DOROTEA LANGE VS ANNE LEIBOVITZ. De la mirada a la posmirada

 SDELBIOMBO - 22 DE JULIO DE 2009 - 09:01 - FOTOGRAFÍA, VIDEO Y NET ART

 

 Dorotea Lange

Tomado de imagespublicdomain.wordpress.com/.../

 

Leibovitz

Tomado de asthetimegoesintheactualart.blogspot.com/2009...

 

Hoy he estado de exposiciones por Madrid y me he encontrado con dos fotógrafas fantásticas que me han hecho pensar precisamente en el libro que había llevado para leer en el metro, Los bárbaros de Baricco
El libro, que es un extraño (pero fantástico) ensayo, habla de la posmodernidad como una forma nueva de relacionarse con el mundo (vs la modernidad basada en el fondo en el pensamiento romántico). Algo basado en la ligereza (vs la profundidad), la espectacularidad (vs la inmediatez), el movimiento perpetuo (vs el andar pausado), el pensamiento oblicuo (vs al vertical que profundiza en las cosas), la conectividad (vs la concentración)…
Por esos extraños azares (¿?) que tiene la vida, las dos exposiciones unidas eran la perfecta demostración del texto.
La exposición de Lange presenta sus trabajos americanos durante la Gran Depresión. Pero no el de las grandes estructuras, sino de las personas. Mujeres como Florence Owens (que encabeza el artículo) que aquel mismo día había vendido las ruedas de su coche para variar su comida: los pájaros que cazaban los niños.
Por el contrario Leibonitz es la fotógrafa del glamour, el ojo privilegiado que es capaz de plasmar eso tan difícil como es la sofisticación, la vida sutil de la fama, el erotismo… Toda la serie de virtudes que adornan al individuo satisfecho de la actualidad, construido (tanto en lo físico como en el carácter) más que vivido, visto más que sentido

 

 

Lange

Tomado de blogdofavre.ig.com.br/tag/dorothea-lange/

 

 

 

Leibonitz

Tomado de antoncastro.blogia.com/2008/062901-ricardo-fe...

 

Los retratos de Lange lo son de personas; los de Leibonitz de cosas que parecen personas; probablemente ahí radique la diferencia. Lange fotografía la cara amarga (pero cierta) de la realidad, Leibonitz crea una realidad en donde el color, las referencias al pasado, la perfecta escenografía … crean un nuevo personaje.

 

 

Tomado de lembranzas-ines.blogspot.com/2009/03/fotos-pa...

 

Tomado de www.nytimes.com/.../books/review/Mallon-t.html

 

Incluso a la hora de expresar la tragedia su forma de trabajar es distinta. Lange nos muestra algo a nuestros sentimientos, imágenes directas que nos permiten un acercamiento puramente empático. Liobonitz construye un relato para espectadores que ya han visto demasiado, que nos muestra el horror a través de la elipsis (como si fuera una película) a través de símbolos, de rastros…

 

Tomado de www.historylink.org/index.cfm?DisplayPage=out...

 

Tomado de eldiapason.wordpress.com/.../

 

Son el mirar y el posmirar, el retratar y el construir, el dar fe y el recrear, la realidad frente a la fantasía, dar un paso adelante o andar en oblicuo… Como decía Baricco la profundidad de Lange frente a la superficialidad de Liebonitz, la inmediatez frente a la compleja espectacularización…

Dos formas de mirar que se adaptan al mundo al que corresponde. Las dos geniales. Fijaros en estas fotografías. La del gabinete Bush que quiso dominar el mundo de Leibonitz; (de la que tenéis un maravilloso análisis en el blog de Ana) la de los efectos de la crisis. No se puede hacer mejor

 

 

Tomado de geometriacanibal.blogspot.com/2008_11_01_arch...

