martes, 19 de enero de 2021

SAN PERE DE RODES. La basílica

                                        Desde los pies

                 

                                                    Desde la cabecera

 De todo el conjunto es su elemento más significativo tanto por su cronología (siglo X-xi) como por sus soluciones.

Planta

En principio encontramos una planta de cruz latina de amplia nave central y naves laterales muy estrechas, concebidas más como gigantescos contrafuertes que como lugares de paso.

La cabecera es mucho más compleja con tres ábsides, el central con deambulatorio de doble piso.

Deambulatorio.

Desde él podemos descender a la cripta para las reliquias (bajo el presbiterio), en la actualidad semicegada, con una gran pilar central. Según muchos especialistas esta primera girola de lo español tiene claras referencias al mundo carolingio y está claramente emparentada con Vic o Cuixá.

 Otro de los aspectos más destacables de la construcción es el alzado de su nave central y transepto, creado por medio de grandes pilares sobre los que se sobrepone un doble orden de columnas exentas.

 

 Frente a su novedad los especialistas no se ponen de acuerdo. Mientras unos (Gudiol, Badia i Homs) hablan de una continuación del mundo bajoimperial romano norteafricano o desde la propia Italia (en realidad, nos recuerda mucho a los grandes escenarios de los teatros romanos, fijaros en el de Bosra, Siria) con sus grandes capiteles de acanto.

Otros (Olaguer Feliu, Yarza), por el contrario, hablan de influencias islámicas, especialmente visibles en su aparejo de soga y tizón o sus capiteles de entrelazo.

Aparejo a soga y tizón

Capiteles con motivos entrelazados

 Llama también la atención el hecho de que todo el conjunto se encuentra abovedado con una excelente técnica de bóveda de cañón reforzada con fajones y formeros que apean en estas columnas. Con un material más liviano y peor cortado recuerdan modos arcaicos.

 

 Y por si todo esto fuera poco, nos encontramos aún con numerosos restos de opus spicatum, una técnica prerrománica de componer las lascas de piedras formando una espiga de pez (recordando así a Cristo, habitualmente representado así desde las catacumbas paleocristianas)

Opus spicatum

 

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sábado, 16 de enero de 2021

El no libro del sábado. Solsona la Buena. La llanura seminal

 La llanura seminal, una larga novela (525 páginas) sobre la vida de unos hombres en medio de la llanura infinita, a menudo atroz, que tanto podría ser la Pampa como una de las dos Castillas.

Creada por medio de múltiples diálogos internos que se suceden (primero) y (después, con mayor intensidad según se avanza hacia el final) se terminan por enredar como cerezas tristes, en palabras del propio autor.
De él apenas si se conoce el nombre, Avelino Fernández, y una decenas de opiniones sobre distintos temas entre sacadas de dos entrevistas (El País, octubre 2012; la voz de Galicia, noviembre 2013) que nunca incluyeron fotos.
Lo demás son simples comentarios sobre esta, su segunda obra, muchos de ellos más voluntariosos que verdaderamente valiosos.
Se insiste en ellas (de forma reiterada) en el paisaje como forma de sentimiento, a menudo atroz (de nuevo), casi siempre negativo, con un clima riguroso que pasa del hielo al fuego sin apenas transición para que las almas se puedan adaptarse al cambio.
Lo que olvidan, sin embargo, que, cuando más se profundiza en la obra, más se tiene la sensación de las causas-efectos son las contrarias a las más lógicas, y la tristeza precede a la lluvia, y un florecer en el pecho a la primavera, días después.
Por eso quizás no sea tan terrible (ni desdichado) la opinión de Vázquez, José Luis López, que ha planteado en algunas revistas (siempre minoritarias) que en La llanura infinita sólo existe ella. Es la propia llanura el único personaje que habla sobre sí misma, añadiendo voces propias para que parezca una multitud que se contradice y le permite pasar de la lírica a la épica sin otras molestias que el cambio de estilo de letra.

Leanla si pueden; les estremecerá el alma.



jueves, 14 de enero de 2021

CARRACCI EN EL PALACIO FARNESE

 SDELBIOMBO - - BARROCO

La pintura clasicista boloñesa que analizábamos aquí, tendrá su punto de inflexión en esta obra, tanto por su ambición, colaboradores (los Carracci acompañados de numerosos discípulos como Domenichino o Lanfranco) como ubicación, en pleno centro de Roma, en la vivienda de una de las familias romanas más poderosas.


