Afrodita, Pan y Eros.

Se representa a Pan agarrando el brazo  de Afrodita, que se estaba desvistiendo para el baño. Ella protege su desnudez y le amenaza con una sandalia. Eros intenta defender a su madre

La escena se interpreta como el enfrentamiento de los conceptos de desnudo heroico, apolíneo y desnudo lascivo, dionisíaco. Mientras la diosa permanece imperturbable. Las expresiones de los rostros son muy diferentes, Afrodita y Eros con sonrisas serenas, Pan con una mueca salvaje. Son la contradicción entre deseos mundanos contra los racionalizados.

Vemos así cómo ha ido evolucionando el arte clásico en tiempos helenísticos, con mayor dinamismo, pero también con mayor sensualidad y desenfado a la hora de representar ya a los dioses.

Estos ya han caído de sus pedestales y se relacionan más con los hombres, la cotidianeidad y los deseos más básicos 

XAVI BOU. Fluctus

Fluctus muestra el momento fugaz del despegue de las aves desde un punto de vista cenital. 

La obra se convierte así en una loa a la ecología, la precisión matemática y geométrica, la técnica y la belleza. Una belleza casi abstracta lleno de color, regularidad, de geometría tan compleja como suave que nos habla del poder que tiene lo vivo ante todas nuestras historias mentales.

Con todo ello hace visible lo invisible, el arte de volar que tanto fascinaba a Leonardo.

Frans Hals. chico sonriendo. Los tronies

Los tronie eran un género típico del barroco holandés. En él, más que el retrato individualizado de una persona, se hacía un estudio de los caracteres y las expresiones. 

El objetivo principal es capturar una expresión facial exagerada, grotesca, dramática o un estado de ánimo particular (alegría, ira, asombro, tristeza).

Frans Hals fue uno de sus intérpretes más brillantes que utilizó su habilidad para una extraordinaria pincelada suelta. Con ella conseguía una espontaneidad inigualable que permitía al espectador una fuerte relación empática con la obra.

Es muy poco habitual la risa en el arte clásico, especialmente por los problemas bucales y falta de piezas de las poblaciones anteriores a la revolución industrial.

Juan Muñoz. Muchos tambores

Dos grandes ideas emergen de esta obra (no tan conocida) de Juan Muñoz.

En realidad se trata de unos tambores (blancos, apenas visibles, como si fueran recuerdos) tras una malla. Un pura contradicción: la de la música que no puede sonar, que tal vez debería hacer en su propio interior el espectador (oyente en este caso, oyente ensordecido).

En la obra de Juan Muñoz siempre hay un intento (algo melancólico) de cómo contar lo indecible, buscando la frontera última en donde la comunicación fuera posible.

TODOS NUESTROS POST SOBRE JUAN MUÑOZ

Castillo de Valderrobles. Teruel

En 1175, tras la reconquista, el rey Alfonso II donó la villa al obispo de Zaragoza.

En 1307 este acomete una profunda reforma en el castillo anterior (y del que quedan breves restos en su patio del homenaje), realizando sus principales estancias, tanto de servicio como de representación.

En ellas vemos las soluciones góticas de arquerías, techumbres de madera y arcos formeros, muy vinculadas al mundo del gótico mediterráneo.

Galería occidental

Salón Dorado

Cárcel de Capellanes.

Bodegas y caballerizas

307, 

OBJETOS PARA LA PAZ. MILLARES

En 1964 Franco celebraba 25 años de paz, y Millares (acompañado por Alberto Greco y el grupo Zaj) comenzaba a realizar sus artefactos para la paz.

Tras el primero de ellos, realizará dos más.

Se trataba de verdaderas pinturas tridimensionales hechas de marcos de madera, tubos y arpilleras que se convertían en un monumento anticonmemorativo (pues poco se podía conmemorar en la paz dictatorial de Franco).

Un mundo casi de basura, inestable, con despojos de arpillera tensados por lo que parecieran tendones a punto de romper, con sus característicos blancos, negros y rastros de rojos que nos hablan de miseria, destrucción, guerra, fragilidad de lo humano y sus obras.

