domingo, 14 de febrero de 2016

BERNINI EN LA CAPILLA CHIGI DE SANTA MARÍA DEL POPOLO


Como ya vimos aquí, la capilla Chigi fue construida por Rafael y decorada por sus discípulos, aunque la tardanzas de la obra permitió que casi medio siglo después de su inicia, un nuevo miembro de la familia Chigi (el futuro Alejandro VII) encargará su conclusión a Bernini.
El maestro respetó en gran parte el diseño de Rafael y se dedicó a una labor puramente decorativa, como los medallones con efigies de las pirámides

En las esquinas (convenientemente achaflanadas) colocó una falsa estructura de pilastras con nicho central en los que colocó cuatro esculturas.
Dos de estas esculturas pertenecen al propio maestro, de excelente calidad tanto en sus composiciones (Habacuc y el ángel) como el dominio de la anatomía (con un Daniel que sale del marco para ocupar el espacio del espectador)
Habacuc y el ángel

Daniel. Bernini

También de Bernini es el suelo de piedras duras en donde aparece la muerte (como ocurría en la capilla de Santa Teresa) que porta el escudo de los Chigi.























sábado, 13 de febrero de 2016

ACKERMAN. LA ARQUITECTURA DE MIGUEL ÁNGEL



De nuevo un clásico en nuestras páginas.
El estudio de Ackerman busca las claves de la revolución arquitectónica de Miguel Ángel que pasó de la arquitectura en relieve (más cercana a la pintura) a la de los espacios (abriendo un fértil campo de experimentación que culminará en el mundo barroco).
Nos descubre además las claves antropomórficas de su obra y su progresivo interés por lo cinético y emotivo que hará de pronto vieja toda la tradición renacentista, creando espacios emotivos en donde el espectador siente el espacio (y no sólo lo percibe), sutilmente guiado por las manipulaciones a la que lo somete el arquitecto.
La obra se estructura  a través del estudio cronológico de las principales obras y proyectos de Miguel Ángel.
Muy esclarecedor, aunque sólo destinado a un público ya conocedor
                                                      

viernes, 12 de febrero de 2016

DEFINICIONES Y PREGUNTAS DE CARACTERIZACIÓN ROMÁNICO Y GÓTICO


Giotto: autor perteneciente al gótico italiano (trecento). Se interesa por la perspectiva, utiliza los fondos azules, está interesado en el claroscuro y en crear volumen en sus figuras. Otra característica propia suya es la relación entre los personajes. Una obra característica suya es los frescos de San Francisco de Asís.

Simone Martini: pertenece a la escuela sienesa (trecento italiano). Es un autor más elegante, con líneas sinuosas y fondos dorados. Se preocupa menos por el claroscuro y el volumen. Este autor influirá en el Renacimiento y una obra característica suya es la Anunciación.

Van Eyck: autor perteneciente a los primitivos flamencos (siglo XV) que trabaja para los burgueses muy acomodados. Sus obras representan interiores domésticos y sus objetos están minuciosamente representados, intentando representar un alto status social. Una obra característica de este autor es el Matrimonio Arnolfini.

Óleo: técnica que utiliza como aglutinante el aceite, con acabado brillante. En esta técnica es fácil corregir los errores, y seca lentamente por lo que permite una pintura lenta.

Triforio: es la evolución de una tribuna románica con menos anchura y que aparece en el gótico como segundo piso de las catedrales

Tribuna: es el segundo piso de las naves laterales, que aparece en el románico, sobretodo en las catedrales de peregrinación.

Canecillos: figuras monstruosas pertenecientes al románico, situadas en las ménsulas que sustentan los aleros.

Maiestas domini: Cristos de cuatro clavos que aparece en el románico, con paños de pureza y sin sufrimiento.

Trompas: pequeñas bovedillas que permiten pasar de una planta cuadrada a una cubierta octogonal. Muy utilizadas en los cimborrios románicos.

Arquillos lombardos: pequeños arcos ciegos, utilizados para decorar, de la época del románico lombardo.


Caracterizar 4 arquitecturas del gótico mediterráneo.