Se convertirá así en un imán que expandirá el estilo a la vez que Caravaggio pintaba su capilla dedicada a Santo Tomás en San Luis de los Franceses.


La estética ya se encontraba suficientemente afinada en la Academia de los Incaminati boloñesa (aquí la explicamos) y simplemente tuvo que adaptarse a la nueva modalidad del fresco.


Para cubrir un tamaño tan excepcional los Carracci tomaron como modelo el sistema de cuadri riportati que había utilizado Miguel Ángel en la Capilla Sixtina (y había sido una constante del manierismo) que estableciera una ordenación falsamente arquitectónica para las distintas escenas 

Entre estos cuadros, y como los ignudi de Miguel Ángel, se pintan esculturas clásicas y putti sin otra función que dar una imagen de antigüedad y sin ningún sentido iconográfico

En todo el conjunto existe una voluntad de recrear el mundo del Cinquecento (de Rafael y Miguel Ángel) pasado por el nuevo color veneciano.

Quizás la escena más famosa el triunfo de Adriana y Baco, acaso una celebración del amor por encima de todas las dificultades, aunque el sentido último de las pinturas aún está debatido

martes, 12 de enero de 2021

LOS COLORES MANIERISTAS CON EL GRECO COMO EJEMPLO

 SDELBIOMBO - - RENAC. ESPAÑA

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 El manierismo (especialmente el denominado frío frente al cálido de un Miguel Ángel o sus seguidores) es un estilo aristocrático, dirigido a personas de cultura, refinadas, un tanto hartas de la perfección formal del Renacimiento clasicista. Por ello se buscará lo artificioso, aquello que nunca se haya hecho, lo sorprendente, lo imaginativo.

Partiendo de esta idea es lógico que nos encontremos de un estilo que huya tanto del naturalismo como del idealismo. Se trata de una búsqueda (individual) por la sorpresa, el artificio…

Esto lo podemos ver perfectamente en los colores. Esos tonos metálicos, tornasolados o (y) ácidos que invadieron todas las grandes obras del momento.

Los tonos metálicos son aquellos que se vuelven blancos al darles directamente la luz, como ocurre con el metal, produciendo reflejos. Los podéis ver perfectamente en este cuadro de su apostolado (también en la imagen que abre el artículo)

 

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

En cuanto a los tornasolados (en el fondo una evolución fantasiosa de los metalizados) son aquellos que cambian de tono con la luz, pudiendo pasar del verde al amarillento, como vemos en muchas ocasiones en los cuadros del Greco

 

Fijaros en la capa del ángel

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

Lo de colores ácidos es más complejo de resumir, pues en el fondo nos encontramos con una metáfora sinestésica (es decir, que pasa un adjetivo de un sentido, en este caso el gusto, a otro, la mirada). Estos colores (muy típico el amarillo verdoso) es un color tan chirriante en el ojo como chupar un limón (¿No lo percibís? Es esa misma sensación). Colores inestables y muy difícilmente representables en la memoria, vociferantes, llenos de aristas.

Lo mejor para comprenderlos es verlos.

 

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco

 

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:El_Greco



lunes, 11 de enero de 2021

EL PALACIO DE COGOLLUDO. UN RENACIMIENTO ESPAÑOL ANTES DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA

 SDELBIOMBO - - RENAC. ESPAÑA Tradicionalmente se habla de tres etapas en la arquitectura renacentista española: plateresco (como ya vimos en Torrijos), clasicismo o purismo (con Siloé o el Palacio de Carlos V en Granada) y herreriano-manierismo (Escorial o Valdelvira).

Sin embargo, en esta cerrada clasificación siempre se ha desmarcado Lorenzo Vázquez y su mecenas, Pedro González de Mendoza y su yerno, don Luis de la Cerda, primer duque de Medinaceli que estudió en Salamanca, tradujo la Odisea y la Eneida y formó una brillante colección artística (Aquí hablamos del mecenazgo de los Mendoza)

 Entre ambos crearon un renacimiento de un purismo que tardaría casi cien años en repetirse, verdaderamente un Quattrocento transportado a Castilla (junto a Cogolludo, 1492 y 1495, su otra obra maestra será el Colegio de Santa Cruz en Valladolid o su palacio en Guadalajara)

No tenéis que ver más que el estricto y maravilloso almohadillado

 

O la obsesión por las formas geométricas, regulares, modulares, con claras líneas de imposta horizontales.

