DUCHAMP. LA GIOCONDA... RASURADA

 

En 1919 Duchamp realizó uno de sus ready made más famosos: LHOOQ, en donde ponía bigotes y perilla a una reproducción de la Gioconda (Podéis ver todos los detalles e interpretaciones en el enlace)

En 1965,toma una reproducción de la Gioconda y le añade LHOOQ rasée.(rasurada)

¿Qué significa esta nueva broma?

Duchamp no lo quiso explicar pero en uno de sus bocetos de esa época pintó esto, como si quisiera guardar las pruebas del delito de 1909.

Evidentemente en esos momentos estaba realizando su última gran obra (Etant Donnes) y se encontraba fascinado por la idea de género y travestismo, como demuestran sus trabajos de Rrose Selavi o sus objetos sexuales.

¿El género es caso intercambiable? ¿O solo es una broma privada?

¿El arte nunca vuelve a sus originales una vez trastocada su esencia?

¿El arte es una espiral sin fin sicalíptica, o acaso masturbatoria? ¿Una broma eterna como la de Wallece?

¿Es ya puro arte posmoderno?

TODOS NUESTROS POST SOBRE DUCHAMP

La criatura del deseo. Andrea Camilieri

Tomado de wikipedia

Alma Malher era la mujer más fascinante del principio de siglo. Bellísima, cultivada, de una extraordinaria sensibilidad, había convertido su vida en la de la musa de los más célebres artistas, siendo modelo y amante a los 16 de Klint, esposa y viuda de Malher, amante de Kokoscha, esposa de Gropius...

Óscar Kokoscha era el pintor expresionista que estaba convirtiendo la Secession en un movimiento de pura vanguardia, evolucionando desde Klimt para llevarlo al expresionismo cuando la encontró.

A partir de entonces su relación fue intensa, tempestuosa, tan violenta como voluptuosa.

Óscar la retrató una y otra vez hasta crear su obra maestra, la novia del viento, todo un torbellino de emociones (negativas y positivas) como debió ser todo este periodo que terminó de forma abrupta.

Tomado de https://historia-arte.com/obras/la-novia-del-viento

A partir de entonces comienza otra nueva relación, la del pintor con una muñeca a tamaño natural hecha de forma artesanal que pasea por Viena, lleva a la opera y, tal vez, hace vida privada con ella.

Tomado de https://historia-arte.com/obras/la-novia-del-viento

Una verdadera fascinación, como la de un Golem, entre la magia, el recuerdo, el amor y la locura que Camiliere explora con sutileza que desdeña lo morboso e intenta comprender desde lo emocional y artístico

GOYA. MODOS DE VOLAR

Este disparate es, como la mayoría de esta colección, de difícil interpretación.

Tan sólo vemos unos hombres que se han calzado unas alas y planean por el espacio oscuro y tierno del auguatinta.

En sus cabezas llevan una especie de casco con forma de pico.

En sus caras no se reflejan ni miedo ni placer, sólo concentración, ni siquiera esfuerzo físico.

En un primer momento a mí siempre me ha llegado a la memoria el ejemplo de Leonardo da Vinci y sus conocidas máquinas voladoras, ese sueño perpetuo del hombre por conquistar los cielos.

Acaso podría ser una magnífica metáfora (la del vuelo) para hablar de la libertad (un tema este muy habitual en sus grabados).

Dibujo preparatorio

Según Matilla: 

Hacia 1811, fray Francisco Alvarado, un religioso conservador, y por tanto antiliberal, que firmaba sus artículos como El filósofo rancio, comparaba las nuevas ideas afrancesadas con el deseo de volar: No probemos á volar con alas de cera, ni con máquinas aerostáticas. Si pisando por tierra firme tropieza un hombre, ¿qué será embarcándose en un mal burro de palo? Bajo esta perspectiva, volar era, además de un sueño, una metáfora de la innovación política y filosófica a la que los conservadores se mostraban contrarios. Y desde este punto de vista, quizá Goya no esté haciendo una crítica de algo imposible, sino que esté amparando el deseo de libertad que expresa el vuelo. Un vuelo que, pese a la placidez aparente de la estampa, requiere de un esfuerzo por parte de los hombres para mantenerse en el aire, pues han de mover constantemente y de forma sincrónica sus brazos y piernas para batir las alas conectadas al cuerpo a través de las cuerdas. Un esfuerzo similar al que los liberales tuvieron que realizar para mantener sus ideas desde la Cortes de Cádiz. (Texto extractado de Matilla, J.M.: Modo de volar, en Matilla, J.M. y Mena, M.B: Goya: Luces y Sombras, Barcelona: Fundación La Caixa, 2012).

