recreación de la devotio moderna que busca un acercamiento del hecho religioso a los sentimientos particulares, aunque aquí profundamente influida por la nueva clase social, la burguesía, que consigue incluir lo sobrenatural en sus propios ámbitos cotidianos)

Este se construye con su tradicional perspectiva un tanto alzada que se proyecta hacia el espectador por medio de la espléndida alfombra, las paredes laterales y el palio superior.

Para su construcción utiliza también la luz con la característica ventana abierta. Sus infinitos matices destacan las distintas calidades de los objetos, incidiendo aún más en el realismo (casi táctil) de la escena (desde los característicos paños acartonados al brillo de los metales, la exquisitez de la redoma de agua, los bronces, la joyas, los textiles....).

Todo esto no se encuentra reñido con su minuciosidad y detallismo que se encuentra en todas sus obras, ni con el complejo simbolismo de los objetos más cotidianos (desde las naranjas como signo de riqueza, el agua como la idea de la virginidad, los pequeños leones de los brazos del trono que recuerdan la estirpe de David

KIEFFER. La memoria dolorosa

Muy alejado de sus contemporáneos de los Jóvenes Salvajes, la obra de Kieffer es una densa y dolorosa confrontación con el pasado (en especial el alemán) que es retomado una y otra vez para hacernos recordar sin remedio, pues como su maestro, Beuys, está convencido que el arte no debe ser estético sino ético, y su misión es sanar traumas y cicatrices a base de dolor y memoria.

Persiguiendo este fin, Kieffer utilizará todo tipo de estrategias, desde el puro informalismo, la escultura, los objetos, el fuego y el ácido o la propia escritura.

Todo ello envuelto en una paleta de grises y ocres, de pura suciedad y óxido que rememoran (al contrario de las grandes obras conmemorativas) momentos históricos que marcaron el nazismo, envolviendo al espectador en sus formatos gigantes al que irremediablemente nos acercamos para ir encontrando los rastros más mínimos del horror (en realidad, gran parte de su obra se encuentra conectada con Tapies, tanto en su uso del objeto como evocador de sentimientos y emociones como por su tensión entre el trampantojo y una superficie sumamente textura que permite múltiples lecturas; como también del Povera o del expresionismo).

Un arte matérico y expresivo que huye de lo complaciente y recurre a formas míticas o reales en un vertiginoso torbellino

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EL RETRATO FEMENINO EN LA ÉPOCA FLAVIA

Frente al tradicional peinado augusteo (tipo nodus) poco a poco irán apareciendo (ya en tiempos de Tiberio) más rizos en los laterales (las antiae) y con bucles que caen sobre los hombros.

Lentamente se multiplican las antiae, ascendiendo por la cabellera que se amplía como un alto tupé.

Es el periodo de los Flavios cuando este modelo llegará a sus extremos, especialmente en el magnífico busto Fonseca que abre el artículo.

En la parte trasera, el peinado se concluye con un aparatoso nudo (casi como una ensaimada) creado por trenzas.

Para todo este nido de abeja (o de gradus) se utilizará el trépano.

Para saber del retrato masculino Flavio

ESTABA ESCRITO

 

SOLSONA LA BUENA

Vicente Camarasa Domínguez

Todos los derechos reservados

ROMA 2012

PINTURA DEL GÓTICO LINEAL SOBRE TECHUMBRES

Escena de cacería

Hace unos días veíamos el espectacular alfarje del Monasterio de Santo Domingo de Silos, y a él nos remitimos para comprender la temática y la ideología de tales pinturas.

Juglar

Hoy queremos mostrar el pequeño pero excelente conjunto de pintura sobre techumbres que guarda el MAN.

Pertenecen al Palacio de Curiel (Curiel de Ajos, Valladolid) y Stúñiga, siendo fechados a finales del XIV e íntimamente emparentados, tanto en los estilístico como lo temático, con los citados de Silos.

Lucha contra la bestia

Bajo la tradicional estructura de arcos mixtilíneos, que en realidad es una lacería continua, se desarrollan en campos de color absoluto (rojos y negros) que se alternan con zonas decoradas con peculiares atauriques.

Las figuras adoptan las maneras del gótico lineal de fuerte silueteado y fondos y colores planos (heredados del románico), a los que añade una mayor vivacidad a la hora de reflejar las escenas, más ricas en detalles, con un cierto gusto por la ondulación y formas decorativas generadas por los paisajes fórmula.