 

O la magnífica portada con sus candelieri

 

 Y sus escudos

 Evidente aún encontramos algunos detalles goticistas (como los que en la misma época podemos encontrar en Italia) como las ventanas o las tracerías superiores

 

 

 

 En cuanto al italianismo tan temprano de este edificio, Víctor Nieto habla de la influencia del sobrino de don Pedro, Iñigo López de Mendoza, que acababa de regresar de Roma en donde había sido embajador, así como posibles planos de Filarete para el banco de los Medici en Milán incluidos en su tratado de architectura

 

Tal vez ésta podría ser su imagen original

 

Posible imagen original

Tomado de http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=9975

 

Para saber más de este autor

http://www.canalsocial.net/ger/ficha_GER.asp?id=3274&cat=biografiasuelta


FOTOGALERÍA ENLAZADA DE LORENZO VÁZQUEZ

jueves, 7 de enero de 2021

LA PINCELADA SUELTA. LA REVOLUCIÓN PICTÓRICA DEL SIGLO XVI. GIORGIONE Y TIZIANO

 SDELBIOMBO - PINTURA VENECIANA

Observad estas dos fotos, por favor. 

 

Detalle Nacimiento Venus. Botticelli. Siglo XV.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Sandro_Botticelli

 

 

Tiziano. La Venus de Urbino.

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Titian

 

Además de las diferencias de físico y temperamento hay una técnica que cambia por completo la forma de verlas, el uso de la línea y el color

Si observáis la primera, Botticelli primero dibuja la figura (sus contornos) y luego colorea. Esta técnica (el predominio de la línea sobre el color) hace que los perfiles sean muy nítidos y que las distintas partes del cuadro puedan tener un gran detallismo.

Éste fue el estilo típico del primer Renacimiento italiano o Quattrocento, durante el siglo XV.

 

Sin embargo, Tiziano ha utilizado otra técnica muy distinta. Si observáis con atención veréis que no utiliza la línea, sino que las figuras se van realizando por medio de pequeñas manchas de colores, toques de pintura, de pinceladas dadas unas junto a otras. A esto se le ha denominado pincelada suelta o predominio del color sobre la línea.

Esta técnica, nacida en Venecia en el siglo XVI, será verdaderamente revolucionaria y enseguida será tomada por los pintores de la siguiente generación (ya barrocos) como Velázquez, Rembrandt,

Rubens…

 

¿Por qué tuvo tanto éxito?

Por varias razones.

 

En primer lugar porque estas manchas, si se observan a la distancia adecuada, parecen hacer más reales los objetos. Puede resultar un poco extraño pero el ojo es el que termina la pintura (en realidad el cerebro), que une estas manchas en una figura real, dando así más realismo al cuadro.

Esto lo puedes comparar por ti mismo comparando estas dos imágenes ecuestres (a caballo).

 

 

Andrea del Castagno. (Siglo XV. Quattrocento)

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Andrea_del_Castagno

 

 


 

Tiziano. Carlos V en la batalla de Mullberg. Siglo XVI. (Con pincelada suelta)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Titian

 

Con la pincelada suelta, además, el paisaje resulta más natural (pues en la Naturaleza hay muy pocas líneas, que son un invento del hombre). Compara estos dos cuadros.

 

 

Detalle Anunciación Fra Angelico. (Siglo XV)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Annunciation_by_Fra_Angelico

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Giorgione. La tempestad. Siglo XVI (Con pincelada suelta)

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/Giorgione

 

 

Esta técnica mejora también la capacidad de transmitir sensaciones táctiles (lo que en arte se llaman texturas). Comparad estos dos cuadros y mirad como el segundo es capaz de transmitir mucho mejor los distintos materiales, su suavidad o dureza, su brillo

 

 

Ucello. Batalla de San Romano. Siglo XV

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paolo_Uccello

 

 

Tiziano. Venus del espejo. Siglo XVI (Con pincelada suelta)

 

Por último. La pincelada suelta aumenta la unificación entre figura y fondo gracias a que los perfiles de las figuras se vuelven algo borrosos (igual que ocurre con nuestra visión)

 

 

Concierto campestre. Giorgione o Tiziano. Siglo XVI

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Titian

 

Aquí explicamos cuándo y cómo surgió esta pincelada suelta.