Catedral de Florencia: tiene menor tendencia a la verticalidad, y unos pilares más simplificados.
Catedral de Gerona: contiene una nave única y una cabecera muy novedosa, y contrafuertes adosados al muro.
Catedral de Palma: contiene pilares simplificados, y con alzado bipartito y tiene tendencia a la verticalidad.
Catedral de Siena: menor diferencia de altura entre las naves, y contiene capillas entre los contrafuertes y tracería simple.

Caracterizar 4 obras de los primitivos flamencos.
Matrimonio Arnolfini: es una obra de Van Eyck, esta obra representa un interior doméstico, y un espejo en donde se representa el propio pintor. Su composición es simétrica y con mayor realismo.
Crucifixión del Escorial: donde Van Der Weyden desprecia el paisaje y da más expresividad a las figuras. Está realizada al oleo.
El jardín de las delicias: obra del Bosco, en donde a la izquierda se encuentra la creación, en el centro el pecado y el infierno en la derecha.
La anunciación: su autor es Van Eyck, está realizado al oleo y tiene numerosas texturas, con objetos realizados con minuciosidad.

Selene Pérez Salvador.
2º Bachillerato IES Los Olivos en Mejorada del Campo

PEDRO DE CAMPAÑA Y EL RETABLO DE SANTA ANA


La llegada de Pedro de Campaña (1547-1563) a Sevilla revolucionó las maneras pictóricas aún practicadas por artistas como Alejo Fernández, todavía prisioneras de las formas quattrocentistas que se entremezclaban con otras de origen flamenco.

Nacido en Bruselas (Pieter Kempeneer) en 1503, conoce Italia y se forma intelectualmente.

Sus referentes son los manieristas (más romanos que florentinos) aunque bastante atemperados.

Una de sus obras claves es el retablo que realiza (en colaboración con otros autores) en la iglesia de Santa Ana de Triana.

En sus escenas (bastante irregulares debido a esta colaboración) encontramos un mundo manierista muy vinculado a la estatuaria (Checa) que genera figura de gran prestancia, con colores metalizados, suaves formas serpentinatas, un uso dramático de la luz e interesantes formas en escorzos y escenarios arquitectónicos que, junto a sus alargadas figuras, dan una fuerte verticalidad a sus composiciones








Magníficos vídeos sobre las exposiciones de este retablo tras su restauración

jueves, 11 de febrero de 2016

SÁNCHEZ COELLO y la creación del retrato hispano en la época de los Austrias


Sánchez Coello. Ana de Austria

El retrato hispano, y con el antecedente sin consecuencias de Flandes, se forma en torno a una doble tradición.
Por una parte se encuentra Antonio Moro, pintor flamenco de exhaustivo detallismo, y Tiziano, su color, pincelada, importancia de las calidades y monumentalidad conseguida a través de una doble visión (como ya explicamos en Velázquez).

Su primera culminación se producirá en Sánchez Coello, que unirá ambas tradiciones hasta crear el modelo canónico que se mantendrá hasta la llegada de los Borbones (y cuyo cénit se producirá en los pinceles de Velázquez).
Este tipo de retrato (como tantas veces ha comentado Checa Cremades) es la perfecta expresión del rey ausente como imagen del poder, uno que no se muestra (y aquí reside su realeza) ni por supuesto muestra ningún rasgo de humanidad (es la imagen transportada a su efigie del espíritu del Escorial y, en último término, del estricto protocolo borgoñón que adoptó la Casa de Austria, especialmente a partir de Felipe II).

Se encuentra, además, perfectamente en sintonía con el mundo manierista y su conversión del individuo en puro símbolo mental, como ya explicamos más ampliamente aquí.
Todas estas ideas serán seguidas por su discípulo, Pantoja de la Cruz, y llegarán (como ya decíamos) en Velázquez, como ya analizamos aquí.
Pantoja de la Cruz

ALONSO DE BERRUGUETE. FOTOGALERÍA ENLAZADA






















                              EL SALVADOR. ÚBEDA


RETABLO DE LA MEJORADA. OLMEDO



RETABLO DE LA MEJORADA. OLMEDO
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miércoles, 10 de febrero de 2016

EL GRECO VENECIANO. LA ADORACIÓN DE LOS REYES


Entre otras tantas maravillas, el Museo Lázaro Galdiano muestra este obra juvenil del Greco, aún veneciana.
Habitualmente se ha fechado en torno a 1568, cuando el Greco ya asimilado las grandes conquistas de la escuela veneciana que ya nunca abandonará.
Especialmente destaca su brillante cromatismo (en donde se mezclan los dorados de Tiziano con otros colores más típicos de Veronés, como el matiz ácido y metalizado que comienza a aparecer en verdes y carmines frentes a otros rojos aún más clasicistas y puros), así como su pincelada suelta y fluida.