 

Tomado de lacomunidad.elpais.com/.../2009/2/3/el-equipo-o-

 

ESCENAS DOMÉSTICAS. HIRAKI SAWA

 SDELBIOMBO - 20 DE NOVIEMBRE DE 2011 - 17:15 - FOTOGRAFÍA, VIDEO Y NET ART

Tomado de http://despuesdeana.blogspot.com/2009_08_01_archive.html  

 

"Sólo quería hacer una obra que no pudiera comprender y que no pudiera explicar"-

 

 Tomado de http://www.zabludowiczcollection.com/london/events/film-club-bedknobs-broomsticks

 

Lo he conocido gracias a uno de mis blogs de referencia para el arte actual, Flores en el Ático y me ha fascinado realmente

Su obra, siempre en video posproducido en ordenador, recrea mundos que tienen múltiples contactos con el surrealismo más misterioso, pero también con alguno de sus antecedentes, como los cuentos de hadas o los antiguos juegos infantiles, tanto en su juego con lo imaginario como en su lenta pero demoledora nostalgia que emanan sus obras.

Tomado de http://floresenelatico.es/jugando-en-casa/7206

Está en su quehacer el efecto Gulliver y sus cambios de escalas que rarifican la realidad.

Pero también un sutil realismo mágico que hace de lo extraordinario algo cotidiano y llena de una magia sin gritos cada rincón de la casa, como si existieran múltiples estratos de realidad que, por error, terminan por mezclarse en su apartamento.

Alejado por completo de la exhibición de videojuego, sus obras gustan de la pausa y, sobre todo, de la falta de acción. Sólo movimientos poéticamente retardados. No ocurre nada más que lo puramente maravilloso y el espectador se volverá a convertir en un niño que se deja fascinar por todo este mundo imaginario.

Dejaros fascinar por sus videos

 http://youtu.be/pn-tVwH0Kc0

http://youtu.be/zF7VDNh2-xA

En Geobiombo he colgado otro de sus videos, lleno de aviones

 

Para saber más

http://salonkritik.net/08-09/2009/01/hiraki_sawa_dicen_que_mi_obra.php

UN ESPACIO PARA EL RECUERDO. EL MONUMENTO A LAS VÍCTIMAS DEL 11 M EN ATOCHA

 SDELBIOMBO - 10 DE MARZO DE 2009 - 20:40 - ARQUITECTURA MODERNA

  

 Hacer buena arquitectura (y no sólo una exhibición de técnica o un pastelito de colores) es muy difícil. Más aún si esa arquitectura tiene tema (necesita contar una serie de cosas al espectador sin caer en el sentimentalismo barato), y este tema es algo tan terrible como la matanza que se sufrió en Madrid el 11 M.

Sin embargo, creo que todos esos retos fueron ampliamente superados con esta obra de arquitectura que, paradójicamente, resulta una absoluta desconocida pese a encontrarse en el mismo centro de Madrid. Por eso, por su asombrosa estética que es capaz de cargar con la terrible que llevan sus ladrillos de cristal, me parece oportuno recordar precisamente hoy este monumento y reivindicarlo, pues debería ser una visita obligada en la capital.

 

  

Desde el exterior apenas si podemos ver un extraño cilindro de cristal rodeado de tráfico. Escasa monumentalidad, como criticaron algunos, aunque muy lógica, pues el lugar ni era apetecible para una gran construcción (pues apenas podía ocupar espacio en una zona estratégica de las comunicaciones de la ciudad), ni servía para una contemplación tranquila, memoriosa. Por ello (con gran acierto) sus creadores se volcaron en su interior, recordando que aquello no eran fuegos artificiales (una tragedia así no los permite) y que la verdadera arquitectura es la creación de espacios internos (como ya hizo Mies van der Rohe en su Pabellón de Barcelona o actualmente Siza o Moneo), hechos tan sólo de aire y luz.

Por ello quien quiera verdaderamente saber debe bajar al intercambiador de Atocha (por cierto, una magnífica obra de Moneo) y llegar a una especie de pared azul semitransparente en la que se abre una sencilla puerta para encontrarse con esta habitación vacía de todo menos de una color azul que casi puede tocarse.

