ASUNTA. ANTONELLO DE MESINA

Esta es una de las obras más maravillosa que dejó es curioso e infatigable Antonello de Mesina que nació en Sicilia y viajó por toda Italia impregnándose del rigor geométrico que genera volúmenes a través de las sombras y el poder de la perspectiva de Piero della Francesca (en el maravilloso escorzo paralelo de la mano y su pupitre- libro), la dulzura y el encantamiento del color recogido de Bellini, o el uso del óleo y el detallismo aprendido en algún taller flamenco.

Con todo ello construye una imagen solemne a la par que exquisita, dulce pero contundente que interioriza el momento de la anunciación con un gesto ambiguo de rechazo y aceotación presentes en sus manos pero también en su mirada perdida

 

EUGENIO AMPUDIA. Concierto para el bioceno

Realizado en 2020 en el teatro del Liceo para 2292 plantas interpretando Crisantemi de Puccini, y retransmitido en streaming.

Se trata, en realidad en una acción poética en donde se busca pasar del antropoceno al bioceno ampliado, haciéndonos visible la belleza de todo lo vivo y su conexión con la sensibilidad humana.

Aquí tienes el vídeo de la instalación y el concierto (una bellísima performance) que pudieron sentir estas centenas de plantas 

LAS TERMAS DE CARACALLA

Las termas de Caracalla o Antoninas fueron realizadas entre los años 212 y 217 d C.

Arrumbadas por terremotos, expolios y tiempo son ahora la ruina clásica más impresionante que puede verse en la actualidad.

Su esquema responde al clásico de una terma que ya vimos aquí, con todos los servicios habituales.

Su diferencia es la escala, verdaderamente asombrosa que, como ya explicamos, es la perfecta representación del arte de propaganda romano vinculado al panem et circenses.

Despojadas de todos sus mármoles y esculturas ahora vemos su esqueleto de opus caementicium forrado de ladrillo en el que se construyen los gigantescos muros.

Las estructuras son las típicas del Imperio, con multiplicidad de bóvedas, muchas de ellas (como ocurría en la basílica de Majencio) colocadas en perpendicular para ser de contrafuertes de las mayores.

También se pueden observar una especie de pechinas en algunas estancias centralizadas (aunque son objeto de debate, pues algunos especialistas hablan de una técnica ya creada en la zona oriental y luego copiada en la occidental.

Aquí tienes una reconstrucción de la natatio

Otra reconstrucción virtual

TODOS NUESTROS RINCONES DE ROMA

DAVID. NAPOLEÓN CRUZANDO LOS ALPES

Napoleón pasó los Alpes en una mula, un día de verano, utilizando un paso cómodo (el de San Bernardo) para unirse a las campañas italianas que luchaban contra los austriacos en el norte de la península.

Esta era la anécdota histórica que David reconvirtió por completo para crear un retrato épico y propagandístico de su nuevo gran cliente (tras haber servido antes a girondinos, jacobinos o thermidiorianos).

Lo que nunca sabremos con seguridad es cuánto puso el pintor y cuánto exigió el comitente en las cuatro versiones que se hicieron de la misma obra (la primera de ellas pedidas por el embajador español francés en España para que fuera colgada en el palacio Real de Madrid).

David utiliza el retrato ecuestre que durante el Renacimiento y el Barroco se había utilizado especialmente para los grandes reyes europeos. Un caballo en corveta que habla de Napoleón como un gran jinete y se integra en el juego de diagonales de las montañas.

El caballo,  su movimiento y tensión, contrasta brutalmente con la figura de su jinete, por completo sereno. Su mirada nos habla de una decisión que refuerza su brazo extendido. Un triunfo de la voluntad que le llevará a la victoria.

La retórica de David se va ampliando en su última etapa aunque todavía se mantendrá el poder de la línea , con un claroscuro muy controlado que da una sensación de relieve a la pintura.

