sábado, 20 de enero de 2018

DANAE Y LA LLUVIA DORADA. Análisis y comentario


Tomado de wikipedia

El tema nos remite a una fábula clasica (Ovidio) que ya explicamos aquí y, en una segunda interpretación, la imposibilidad de oponerse al destino.
Se trata de una obra al óleo sobre lienzo, como era habitual en el pintor.
Composición. La obra se compone de un friso horizontal que engloba a las dos figuras que se convierte en una forma triangular con el vértice superior (idea que reafirman las miradas)
Predomina el color sobre la línea, con una pincelada suelta que gradúa su intensidad en las distintas partes del cuadro (desde la pura mancha de la parte superior a el toque breve, casi imperceptible, del cuerpo de Danae)
Los colores son fundamentalmente cálidos, recurriendo a los fríos tan sólo en el ángulo superior derecha. Son en general saturados, generando una opulencia visual que es habitual en el pintor.
Por su novedad, resulta asombroso cómo es capaz de pintar claro sobre claro (Danae en su contacto con las sábanas) en donde las formas se disuelven unas en otras y tan sólo ligerísimos matices de luz y color consiguen separarlos)
La luz (representativa) se derrama por medio de un doble foco. Uno proviene de la izquierda e ilumina las figuras, el otro (más temático que técnico) se produce en la parte superior (en realidad una verdadera apertura de gloria desacralizada). Su suave gradación sirve tanto para definir las formas como para sugerir las texturas.
El espacio es reducido. Tiziano busca involucrarnos en el tema acercando las figuras directamente al espectador. Las sitúa en un interior reforzado por las sábanas inferiores y los cortinajes y sólo se nos permite una salida visual en la parte derecha. En ella existe una fuerte ambigüedad (¿es una ventana, aunque sin marco? ¿estamos al aire libre lo cual es imposible por los cortinajes?)
Las figuras no pueden ser más distintas, jugando con ellas en un claro anticipo del barroco (oponiendo rasgos contrarios, belleza frente a fealdad, piel suave y nacarada frente a otra ajada y oscura, actitud pasiva frente a otra activa, el abandono sensual frente a la codicia de la criada...) Velázquez utilizará constantemente esta técnica, especialmente en su obra primeriza (Baco)




COMENTARIO

El cuadro forma pare de las poesías realizadas por el pintor para Felipe II (aunque las últimas investigaciones proponen que el cuadro, aunque en manos del monarca, fue comprado a un coleccionista italiano por Velázquez en su primer Viaje a Italia).
Estas obras mitológicas (a las que el pintor denominaría Poesías, realizando las primeras para el studiolo de Alfonso I en Ferrara) eran cuadros de fuerte contenido erótico que, a la vez, funcionaban como Espejo para Príncipes, emblemas morales que sirvieran para su educación, sirviendo como lugares de reflexión (en este caso, como ya decíamos, la inutilidad de oponerse al destino). Aquí explicamos más el tema.
La obra pertenece a la madurez del artista, cuando este ha desarrollado plenamente sus técnicas, proponiendo un mundo sensorial a través de su pincelada suelta (heredada de su maestro Giorgione) que insiste en las texturas, tan ricas (cortinajes), sensuales (cuerpo de Danae) o atmosférica (la lluvia de oro).
Un verdadero canto a los sentidos que supera las maneras florentinas (sólo es necesario compararlas con la Escuela de Atenas de Rafael) y está anticipando las formas barrocas (Velázquez, Rubens, Rembrandt o Ribera beberán en sus cuadros, a veces copiándolos directamente, otras inspirándose en su técnica y colorido). Para la modernidad será fundamental el uso que realizará Manet de su obras (Olimpia, Desayuno en la Hierba)


UN MARAVILLOSO LIBRO SOBRE MONTAÑÉS


Hoy nos ocupamos de un volumen dedicado a Martínez Montañés en Sevilla que fue uno de los regalos que me hicieron en mi último cumpleaños.
De tapa dura, gran formato y espléndidas fotos, este historiador del arte hace un repaso por sus obras sevillanas (pero también de Santiponce), dividiéndolas por temas.
                                                                