 

 

En su centro encontramos la explicación del cilindro exterior. Es el único foco de luz de la estancia, una magnífica cúpula (que realmente no lo es) hecha con ladrillos de cristal.

 

 

En ella están escritas, en decenas de idiomas, las frases que los madrileños fueron dejando espontáneamente en la estación.

 

 

Y hasta aquí lo que se puede (y debe) contarse, pues lo demás lo ha de experimentar uno mismo con su sensibilidad y su memoria de aquellos días, e igual que uno no puede explicar verdaderamente un cuadro de Rothko o Klein, ni puede definir las esculturas de Kapoor, tampoco puede contarse nada más de esa capilla llena de un color suave que es espacio, silenciosa, un verdadero refugio zen en donde poner el contador de las emociones a 0 para comenzar a explorarse uno por dentro, y deambular por la sala o estar quieto, mirar hacia arriba para llenarse de luz o dejar que la mente se pueda mecer en el azul profundo que nos envuelve. Pasear, pensar, sentir en un espacio privilegiado a base de eliminar estímulos y dejarnos a solas con nuestra memoria, cada vez más saturada por los múltiples mensajes exteriores. (Quizás eso sea lo que verdaderamente aterra a los críticos de esta obra, estar solos consigo mismo y poderse ver por dentro como si fueran cristales del gran cilindro)

 

 

Sólo deciros que (como ocurre en el verdadero arte) la simplicidad de la habitación tiene una complejísima técnica arquitectónica utilizada para no poner soportes intermedios, así como una alta tecnología (para aislar de ruidos la habitación, para evitar que las vibraciones del tráfico afecten al cilindro de cristal, para conseguir esos ladrillos transparentes que no tuvieran dilataciones o contracciones excesivas…). Sus creadores fueron Esaú Acosta, Raquel Buj, Miguel Jaenicke, Mauro Gil-Fournier y Pedro Colón de Carvajal, que componen el estudio de arquitectos FAM (Formidable Aroma de Manzana)

 

EL BOSQUE DE LA MEMORIA (DE LOS AUSENTES)

 

Para saber más

http://www.elpais.com/fotogaleria/Diario/monumento/cristal/3699-13/elpgal/?aut=false (FOTOGRAFÍAS)

http://www.elpais.com/diario/madrid/?d_date=20070415 (TODOS SUS SECRETOS TÉCNICOS)

MIRALDA. SOLDADOS DE SALDO

 SDELBIOMBO - 09 DE JULIO DE 2010 - 13:58 - DESDE LOS 80 A HOY. POSTMODERNIDAD

¿Kitsch o provocativo? Yo aún no lo tengo claro.

Y es que la obra de Miralda siempre se ha movido entre ambos conceptos: cultura popular (populachera)-crítica, sin que jamás haya conseguido saber qué es lo cierto.

Por eso me voy a limitar a presentaros algunas obras (algunas verdaderamente inquietantes, otras… puff, no lo sé) compuestas por miles de soldaditos de saldo aplicados a los más curiosos formatos

 

 

 

  

 

MARTIN PARR. LA CRÍTICA A NUESTRO TIEMPO

 SDELBIOMBO - 05 DE FEBRERO DE 2012 - 09:50 - FOTOGRAFÍA, VIDEO Y NET ART

Tomado de http://rober79.blogspot.com/2011/07/small-world-1987-1994-martin-parr.html

Martin Parr es un fotógrafo incómodo, pues sus obras no dejan espacio a la belleza, siempre cargadas de una fuerte crítica (a veces casi convertida en sarcasmo).

Un humor grueso con el que lleva pintando las costumbres de las clases medias (aunque su última obra, Luxury, habla más de la ostentación de la riqueza), grandes hijas (económicas) de la Revolución industrial pero huérfanas de la otra pata de la modernidad (La Ilustración), que sólo conocen de oídas y simplemente imitan (en pura caricatura) en sus comportamientos externos

Tomado de http://observatoriodeluz.blogspot.com/2011/07/martin-parr.html

Pues en gran parte de sus obras late esta pregunta: ¿Qué es lo original y que es lo kitsch? ¿Qué lo auténtico (en el sentido que se encuentra apoyado por ideas) y qué la pura imitación del gesto, vacía de contenido?