Tomado de https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/modo-de-volar/d770a3ed-9283-4f97-862e-6794ea89e4b6

                                            GOYA BÁSICO

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Santa Maria Maggiore. Monte Sant´Angelo

Reconstruida en el siglo XI por Leone Garganico, arzobispo de Siponto y Monte Sant'Angelo, Posteriormente, en 1198, se iniciaron nuevas reformas bajo la regencia de Constanza de Hauteville , madre de Federico II de Suabia.

Posiblemente el maravilloso portal románico sea de esta época, de finales del XII en donde encontramos una progresiva recuperación de la belleza de las formas que nos conducirá al gótico, pese a que aún existan perspectivas jerárquicas, leyes del marco ...

Tanto la Virgen con el Niño como el rey son ejemplos magníficos de belleza protogótica en una arquitectura plenamente románica y clásica

TODOS NUESTROS POST DE SANT´ANGELO

Aldo Urbano CATEDRAL

 Partiendo del juego original del tarot de Marsella, Catedral debacle nos plantea  cartas del tarot adaptada a un imaginario pictórico personal.

Como título, “catedral” responde a la noción del tarot como una catedral portátil disimulada bajo la apariencia de un juego de bolsillo, y “debacle” al matiz caótico que añade esta versión en concreto y que tiene que ver con las caídas personales y colectivas de nuestro tiempo. 

El resultado son imágenes inestables, de crisis y éxtasis algunas y de una poética melancólica otras, y aglutinan sentimientos que pertenecen a nuestros días, adaptados al molde de las cartas que ya existen y de las cuales estas son una reformulación, un comentario o una excusa para generar imágenes nuevas.

Es una obra llena de color y dibujo, un poderoso juego entre ambos que nos obliga a mirar sin pausa y pasar de una carta a otra sin fin, fascinados por la multiplicidad de estímulos

Una obra inacabable que pide sosiego y a la vez lo impide 

 

EL RAYONISMO. DEL FUTURISMO A LA LUZ

Goncharova

En la efervescencia vanguardista de la Rusia de principio de siglo tuvo una influencia muy importante (acaso la mayor fuera de la propia Italia), el futurismo.

Sus descomposiciones cubistas, barridos e imágenes en superposición fueron muy imitadas tanto en la pintura como en la tipografía.

A estas influencias artísticas se unieron otras de carácter científico en donde la luz (especialmente tras el descubrimiento de la luz ultravioleta y el planteamiento de la primera ley de la relatividad de Einstein) ocupaba un aspecto fundamental, al vincularse ideológicamente con el progreso (algo que ansiaba hasta extremos extraordinarios la vanguardia rusa, aún prisionera de un régimen medieval como el zarista, tan sólo mínimamente reformado en la revolución de 1905)

  Lionov Popova

La unión de estos dos polos generó el chispazo (presentado en 1909 por Larionov y Goncharova) llamado rayonismo, al que muy pronto se unió (aunque de forma parcial y momentánea) Málevich.

                                               Shevchenko

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En él el tema se descompone en rayos de luz que atraviesan a toda velocidad el cuadro, llegando en muchas ocasiones a la pura abstracción en donde vemos aparecer verdaderos campos de fuerza.

Lionov Popova

ASURBANIPAL. CACERÍA DE LEONES

En Mesopotamia la caza del león fue siempre vinculada al mundo aúlico (de hecho, su gran héroe, Gilgamesh, aparece cazando un león con sus propias manos).

