Los lunes no se habla de droga, Aurora López, 2026

Los lunes no se habla de droga nos invita a un mundo propio, a la realidad cotidiana de una generación que es adulta pero no lo es, que ha dejado de ser algo que eran y se han adentrado en otro algo que no saben muy bien qué será.  

Un mundo de domingos lentos que dejan lunes cansados para hablar de nada. 

(Las generaciones maduran, mutan y, acaso, entristecen; pues todo va cumpliendo años y perdiendo en el camino una parte de la inocencia).  

Son un grupo de amigos en su intimidad más significante, aquella que habla de los detalles que parecen carecer de importancia y son la médula de todo el discurso. 

Zapatos, biquinis, un cigarro encendido o una barba recortada… Pero también gatos, o pezones, o un septum lleno de nostalgia.  

Es una lectura desde lo insignificante y cotidiano de las esperanzas, pero también de los miedos de una generación que ya abandonó la adolescencia para entrar en un puro presente. 

Este es el pequeño universo. Un mundo sin reglas férreas, moralidades ni grandes verdades. 

Pues interesan mucho más las grietas, los lugares intermedios, ambiguos, las múltiples formas de cuerpos y deseos ante un mundo que cada vez corre más deprisa. 

 Frente a todo ello se nos propone un momento de pausa, de silencio, de intuición. Sin necesidad de explicaciones. 

                   Esos son los ladrillos de esta mirada,

                                       leve en su profundidad.                                                                 

Para ver su obra anterior (0 lavadoras) que forma la prehistoria de esta nueva exposición en Yuste/Giner desde el sábado 18 de julio.

PABLO GENOVÉS. PAISAJES PARA UN FUTURO APOCALIPSIS

Pablo Genovés toma fotografías de segunda mano, habitualmente antiguas, y las trabaja digitalmente para introducir de forma inesperada una Naturaleza que se apodera de estas zonas humanas.

Ya sea el mar o una nube o una gran roca, la combinación de lo cultural y lo natural, su irrupción a menudo violenta en nuestros espacios de confort nos crea una distopía tensa, llena de ecos oscuros, como una estatua de la Libertad rota entre los acantilados y la playa.

Aquí tenéis su web

Michael Najjar. Don Jones

Alguna vez nos pareció que la fotografía podría ser el recurso perfecto para conservar la realidad, capturarla y preservarla, dar incluso fe de ella.

Sin embargo, este sueño tardo-ilustrado hace tiempo que ya no es posible.

Primero fue el espíritu posmoderno que gusta de falsificar a través de la fotografía el mundo como manera perfecta de demostrar la imposible inocencia de la mirada, la subjetividad de cualquier percepción, la imposibilidad final de cualquier tipo de verdad pues todo es un constructo lleno de sesgos e ideas preconcebidas.

Luego fue la fotografía digital y sus infinitas posibilidades de manipular la imagen (aumentadas hasta el infinito por la IA) que tanto puede servir para el puro recreo (como los filtros de redes sociales) como para la crítica más inteligente del sistema.

Ambas ideas se entrelazan en esta obra en donde una (verdadera) ascensión al Aconcagua del propio artista que realizó las fotos y (luego, manipulándolas digitalmente) convirtió la sucesión de picos en el diagrama de movimiento de la bolsa de Nueva York, pues realmente es esta la que crea nuestra realidad (la de las crisis que no producimos pero sufrimos, la de las ganancias que se crean robándonos la salud, el medio ambiente...)

Dietmar Höpfl. Feliz Guerra fría

Dietmar Höpfl, shockfactor_ai es un fotógrafo que utiliza la IA para plantear nuevos (o pasados) mundos.

De su obra me ha encantado, especialmente la serie "Laundry doesn’t do itself, you know"

Se trata de mínimos vídeos que ponen en contradicción la feliz vida americana con la bomba atómica.

Esas mujeres vestidas años 50 con sus vestidos felices, sus felices peinados, tienden la ropa de sus niños ... en medio de los desiertos de tal vez Arizona, con bombas atómicas explosionando sin cesar.