Un detalle final sobre el uso de la historia como forma de propaganda la tenemos en su parte baja, donde aparecen grabados en la roca los nombres de Aníbal y Carlomagno, pues ambos habían atravesado también los Alpes y la historia

                              DAVID, EL PINTOR DE LA REVOLUCIÓN

IMMENDORFF. El estilo

Como es habitual la mayoría de los Nuevos Salvajes alemanes, el color y el dibujo tienen una amplia presencia.

El primero de ellos, de una pincelada larga y fluida, es una clara herencia del expresionismo (tanto histórico como abstracto) como del último Picasso que crea una superficie fuertemente texturada, a veces aberrante en sus combinaciones cromáticas pero evocadora y potente que (con sus tamaños gigantescos) atrapa al espectador.

En cuanto al dibujo habría que ponerlo en conexión con la revitalización del Grafitti (Basquiat, Haring) en su espontaneidad, que prescinde de detalles para crear imágenes de consumo inmediato (con fuerte influencia del cómic menos comercial) que se entremezclan entre sí.

Pues es este una de sus características más típicas (pero también las de toda una generación (pues en EE UU vemos casos parecidos como ya analizamos aquí), creando verdaderos palimpsestos de figuras entremezcladas que inundan toda la superficie del cuadro con miles de historias simultáneas (las que produce una sociedad cada vez más mediática) que obligan al espectador a moverse entre el caos general o el paseo minucioso (y complejo, pues los motivos se entremezclan entre sí), una ambivalencia confusa y desasosegante.

También tiene suma importancia el texto que acota y multiplica las interpretaciones a la vez que se convierte en un nuevo elemento formal

IMMENDORFF. ÍNDICES

FACHADA DEL HOSPITAL DE SAN JUAN DE DIOS. LUCENA

Este hospital de San Juan de Dios tiene en su fachada uno de los momentos más espectaculares del barroco de la Subbética.

Frente al rococó de la capilla del Sagrario de San Mateo, su estructura aún mantiene un tenso barroco con su fachada convexa de columnas exentas que se aproxima hacia el espectador y se desarrolla en un potente arquitrabe que da paso al piso alto.

Su masividad y fuerza se encuentra sutilmente contrarrestada por medio de la policromía de sus mármoles, con un juego entre negros y rosas que le aportan delicadeza y variedad con sus espejos polícromos 

DE TURISMO POR LUCENA

EL PSEUDO- SENÉCA

El Pseudo-Séneca es un busto de bronce romana (¿?) de finales del siglo primero con numerosas copias. Se descubrió junto a otras piezas en la villa de los Papiros de Herculano.

Aunque en un primer momento se pensó en Séneca (que con su anatomía demacrada se relacionaba con su carácter estoico), muy pronto se abandonó tal suposición (al encontrar una herma del propio autor) sumamente disímil.

Desde entonces no han dejado de atribuirse adjudicaciones  a poetas de la  antigüedad (Esopo , Arquíloco , Aristófanes , Calímaco , Carneades , Epicarmo , Eratóstenes , Eurípides , Hesíodo , Hiponacte , Lucrecio , Filemón), aunque parece ser Hesíodo el más citado.

Otra controversia existe en torno a la escultura, pues si tradicionalmente se ha considerado una copia de un original griego, cada vez hay más autores que hablan de un posible original helenístico del siglo II o I, tanto por su técnica como su profundo estudio ideológico y fuerte naturalismo

RAFAEL. LA FORNARINA

 

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La Fornarina o panadera Margherita Luti, hija del panadero Francesco Luti da Siena, vecina del Trastévere, siempre ha sido un cuadro que habla de muchas más cosas que la propia pintura (por otra parte magnífica)

Fue pintado entre 1518-1519, un año antes de su muerte, acaso inacabado y terminado por sus discípulos.

En el brazo lleva un brazalete con la firma de Rafael y, en una restauración reciente, ha aparecido un anillo nupcial.

De todo ello ha surgido la historia de amor (con toques eróticos) ayudada por los comentarios de Vasari en sus Vite. 