Lucha con hombre salvaje

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Escena amorosa

Escena de caza

Picasso. Periodo azul. El loco y la otra sociedad

En 1904 Picasso realizó una acuarela que dedicaría a su amigo Junyent (que estaba traduciendo las obras de Ruskin sobre el arte gótico)

Como en otras obras del periodo la influencia del Greco es fundamental (por su anatomía filiforme, con canon por competo distorsionado) pero también el miserabilismo presente en novecentismo catalán (cuyo caso más extremo será Nonell)

Nonell. Gitanas

En esta tendencia se busca los casos extremos de la sociedad (viejos, locos, prostitutas, enfermos, gitanas, mendigos, madres solteras ...) buscando en ellos las costuras últimas de la sociedad, aquellos lugares oscuros que se le arrojan a la burguesía biempensante de la ciudad.

                                           Comida del pobre

Pobreza

Se busca así erosionar el canon decimonónico (tanto en lo estético como en lo moral) que permitiera una visión más amplia de la realidad en donde se multiplican los modelos, permitiendo incluir más tipos de gentes (una plasmación en las obras del mundo bohemio en el que ya vivían estos autores, volviendo a pensar la pobreza o la locura que antes se había negado)

Esta tendencia la veremos aparecer en numerosas ocasiones en los principios del XX, como el caso de Schiele, abriendo el camino a la gran ruptura que se producirá en los años 20 con el surrealismo que romperé definitivamente con esos tabúes sociales.

JUAN DE HERRERA. LA CASA DE LA MONEDA DE SEGOVIA

En 1583, Felipe II encargó esta obra a su arquitecto regio, Juan de Herrera, con el fin de modernizar la producción de moneda.

Para ello se hizo traer maquinaria imperial (Hall, Austria) que funcionaba de forma hidraúlica, utilizando la corriente del Eresma en lo que había sido un antiguo molino.

 La arquitectura herreriana se adaptó entonces al mundo industrial, un hibridaje sencillo dado el carácter racional y desornamentado de su estilo que se repite incansablemente (techos de pizarra, con buhardilas y chimeneas provenientes de Países Bajos; decoración reducida a formas esenciales, eliminación de la columna y otros elementos estructurales por el muro desnudo, apenas articulado por formas básicas...), siendo modelos básicos para la futura arquitectura industrial de la Ilustración (como puede reconocerse en las reformas realizadas por Fernando VII en el ingenio)

JUAN DE HERRERA Y LO HERRERIANO

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DE TURISMO POR SEGOVIA

LIAM YOUNG. NEW CITY

 

El autor nos plantea tres videos en bucle en donde podemos enfrentarnos a tres ciudades del futuro.

La que abre el artículo nos muestra una construida (sobre y con) las islas de desperdicios que proliferan en nuestros océanos. ¿Será este el nuevo reciclaje de estas nuevas islas (están compactándose ya su suelo) que están fuera de cualquier jurisdicción (pues todas están en aguas internacionales? ¿Ciudades recicladas y piratas? ¿Puertos abiertos a todo lo alegal?

La segunda de ellas es una ciudad propiedad de una empresa tecnológica que se anuncia constantemente a sí misma.

La tercera es una ciudad Taobao, aquellas que se están especializando en la producción de diversos artículos para el comercio electrónico chino.

Una ciudad atravesada por larguísimas cintas transportadoras que llevarán a los consumidores sus compras.

En todas estas ciudades hay una clara influencia de la ciencia ficción y ciberpunk; solamente hace falta compararlas con Blade Runners, el gran clásico, con sus ciudades mestizas, acuiciadas por la lluvia ácida, llenas de luces y llamaradas, de pirámides de poder y anuncios tridimensionales.

EL SEPULCRO DE LOS ESPOSOS. VILLA GULIA. ROMA

Es una de las obras más espectaculares de todo el arte etrusco.

Realizada en terracota en el siglo VI a C. en un taller de Cerveteri en el que (Elvira Barba) trabajaban artistas locales fuertemente influidos por artistas jonios que se movieron por toda la península Itálica en este momento.

En realidad se trata de una urna funeraria que, sin embargo, tiene tamaño natural. Según Adolfo Domínguez Monedero se trataría de un objeto de doble función: la de presidir el propio banquete funerario desde el triclinium que se haría en su honor y la de ser representación de los futuros banquetes funerarios que realizarían los difuntos en el Otro Mundo.

Su tapa se realizará (por tamaño del horno) en dos partes, siendo la de las piernas totalmente desproporcionada (como si realmente careciera de interés). La otra representa a ambos esposos en actitud de intimidad y, pese a su frontalidad y estatismo, crean un ámbito propio con sus cuerpos y sus manos.

Los rostros tienen inexpresividad, con sus característicos ojos almendrados, sonrisa etrusca y pelo trabajado de forma geométrica, eliminando cualquier rasgo dórico para buscar formas elegantes y curvilíneas; una exquisitez que llega a su culminación en esta obra.