Sus comentarios, siempre acertados, sirven para verlas con mayor profundidad y conocer algunas obras casi imposible de ver al encontrarse en clausuras


viernes, 19 de enero de 2018

ANIMA MUNDI. Aprendiendo a nadar

Hoy conmemoramos el primer centenario de la tercera ley de Solsona y Pereira:
"Si nos encontramos en una sociedad líquida, más que grandes conocimientos, debemos ante todo enseñar a nuestros alumnos a nadar"
Y por ello (muchos no lo sabrán) los niños y adolescentes van a los colegios con sus manguitos


jueves, 18 de enero de 2018

LA SALA CAPITULAR DE LA CATEDRAL DE SEVILLA


Junto a los trabajos de culminación de la Giralda que ya vimos aquí, Hernán Ruiz el Joven, en su frenética tarea, creó uno de los espacios manieristas más bellos de la Península.
Accediendo a través de tortuosos pasillos, el espectador se encuentra totalmente sorprendido ante este espacio diáfano y luminoso organizado en una planta oval, acaso inspirada en las experiencias romanas de Vignola.

El solado, inspirándose directamente en la Plaza del Capitolio de Miguel Ángel, crea una sensación de expansión que niega la contracción superior de la cúpula, dinamizando el espacio con movimientos contrarios

Con ella conjugaba las necesidades del Cabildo (perfecta visibilidad de todos los asistentes y buena acústica para las discusiones que habrían en ella) con una experiencia artística de gran calidad en donde la luz cenital creaba un espacio amable y espiritual nunca visto hasta entonces en la capital hispalense.

La decoración de toda la sala estuvo planificada por el canónigo Francisco Pacheco (tío del pintor) en donde se exaltaban las virtudes que habrían adornar a los canónigos (Virtudes), realizadas por Pablo de Céspedes, acompañadas por escenas evangélicas (Vázquez el Viejo), santos sevillanos y una de las Inmaculadas más exquisita de Murillo.


















































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miércoles, 17 de enero de 2018

LOS BASSANO


Jacopo Bassano. Epifanía

Esta familia de artistas (da Ponte), casi una verdadera factoría de pintura, nació y se desarrolló en la periferia de la gran pintura veneciana, tomando su nombre de su pueblo natal

Japoco Bassano.

Freedberg habla de una ideología conservadora y provinciana (la de sus primeros patronos) aunque progresivamente enriquecida por la pincelada de Tiziano (especialmente en su última etapa) y las composiciones tomadas de estampas de Rafael (a través de Marcantonio) o Durero, y los ejemplos de la maniera que se está gestando en la Emilia (Parmigianino, Correggio).

Gerolano Bassano. Natividad

Su iniciador, Jacopo, es el más dotado y abierto a las influencias exteriores, por lo menos hasta 1560, en donde su estilo descubre una nueva interpretación de la historia sagrada en unas claves que serán repetidas por sus hijos (Francesco, Leandro y Geronalo)

Francesco Bassano. Partida de Abraham.

Estas claves se pueden resumir en dos principales aspectos.
La progresiva inclusión de personajes, escenarios y detalles en principio ajenos al tema religioso tratado, convirtiéndolo en un espacio ambiguo, más cercano al género que a la narración bíblica.
Jacopo Bassano. Predicación de San Pablo
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Se ha hablado de un gusto popular por dar más veracidad al hecho religioso que tendría un enorme éxito (pues en el fondo está anunciando el realismo barroco)

Jacopo Bassano. Adoración de los Pastores

Por otra parte hay una fuerte tendencia por experimentar con los efectos luminosos, tratando en muchas ocasiones las escenas como nocturnos.

En estas investigaciones, gustó especialmente por fuertes luces internas que creaban fuertes iluminaciones y contraluces que, desde presupuesto de inicio muy distintos, llega a soluciones muy cercanas a Tintoretto.