Precisamente por ello las fotos que más me gustan de él son las series que dedica al uso del tiempo libre, del turismo como máxima expresión de la intimidad de cada uno, pues no se encuentra regulado por reglas externas (jefe, horarios, protocolos de actuación, familia...)

En este campo, Parr se limita a dar fe de cuanto hay de impostura, de globalización en el mal sentido entendida, de inconsistencia intelectual en todo este fenómeno. (Como ya vimos en el análisis del Checkpoint Charlie de Berlín) 

https://blasfotografia.com/premio-outstanding-contribution-to-photography-2017-martin-parr/

El turismo alejado de la utopía romántica (el descubrimiento interior) y fijado en clichés que se repiten por donde vayas. Un objeto de consumo efímero que poco aporta al individuo (verdaderamente alienante) en donde las cosas carecen de otro sentido que fotografiarlas, de haber estado ahí para decirlo

http://rober79.blogspot.com/2011/07/small-world-1987-1994-martin-parr.html

 El ridículo llega a su máxima expresión cuando Parr nos enfrenta a los famosos simulacros turísticos (playas caribeñas construidas en medio de Alemania), parques recreados o, sobre todo, las Vegas.

En ellos la distancia entre la realidad y la verdad es verdaderamente asombrosa, y ni siquiera poseen el punto de cinismo o de ironía que nos podría salvar.

Todo esta hecho para ver lo que no es sino réplica en cartón piedra, teatro que no lo es, holograma

http://imgoingtosanfrancisco.wordpress.com/

http://rober79.blogspot.com/2011/07/small-world-1987-1994-martin-parr.html

http://rober79.blogspot.com/2011/07/small-world-1987-1994-martin-parr.html

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Si queréis saber más, aquí tenéis su página

BARBARA KRUGER O EL FEMINISMO POSMODERNO

 SDELBIOMBO - 15 DE ABRIL DE 2010 - 15:20 - DESDE LOS 80 A HOY. POSTMODERNIDAD

 

NO NECESITAMOS OTRO HEROE

Tomado de http://www.flickr.com/photos/24992147@N03/2654391294

 

El arte de Kruger me gusta por varias razones. Primero por su compromiso.

Al igual que decíamos de Santiago Sierra, Kruger no se encierra en lo estético o lo simbólico; por el contrario, sus obras son directas flechas a nuestra sociedad y estereotipos. Una especie de antianuncios que se olvida del supuesto mundo feliz en el que nos dicen que vivimos para sacar a la luz el maltrato a las mujeres, el consumismo, los mensajes religiosos, la esencia más oscura del poder.

 

USTED ES UNA PERSONA MUY ESPECIAL

Tomado de http://luishorcajo.blogspot.com/2009/11/barbara-kruger.html

 

HAGO COMPRAS, LUEGO EXISTO

Tomado de http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com/2011/05/barbara-kruger-newark-new-jersey.html

 

Es el postmodernismo duro, la imagen poderosa, una nueva forma de activismo que recoge la concepción del arte que ya tuvieron los orígenes de la modernidad (Goya, Munch, los expresionistas, el mundo Dadá…).

TU CUERPO ES EL CAMPO DE BATALLA

Tomado de http://2politicaljunkies.blogspot.com/2009_09_01_archive.html

 

Junto a este mensaje antisistema (que comparte con Ferrari, Santiago Sierra, Rogelio López Cuenca, Jarr…, y que tiene un claro referente en Beuys), Kruger maneja de forma magistral los medios de comunicación para hacerles la propia crítica. Con imágenes mínimas, muchas veces fotografías retocadas a formas básicas, el mensaje se crea en las internas contradicciones entre imagen y textos (otro de las técnicas favoritas de la posmodernidad, los géneros mixtos, los formatos impuros como diría Aurora Fernández de Polanco).