La composición, equilibrada y en torno a un semicírculo, es también influencia tizianesca, mientras que a Veronés podemos volverlo a encontrar en algunos detalles exóticos, como el rey Baltasar o ciertas vestiduras.
Con todas estas sugestiones el Greco parece haber superado por completo su estilo de pintor de iconos (que regresará más tarde, entremezclado con la mística o las ideas neoplatónicas que se desarrollarán en Toledo), creando una paleta que poco a poco se irá afilando hacia el manierismo (al igual que las figuras) en su posterior estancia romana.



martes, 9 de febrero de 2016

JUAN DE JUANES. EL CLASICISMO DULCE ESPAÑOL

Salvador Eucarístico

La pintura valenciana  había tenido su reconversión clásica con Fernando Yáñez de la Almeida y Fernando LLanos, que a principios del siglo XVI introducen el clasicismo del Cinquecento, ya sea por sus contactos con Leonardo (Angulo) o el círculo de Giorgione (Caturla).

Sobre esta base, una familia de artistas, los Masip, mantienen este fuerte contacto con lo italiano (posiblemente sin viajar a Italia, basándose en cuadros importados y grabados) Son Vicente Masip y Juan de Juanes (su hijo).

Su pintura evoluciona desde Leonardo (como se puede ver en su insistencia y composiciones de sus Últimas Cenas) a las formas rafaelescas, pero también (Arias de Cossío) la de Sebastiano del Piombo y otros pintores boloñeses presentes en la colección de San Juan de Ribera, cuya reforma contrarreformista del arte es visible en el cambio eucarístico que sufren sus Últimas Cenas (aquí lo explicamos con mayor extensión)

Ecce Homo de Juan de Juanes
 (Comparadlo con el de Morales para ver la pluralidad que tuvo el Renacimiento español, incluso en sus formas más evolucionadas)

Especialmente en Juan de Juanes su profunda italianización le hace derivar hacia las formas blandas y los contornos imprecisos, con temas que terminar siendo un éxito popular y que se continuarán en el tiempo, como la Sagrada Cena, Sagradas familias o el Salvador eucarístico.
San Sebastián

Su cromatismo brillante, la dulzura de las expresiones o sus rigurosas composiones (tan típicos de la corriente más emocional del Renacimiento que empezara en Angélico y culminara en Rafael) se irá poco a poco disipando en favor de un arte suavemente manierista en donde los colores ácidos aparecen (aunque sin estridencia alguna) y una composiciones más descentradas y complejas.
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Asunción

Pese a los tópicos creados sobre su pintura, Juan de Juanes también tuvo una vertiente contrarreformista (tan intensa en Valencia gracias al patriarca San Juan de Ribera), que le aproximarán a la estética barroca que pronto se irá haciendo hueco, especialmente en la figura de Ribalta que ya vimos aquí.
Sólo hace falta observar esta magnífica vanitas, un tema tan barroco, y su tratamiento pictórico sin concesiones a la belleza, tan sobrio, con una luz mucho más expresiva a la que habitualmente encontramos en sus cuadros más habituales


lunes, 8 de febrero de 2016

EL HOSPITAL DE SANTA CRUZ. TOLEDO

Dentro de la política constructiva de los Reyes Católicos (típica en la creación de la nueva imagen de la monarquía autoritaria) se establecía el hospital como una fórmula repetida (Toledo, Granada, Santiago de Compostela) que demuestra las fuertes conexiones (Arias de Cossío) con el mundo lombardo y su pretensión (la de la familia de condotiere Sforza de convertirse en unos gobernantes-mecenas preocupados por la salubridad de su pueblo).

De esta manera, su proyectista, Egás,  toma planta cruciforme que utilizara Filarete en Milán, aunque con unos modos mucho más goticistas, como puede verse en el crucero

Primero como ayudante y más tarde en solitario, Covarrubias comienza su carrera en esta fábrica, pudiéndosele adjudicar gran parte de la decoración de la fachada principal, puro plateresco que ya analizamos aquí.