Se generaban así escenas que partían de una fuerte luminosidad central que poco a poco iba siendo devorada por las sombras según nos alejamos hacia los extremos
En este punto su influencia será directa en el Greco

Los retratos serán menos novedosos




martes, 16 de enero de 2018

Análisis y comentario. LA ROTONDA. PALLADIO


Planta centralizada compuesta por tres figuras geométricas que se inscriben una dentro de otra: círculo central, cuadrado y cruz griega.
Gracias a esta composición se crean cuatro pórticos de acceso que, orientados a los puntos cardinales, conducen a la rotonda central. En torno suyo se sitúan las distintas estancias, comunicando los dos pisos por escaleras de caracol adosadas a la rotonda que se conforma en elemento clave del conjunto, reservada como gran salón de reuniones, pues la villa, más que habitacional (para vivir), tenía una función lúdica (fiestas)


 Villa la Rotonda






Alzado. Como material utiliza la piedra cortada en sillares muy bien aparejados (Palladio fue antes cantero que arquitecto).


El muro predomina sobre el vano, estando dividido (al exterior) en tres pisos: un semisótano a la altura de las escalinatas que funciona como plinto de toda la edificación (dedicado a los servicios), una planta principal o piano nobile, y una azotea o cuerpo superior para habitaciones (sobre el que se tiene dudas si fue verdaderamente proyectado por Palladio). La diferenciación horizontal entre plantas se realiza a través de entablamentos de origen clásico.


Los vanos son adintelados y en el piano nobile decorados con frontón apoyado en ménsulas y molduras laterales e inferiores que remarcan la importancia del piso.

Los pórticos (todos iguales) son exástilos y de orden jónico. Se encuentran elevados sobre un podium que da acceso a la planta noble que se comunica hacia el exterior con una gran escalinata flanqueada por dos muros bajos.



Respecto al edificio el pórtico se encuentra avanzado creando una pequeña pronaos semicerrada por los laterales a través de dos arcos de medio punto.
En altura, los pórticos se rematan con un frontón clásico con estatuas.

Cubierta. Aunque no es visible en la foto, podemos suponer una cubierta adintelada a excepción de la rotonda que se cubre con una cúpula sin tambor (al igual que el Panteón de Agripa) que apenas resalta de la edificación (acaso por la adición del último piso)

Decoración. Es clásica y fundamentalmente arquitectónica (no encubre la estructura, al contrario del plateresco), compuesta por cornisas, frontones, óculos... Hasta las propias esculturas se adaptan al ritmo de proporciones, continuando los ejes ya creados por las columnas.
Se tiene en cuenta la influencia de la luz en la zona de los pórticos que crean un efecto de claroscuro que subraya las entradas.

En general, podríamos decir que predomina lo estructural, con un muro poco articulado, en donde se busca las cualidades volumétricas y sus relaciones.

COMENTARIO.
Dentro de la producción arquitectónica de Palladio destacan las villas de campo. Su origen ideológico habría que buscarlo en los tiempos de la Roma Imperial y las villas de campo de los patricios. En un afán (tan típico del Renacimiento) de emular la Antigüedad, la burguesía agrícola adinerada del Véneto busca en estas edificaciones un lugar representativo que domine sus territorios y sirva para reuniones sociales fuera del ámbito de la ciudad. (Para ellos, también Palladio construirá palacios urbanos en Vicenza).

 

En este sentido habría que comprender esta obra, pensada más como un belvedere o mirador (colocada sobre podium y en una colina con vistas hacia los cuatro puntos cardinales) para fiestas y reuniones, al contrario de otras (Maser, Lonedo...) de planta longitudinal y con carácter más habitacional.



Técnicamente, también existe un claro retorno al clasicismo greco-latino. (La Antigüedad se había convertido desde el siglo anterior en un signo de prestigio y elitismo). Por ello encontramos numerosos recursos clásicos: el templo griego en los pórticos, el espacio centralizado con cúpula sin tambor (Panteón de Agripa y, más lejanas, las Termas), frontones, entablamentos,... Como ya habían realizado arquitectos anteriores (Brunelleschi, Bramante...), también utiliza el módulo o medida estable (normalmente el intercolumnio) que rige toda la construcción para darle una visión armónica.

Sin embargo, todo lo dicho no nos puede confundir. Palladio no es un clasicista pleno y tiende al manierismo (aunque ciertamente poco estridente, mucho más clásico que el de Miguel Ángel).

