Entremezclando las máquinas inútiles de los Dada con la lectura del psicoanálisis de Freud, se crea una máquina poética que funcionaria, según Dalí, de la siguiente forma.
El mecanismo consiste en sumergir un terrón de azúcar en el que se ha pintado la imagen de un zapato, para observar la disgregación del azúcar y en consecuencia de la imagen del zapato en la leche. Varios accesorios (pelos púbicos pegados a un terrón de azúcar, pequeña foto erótica) completan el objeto, que va acompañado por un bote de azúcar de recambio y una cuchara especial que sirve para agitar granos de plomo en el interior del zapato.
En tan abstruso e inútil mecanismo se abren grietas que nos pueden conectar con el subconsciente a través del erotismo, el fetichismo, la deglución y los procesos de descomposición.
Una mujer en una carroza tirada por un fénix/unicornio, en una catedral vegetal
Muchas de las obras de Remedios Varo crean más escenas que cuadros, inicios (o intermedios) de historias de las que no conocemos su final. Son un fotograma que para la vida y la deja estancada en esos sugerentes paisajes. En ambas cuestiones siempre hay algo de cuento de hadas (o de demonios) en donde todo parece tan sutil como profundamente inquietante.
Lo son sus mujeres impávidas, princesitas nada ingenuas que ya han conocido el dolor y la maldad; sus ambientes vaporosos en donde todo parece estar en una profunda (lenta pero implacable) metamorfosis en donde hay magia y un poco de pavor.
A partir de 1960, Stella comenzó a producir sus pinturas en aluminio y cobre que presentaban líneas regulares de color separadas por rayas.
Se trataba de una evolución en lo cromático de sus Black Paintings. También una ruptura de su monotonía compositiva de líneas paralelas al introducirse numerosos temas dentro de la unidad.
Sin embargo, el gran cambio se produce en el borde, al hacerlo desaparecer. La propia pintura crea su propio contorno, sus temas se desarrollan al exterior separándose de la pintura tradicional para acercarse a la escultura, la minimalista, claro.
Un objeto autónomo, Hard edge (de bordes duros y nítidos que separan las formas), que se convirtió en una de las obras esenciales de la Abstracción postpictórica.
Una de las primeras botellas de Coca-cola que hizo Warhol nos habla de muchas cuestiones.
En realidad es una representación (una falsedad, como sus cajas Brillo) que se aleja demasiado de lo fotográfico. A poco que nos acerquemos vemos las pinceladas largas y duras que se extienden por toda la obra, como un homenaje a su némesis, Pollock?
Y esto no es una obra aislada. Si seguimos con sus Coca-colas, ya serigrafiadas, hay una obsesión porque la imagen no sea industrial, y color y líneas no concuerdan.
Las fotos suelen ser extraídas de periódicos que luego son proyectadas a tamaño mucho mayor sobre papel fotográfico en donde el propio artista dibujará, reforzando unas líneas y olvidando otras, potenciado o eliminando claroscuros hasta conseguir despersonalizar la imagen, convertirla en un icono y tratarla como tal.
En todo este proceso se ha perdido gran parte del realismo, la imagen se ha cosificado para convertirse en más real que la realidad, con una mayor aura que le proporcionan las líneas básicas y, sobre todo, el colorido contrastado, en absoluto naturalistas.
Se ha producido el milagro de la realidad transformada y lista para ser consumida (aunque el espectador encontrará muchas espinas en donde creía que un puro objeto industrial, liso y brilllante; hay muchas sombras, miedos, manipulaciones, rugosidades...)
En 1978 Warhol realizó de una obra monumental, titulada Sombras (Shadows), con colaboración de sus ayudantes.
Se trataba de 102 serigrafías, variaciones cromáticas (gracias a la técnica) de unas simples sombras tomadas en su despacho.
Gran parte de su interés es la repetición, la idea de la copia y sus alternancias (cromáticas, positivo-negativo, luz-sombra) que nos hablan de la constante tensión entre original y copia que ya era muy evidente en las Cajas de Brillo.
Hay, además, una conste referencia a la muerte, representada por las sombras. Un tema tan habitual en el artista.
Incluso podríamos hablar de una tercera cuestión, la de un juego (acaso irónico) con el expresionismo abstracto que tantos puntos tiene en común con su obra aunque en un primer momento podría ser visto como la antípoda.
Como en él se reduce la significación a unas formas geométricas entrelazadas, y la representación de la realidad casi desaparece por completo, convirtiéndose la obra en un gran decorado (una instalación abstracta) que podría recordar a las obras finales de Rothko (un lugar sacro y funerario)
No nos va a extrañar este tema tan evidente en la obra surrealista. Quizás si lo hiciera en 1920; crearía escándalo pese a su apariencia Brancusi, estilizada, geométrica, pulida y brillante.
Tal vez se tratara de un simple juego entre amigos, estos regalos que hacían y producían para un pequeño grupo de otros surrealistas como una forma de jugar con los tabúes, los instintos y las convenciones.
Qué maravillosa obra que parte de lo conceptual para terminar en la pura meditación.
Esos delgados cilindros azules que a punto están de incidir sobre una maravilloso estanque de pigmento, de nuevo azul, granulado, como un mundo más allá de nuestro propio mundo
Una experiencia sensorial/espiritual que puede llegar a su cénit cuando hay alguien que equivoca las buenas maneras sociales y (posiblemente sin querer) pisa el milagro y lo empieza a extender por la la sala (¡Qué feliz habría sido Yves Klein!)
YVES KLEIN. FOTOGALERÍA ENLAZADA