Más tardía, y fruto de una evolución hacia formas puristas, Covarrubias volverá a trabajar en el patio que había sufrido desperfecto, creando una sucesión de arcadas (aún un poco etéreas) pero perfectamente rimadas




domingo, 7 de febrero de 2016

LA APERTURA DEL QUINTO SELLO. EL GRECO


Probablemente sea éste uno de los últimos lienzos que pintara el maestro (terminado ya por su hijo), realizado para un altar lateral de la iglesia de San Juan Bautista de Toledo.
Un cuadro intenso, lleno de vicisitudes y anécdotas.
Su fuente iconográfica se encuentra en el Apocalipsis de San Juan

 “Y cuando hubo  abierto el quinto sello, vi debajo del altar  las almas de los que fueron muertos por la Palabra de Dios y por ratificar su testimonio.
Y clamaban  a grandes voces diciendo: ¿Hasta cuando, Señor, santo y veraz, difieres hacer justicia y vengar nuestra sangre contra los que habitan en la Tierra?
Diósele luego a cada uno de ellos  un ropaje blanco y se les dijo que descansasen en paz un poco de tiempo, en tanto que se cumplía el número de los consiervos y hermanos que habían de ser martirizados  también como ellos”(Ap.6, 9-11)
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Sin embargo, algunos autores hablan de otro significado que, sin excluir lo anterior, ampliaría su iconografía: el amor sagrado y el profano, bastante habitual en el renacimiento (como muestra el famoso cuadro de Tiziano)

El amor profano se encontraría en las mujeres y hombres desnudos del centro y derecha, mientras que el sagrado se encontraría en la parte superior (el cuadro, en manos de Cánovas del Castillo, sufrió una agresiva restauración en la que se eliminó más de un metro de la parte superior en donde se podrían encontrar los seres angélicos del amor sagrado, alguno de los cuales todavía perdura).

Otros (Richard Mann), lo ponen en relación con el espíritu contrarreformista de sus patronos (Salazar de Mendoza) que "entendía  que no había nada más importante para el hospital que ayudar a sus pacientes a bien morir", y tenía como libro de cabecera  los escritos de Bartolomé Carranza, antiguo arzobispo de Toledo que, curiosamente, fue investigado por la Inquisición.
De él tomaría el Greco numerosas ideas como el ropaje blanco que se ponen los personajes, asociados así con el martirio, el unir la apertura de Quinto sello con la resurrección de los cuerpos (que si nos fijamos en el cuadro se realiza en distintas etapas, con una luminosidad distinta según el grado de perfección alcanzado en esta vida) o la aprición de putti que serían (según esta interpretación) las almas que vienen a unirse con los cuerpos.

Comprado más tarde por Zuluoga (y utilizado como fondos de alguno de sus cuadros), le fue enseñado a Picasso antes de ser vendido al Metropolitan.

A partir de los años 80 varios críticos (entre los que se encontraba Santiago Amón) comenzaron a estudiar las influencias de esta pintura sobre Picasso y sus Señoritas, tanto en lo estilístico (véase las mujeres, sus posturas o el lienzo que hay tras suyo, astillado como un cristal) como en lo iconográfico (en un principio las Señoritas de Avignon fue un cuadro sobre la muerte y la vida, con dos figuras con un cráneo, luego nunca pintadas, en la parte izquierda que convertían un simple burdel en una meditación entre lo espiritual y lo carnal)

Ya en el plano puramente estilístico, el Greco consigue en esta obra un expresionismo pleno (que tanto influiría en los expresionistas históricos del norte de Europa, como el propio Munch) llevando hasta sus propios límites los conceptos manieristas sobre forma, espacio, luz o color.
Su concepción del espacio fracturado en planos (como un diamante y su facetado), la luz de focos cambiantes que terminan por reflejarse en un cielo en donde luchan los brillos con las sombras, la pérdida de canon (en realidad una verdadera excarnación de los personajes) que crean figuras de formas llameantes o la potencia del color que evita el color local y juega a las contraposiciones brutales en lo cromático... son rasgos de esta última etapa, tal y como podemos ver en su última Adoración de los Magos, la Anunciación o el Laocoonte