Algunos de los rasgos manieristas que podríamos destacar serían: el vano o motivo palladiano que se crea en el lateral del pórtico, el gusto por el claroscuro presente en la articulación del pórtico, los óculos que ya no son circulares sino ovalados o las esculturas que prolongan las verticales de las columnas abriendo las direcciones (y no cerrándolas, como haría un clásico que encerrará todas las líneas dentro de la arquitectura). Dichas características son aún más perceptibles en otras obras suyas, como la Basílica de Vicenza (con motivo palladiano repetido y estatuas en los ejes de las columnas de doble proporción, con gran uso del claroscuro), el Teatro Olímpico (con grandes perspectivas falsas rematadas por su discípulo Scamozzi) o los Palacios de Vicenza, con uso abundante del orden gigante.



























lunes, 15 de enero de 2018

PARMIGIANINO. LAS VÍRGENES NECIAS Y LAS VÍRGENES PRUDENTES

Cuenta Vasari que los últimos años de Parmagianino se sucedieron en su ciudad natal , enloquecido por la práctica de la alquimia.
La crítica actual le da poca relevancia a esta afirmación y prefiere hablar de los constantes problemas con sus patronos que le terminaran llevando al arresto y más tarde, al exilio voluntario.

Estos problemas se derivaron de esta obra en la iglesia della Steccata para la que había firmado la cuenca del ábside (nunca realizada) y el arco triunfal del presbiterio.
El pintor se encontró con problemas añadidos, como la presencia de casetones físicos que le dejaban escasos espacios planos. Esto debió estimularle aún más vistos los asombrosos resultados conseguidos en donde lo real y lo ficticio (un rasgo tan típicamente manierista) se confunden, dejando al espectador ante la duda final. ¿qué es lo real?

El tema pedido era el de las Vírgenes necias y prudentes, parábola que utiliza Jesús para hablar del comportamiento del cristiano, que siempre ha de estar preparado para la llegada de la muerte, cebando sus lámparas con aceite para poder encenderlas en cualquier momento (como hacen las de la zona izquierda)

Cada uno de los grupos ocupa el arranque del ábside, entremezclándose con los casetones, repitiéndose el esquema, con una figura central suavemente ondulada y dos en posturas forzadas (serpentinatas) a sus lados.
Todo el conjunto tiene mucho más de ballet cortesano que de doctrina cristiana, desde la belleza lánguida de las Vírgenes, sus posturas a las exquisitas vestiduras tornasoladas y metalizadas

Completando el conjunto aparecen grisallas que hacen ecos de las figuras del extremo contrario y toda una multitud de objetos esparcidos entre los casetones que (tal vez ahora sí) se conecten con el mundo de la alquimia.


domingo, 14 de enero de 2018

SANTO DOMINGO DE SILOS (1). EL CLAUSTRO


Pocos lugares en Europa mantienen una riqueza románica tan exquisita como el claustro de Santo Domingo de Silos (Burgos), y me gustaría dedicarle algunos artículos con más fotos que textos para que vosotros lo podáis descubrir y, en cuanto podáis, lo visitéis.
Lamentablemente, sólo el claustro ha conservado su completo aspecto románico, pero con ello ya es suficiente.

Se trata de un típico espacio cuadrangular que derivaría de modelos antiguos (desde el peristilo de las casas romanas pasando por el atrio de las basílicas paleocristianas e, incluso, el shan de las mezquitas). Es, en el fondo, el omphalos, el centro del mundo de la comunidad con su fuente central.
Cada uno de sus tramos o pandas se abren al exterior por medio de arcos de medio punto apeados sobre columnas pareadas, las más antiguas incluso con éntasis (ensanchamiento central) y unidas.
  En el centro de las arquerías (para una mejor sustentación) nos encontramos con unos machones disfrazados por cuatro columnas.

Sobre estos arcos corre una línea decorativa del llamado taqueado jaqués, motivo típico del Camino de Santiago con el que está vinculado el monasterio.
En torno suyo se encontrarían las distintas estancias típicas de un monasterio que podéis consultar en la vida de un monje medieval

Su techo es una obra maestra de la carpintería mudéjar, recientemente restaurado.
                                                         Su sala capitular





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