Esto será especialmente importante en el mundo asirio final, con los famosísimos relieves del palacio norte de Nínive redecorado por Asurbanipal pocos años de que el imperio cayera definitivamente)

La caza se convierte en una metáfora de la guerra, siendo el rey cazador, el rey jefe que encabezará y guiará a sus ejércitos frente a un rival de su talla (el león).

Por esto era habitual estas cazas de leones en los jardines del palacio, en un entorno delimitado y cercado, rodeado de arqueros con grandes escudos. Algunos asistentes con mastines encadenados los azuzaban al encuentro del rey y sus ayudantes (soldados armados con espadas, arcos y lanzas) debidamente protegidos con corazas. Unas veces los aseteaban con arco y flechas, o con lanza o con espada.

Toda la escena se llena de una fuerte tensión por medio de un naturalismo e instantaneidad de los animales (pues los hombres han de aparecer impasibles, sin sentimientos, sin miedo ni odio que les turben las mentes), creando un fuerte contraste (que aún lo serían más al estar policromados).

FELIPE II POR TIZIANO

• Se estima entre 1550-1554, tras los encuentros de Tiziano con Felipe en Milán y Augsburgo, casi coincidente con el Felipe II con armadura del Museo del Prado

.Frente a la segunda esta obra insiste en la idea de príncipe renacentista por completo italiano. Todos sus bordados y damasquinados o sus calzas cortadas nos hablan de un retrato de la elegancia (y con ella la sofisticación y lujo).

Aparece también el toisón de oro como símbolo de la casa de Borgoña que da paso a la austriaca

Existe además un retrato aún psicológico (frente al rey oculto, aquel que esconde sus emociones tras una máscara hierática que será la aportación de Antonio Moro, luego seguida por sus discípulos) que deberíamos emparentar con una obra anterior, el cansado Carlos V en la batalla de Mülhberg

.Ya vemos aparecer en él los pies en compás que serán habituales en nuestra expresión de realeza pero aún no el juego de dos perspectivas de las piernas

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La fachada de la fachada de Santa Cruz. Lecce

Posiblemente sea el lugar más exquisito de esta exquisita ciudad.

Creado como ampliación del hospital de los celestinos, tomando casas y propiedades de los judíos expulsados en 1510, extendiéndose las obras entre los siglos XVI y XVII.

La primera fase de la construcción, que empezó en 1549 y terminó en 1582, consistió en la construcción de la parte inferior de la fachada, hasta el enorme balcón sostenido por atlantes que representan hombres y animales, construida por  Gabriele Riccardi. 

En la segunda fase de las obras, plenamente barroca, que empezó en 1606  realizada por  Francesco Antonio Zimbalo, se añadieron a la fachada los tres portales decorados.

Para la finalización de la obra trabajaron sucesivamente Cesare Penna construyó la parte superior de la fachada, y Giuseppe Zimbalo  el rosetón.

Gran parte de su iconografía habría que relacionarla con la victoria de Lepanto ( la división del botín capturado al enemigo en la batalla de Lepanto se realizó en la Tierra de Otranto, cerca del santuario de Santa Maria di Leuca. Los animales representados bajo la barandilla podrían representar a las potencias cristianas aliadas: el dragón era el emblema de los Buoncompagni, familia a la que pertenecía el papa Gregorio XIII, el grifo simboliza Génova, Hércules al gran duque de Toscana o al Imperio hispano)

El xupet negre

En 1989 empieza a pintar con spray en Barcelona.

Graduado en diseño gráfico consigue crear un logo propio (como Muelle en Madrid), introduciéndose en el logo art.

Conocido internacionalmente practica una pintura espontánea (aunque muy trabajada para conseguir su rapidez), llena de color y una intensidad escondida bajo su colorido y aspecto naif (en la línea de Haring)

Su original forma de firmar, sin un nombre concreto, simplemente con una imagen de un chupete negro sorprende e impacta a los viandantes, convirtiéndose en poco tiempo en un icono de la ciudad de Barcelona.

A este nuevo estilo propio de firmar el artista le denomina “Logo-Art”.