SU COMODIDAD ES MI SILENCIO

Barbara Kruger, Untitled (Your Comfort is My Silence), 1981.

Tomado de https://www.glenstone.org/artist/barbara-kruger/

 

Es toda una reflexión sobre la mirada como algo que arremete, pues transmitimos con ella todos nuestros prejuicios. Un juicio sobre las construcciones sociales que son, en la actualidad, el hombre, la mujer o la estructura social, sacado directamente del pensamiento de Foucault o de Lacan.

 

TU MIRADA PEGA MI LADO DE LA CARA

Tomado de https://www.glenstone.org/artist/barbara-kruger/

 

NOS CONSTRUYEN EL CORO DE LAS PERSONAS DESAPARECIDAS.

Tomado de http://phomul.canalblog.com/archives/kruger__barbara/index.html

 

Cada una de sus obras es una reflexión sobre todas esas ideas preconcebidas que nos condicionan la vida, especialmente las mujeres, inmersas en una cultura aún masculina (y por ello violenta, consumista, agresiva y competitiva). Repensar sobre estos aspectos (muy a menudo olvidados) es la forma que ella propone para cambiar los roles y, por tanto, buscar una nueva sociedad más igualitaria en donde la represión (al menos en el mundo desarrollado) ya no la ejercen las armas sino las palabras y las imágenes  y los pensamientos que van detrás suyos.

 

HEMOS RECIBIDO ÓRDENES DE NO MOVERNOS

Tomado de http://phomul.canalblog.com/archives/kruger__barbara/index.html

  

NO ERES TÚ MISMO

Tomado de http://phomul.canalblog.com/archives/kruger__barbara/index.html

 

Para saber más

 http://www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm

LA T-4 DE ROGERS. TECNOLOGÍA CON ALMA Y ECOLOGÍA

 SDELBIOMBO - 30 DE MAYO DE 2010 - 09:37 - ARQUITECTURA MODERNA

 En los años setenta, junto a Renzo Piano, Rogers se inventó el High tech. Una arquitectura que mostraba sus tripas hacia el exterior para conseguir un espacio interior diáfano y libre de cualquier obstáculo.

 
Su evolución tecnológica siguió con el edificio LLoyd 

 Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Rogers

 

Esta arquitectura de tornillos, de grandes cruces y arriostramientos se puso entonces de moda y llegó a su máxima expansión con Foster (antiguo amigo y colaborador de Rogers).

Sin embargo Rogers no se dejó seducir por el éxito de su colega y siguió elaborando su propia idea de la arquitectura en donde, sin renunciar a la tecnología, evitó utilizarla como reclamo. Exploró entonces sucesivos caminos entre los que la ecología, la curva y los materiales tuvieron cada vez más importancia.

 

 Museo Klee. Berna

 Las Arenas, Barcelona

Un retorno al humanismo en medio de la tecnología más compleja. Edificios cada vez más curvos, a veces arborescentes, más cálidos por los materiales. Características que se utilizan en la famosa T-4 de Barajas.

 

 En ellas el color y los materiales intentar alegrar y humanizar los grandes espacios vacíos que exige este tipo de infraestructuras.

  Colores vivos que cambian según se avanza en las largas conexiones.

 

 Maderas que forran los techos ondulantes dando calidez a los ambientes desmesurados.

 

 Curvas que se ondulan suavemente para evitar la rígida geometría de muchos proyectos similares. 

En todos estos rasgos hay una clara huella del movimiento organicista de Wrigth y Aalto y, aún más lejos, es evidente algunas sugestiones del proyecto (que todavía no se ha concluido) que imaginó Gaudí para las naves de la Sagrada Familia.

Junto a estas formas, toda la arquitectura de Rogers se encuentra muy interesada por el rendimiento energético y sostenible. Ya desde el Pompidou son famosas sus grandes pantallas acristaladas que pueden  oscurecerse según las circunstancias, utilizando la luz natural y evitando el calor exterior cuando éste es excesivo