Verdaderos artefactos de segunda categoría frente a los monumentos de mármol y las grandes y enfáticas declaraciones.

Vermeer de Delf. Vista de Delf

 El cuadro más bello, diría Proust.

Un cuadro extraño, uno de los de mayores dimensiones que pintara el pintor, uno de sus escasísimos paisajes (frente a sus escenas de interior)

Para él utilizó un telescopio invertido que creaba un frente más lejano y un primer plano más amplio.

Por lo demás, utilizó las proporciones típicas del paisaje holandés. Casi dos tercios para el cielo que aquí se amplían con los reflejos de su luz vacilante en el canal.

Con ellos convierte a la luz en el protagonista total de la obra (incluso en sus juegos de luz directa y luz filtrada entre las nubes que se multiplican en casas y torres).

Una luz que maravillaría a los impresionistas. Pues era la misma luz que buscaban ellos, efímera, cambiante, una luz que construía y destruía sin cesar, una luz fenomenológica, óptica, que hiciera del tiempo algo extremadamente complejo y de la eternidad un puro deseo frente a lo cambiante, contingente.

Una caja traslúcida de algodones apilados, como muy pronto veremos.

La vista de Delf (Ana Molinero)

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE VERMEER

Tumba I o Tumba de Perséfone. Túmulo de Vergina

Esta magnífica pintura representa el rapto de Perséfone por Hades. Este sujeta las riendas de una cuadriga de caballos blancos al mismo tiempo que sujeta a Perséfone. También en la escena están representados Hermes, delante del carro, y una compañera de Perséfone, que contempla el rapto detrás del carro.

Son unas pinturas de gran fuerza y calidad y los eruditos creen que se deben a un gran maestro que conocía la perspectiva y que tenía mucha facilidad para el dibujo y para el color (muy intenso para nuestros ojos modernos), tal vez Nicómaco.

Es asombrosa la capacidad para captar el movimiento y la tensión del rapto.

Las pinturas pertenecen a una tumba del gran Túmulo de Vergine, del siglo IV a. C. (período helenístico)

RIBERA. LA MUERTE DE ADONIS

Mirra fue conducida por Venus a tener una relación incestuosa con su padre. Al enterarse éste del engaño, la persiguió para matarla. Mirra imploró la protección de los dioses, quienes la transformaron en un árbol (árbol de la mirra) del que surgió, diez meses más tarde, un niño de debajo de la corteza dotado de una excepcional belleza, Adonis.

Venus se lo dio a Perséfone  para que lo cuidara, pero ésta también quedó prendada de Adonis, por lo que tuvo que intervenir Zeus, quién obligó a que ambas diosas lo compartieran. 

Pero a Adonis, lo que le gustaba de verdad era cazar, y a pesar de las advertencias de Venus, finalmente, un jabalí enviado por Artemisa hirió de muerte al joven durante una cacería.

Fragmentos extraídos de historia-arte.com

El cuadro es de una belleza (en medio de la tragedia) impresionante, con los personajes creados en una gran diagonal que recorre todo el cuadro que nos lleva desde la mancha dorada de Venus a la roja de Adonis,

Ambos personajes producen el contraste de la agitación y el sufrimiento de Venus frente a la quietud y paz última de Adonis; de su contraste entre las distintas encarnaciones de las pieles que se llegan a tocar (casi como una metáfora) en las puntas de los pies.

Todo el cuadro está trabajado de una forma suave y abocetada , con una luz difusa y un gusto por la belleza y el color que caracterizarán su obra madura 

                       FOTOGALERÍA ENLAZADA DE JOSÉ DE RIBERA

EL PUENTE 25 DE ABRIL. LISBOA

Realizado en época salazarista (1962), pronto se convirtió en uno de los emblemas de la ciudad.

Se trata de una estructura colgante de dos grandes vigas que se hunden en el propio estuario del Tajo.

De ellas, sustentados por cables, pende la gran plataforma central

                                      DE TURISMO POR LISBOA