Una relación entre la plebeya y el gran (divino) pintor llena de pasión que le hacía pasar las noches en vela (en el propio Palacio de la Farnesina en donde el banquero Chigi le terminó por dar permiso de residencia para que el pintor, que la estaba decorando, no se tuviera que ausentar)

Incluso Vasari llegó a especular que la temprana muerte del pintor (a los 37 años) se debió a un maratón sexual tras el que amaneció con fuerte fiebre 

"extralimitándose en sus placeres amorosos, sucedió que una de las veces cometió más excesos de lo habitual y volvió a casa con mucha fiebre...".

Los médicos le aplicaron una sangría y el pintor murió al día siguiente, un Viernes Santos (como el de su propio nacimiento).

El retrato está lleno de intimidad y sentimiento, recogiendo las tradicionales composiciones triangulares de Leonardo (incluso su brazo bajo para cerrar el triángulo equilátero).

Es un juego exquisito de veladuras que hablan (igual que el gesto) de un juego de desnudez/vestidura casi privado, que intenta ocultar para hacer aún más visible sus encantos sexuales.

Algunos de sus símbolos son muy elocuentes como el proppio mirto del segundo plano, vinculado al sexo y la pasión, la perla (relacionada con el nombre de Margarita), o el curioso y exótico turbante con joyas muy alejado de su condición social.

Es muy probable que junto a esta obra privada, la Fornarina apareciera en otras de sus obras como en los amores de Eros y Psiquis,

o la famosa Dama Velata del Palazzo Pitti.

La obra tuvo numerosas influencias posteriores, como el tocado y el trabajo del óvalo en la obra de Ingres o los famosos grabados de Picasso sobre los amores de Rafael y la Fornarina

Imágenes de la Fornarina tomadas de wikipedia

PARA SABER MUCHO MÁS DE RAFAEL

RAFAEL DE LA HOZ. GRAN VÍA 48

La Gran Vía fue una construcción unitaria, se levantó todo al mismo tiempo. Además estamos en frente del gran edificio Capitol y había que ser respetuoso. No era el lugar ni el momento para dar gritos
Rafael de la Hoz

Casi contiguo a la plaza del Callao, el arquitecto tuvo la oportunidad de crear un edificio en un lugar tan emblemático y destacado y, sin renunciar a sus esencias, logró una pieza discreta a la vez que moderna, en realidad, un paso más a la depuración formal que ya apuntaban muchos edificios realizados en el tramo Callao-Plaza de España

Realizado sobre un gran basamento (una zona traslúcida sobre la que se coloca un gran podium de granito, sus dos grandes fachadas se estructuran por una retícula asimétrica de lamas que juegan (como es habitual en el autor) con las nociones de interior-exterior y masa y trasnparencia, dándole un carácter ascendente que, sin romper la estética circundante nos habla de del mundo más complejo (a veces lúdico o por lo menos cambiante) de nuestros tiempos.

Sobre ella se establece un segundo cuerpo que tiene una función de mirador pero también de faro, una lejana sugestión en un lugar hecho para ser visto pero también para mirar el pulso incesante de la ciudad, que se organiza de una forma volumétrica no simétrica, creando un coronamiento de espacios en equilibrio

BARBARA KRAFFT. FAMILIA DE ANTONIO VON MARX

Barbara Krafft, nacida Steiner en 1764,  fue una pintora austríaca, hija de otro pintor, Johann Nepomuk Steiner, el cual le enseñó la disciplína artística.

Su obra se centró casi en exclusiva en el retrato, normalmente individual, siendo escasos estos retratos de grupos, posiblemente inspirados en los doelem holandeses del siglo anterior.

Su estilo se encuentra entre el rococó (por su gusto por la niñez y lo femenino) y la estructura clasicista, en el adorno y la grazia de Mozart (al que también pintó) y la organización y el rigor de Haydn, aunque sin renunciar nunca a los sentimientos y una intimidad amable, muy sincera para la época.