Es la imagen paradójica (pero precisamente por ello, perfecta) de la Guerra Fría, con un acelerado crecimiento de la clase media americana (del sueño americano de la prosperidad), el consumismo pero también el holocausto nuclear como horizonte y miedo oculto del mundo entero durante décadas.

LOS REYES EN LA LENTE DE LEIBOVITZ

La artista estadounidense ha recibido del Banco de España 137.000 euros por este díptico de los monarcas para la colección del Banco de España.

Sin entrar en el precio, la obra es magnífica aunque profundamente enigmática, pues en ella es la reina Letizia (mujer y plebeya) la que cobra mayor importancia y se trata con un mayor decoro y preeminencia.

Ambos aparecen el el Salón Gasparini del Palacio Real, su parte más rococó, pero en el del rey hay (además de los apliques cerámicos y textiles de las paredes) muchos más muebles que saturan el espacio frente a un lugar más limpio y luminosos en el de la Reina.

Ella tiene una ventana abierta, él una puerta oscura. Ella respira sin dificultad, él apenas si tiene lugar para posar los pies y es oprimido por muebles, espejos y una gran araña que se apropian del espacio.

Compositivamente la reina se organiza en torno a las verticales de la ventana mientras el rey se fotografía en un escenario levemente ladeado que crea diagonales que lo expulsan hacia la derecha.

Otra cuestión es el vestuario, como comandante de los ejércitos en el rey, que porta su uniforme un tanto envarado frente al Balenciaga de la reina, sin símbolos de la monarquía, sólo su propia elegancia y el juego de telas y texturas que tan bien armoniza con el entorno.

Todo ello nos conduce a una idea más minusvalorada de la realeza (real), el ejército o lo puramente masculino frente el ensalzamiento de la femineidad, elegancia y poder blando de la reina. Ella se impone al espectador; él aparece perdido en el palacio y el cargo.

El propio retrato del rey necesita ser completado por el de la reina (por forma compositiva  y casi diríamos que emocional)

 ¿Era  todo esto lo que quería explicar la fotógrafa que es mujer, republicana en el sentido político, cercana al mundo del espectáculo y la moda?

 

Andreas Gursky y Canogar . Los paisajes posthumanos

En una de sus fotografías digitales, Andreas Gursky representa una hilera de estantes de supermercado por medio de una perspectiva renacentista que ofrece una imagen del espacio de consumo como ilimitado, sucesivo, infernal. 

En ese mismo ámbito, la obra de Daniel Canogar, y en particular su serie Otras Geologías, ofrece imágenes proliferantes de basureros tecnológicos en que algunos cuerpos desnudos aparecen como restos de carne, como trazas posthumanas en medio del trash y del data trash. Desde esta perspectiva el paisaje mediático, como motivo pictórico y como tema cultural, queda definido como un tema de la historia del arte –o, quizá mejor, de su posthistoria–. 

 Afterpop (Eloy Fernández)

El uso de la foto. Ernaux.

Ernaux nos narra las fotos que tomaba con su amante, las fotos de la ropa y los objetos que se iban quedando desparramados por pasillos y habitaciones. Fotos que hablaban del sexo y sus urgencias, de sucedidos en medio de la pasión. Una idea fantástica que tiene mucho más de artístico que de literario: la imagen como representación de lo que realmente no aparece, de un pasado que ya ocurrió y quedan solo los restos.

A la vez, junto a todo este deseo hay una profunda ansia, una ausencia : la del cáncer de pecho que estaba sufriendo en esos mismos momentos. Es su pérdida de pelo, de la quimio y la radio, de los miedos y las esperanzas, todo sin la más mínima sensiblería.

Pues todo el libro (en realidad, toda su obra) es una visión realista y brutal de cualquier problema (abortos, enfermedades terminales, amantes...) que analiza como un cirujano con su lanceta.

Lucas Corralejo

Más libros de la autora en nuestros blogs

                                                ÍNDICES DE NARRATIVA

Christopher Williams. Sin título

 Este autor suele utilizar las imágenes fotográficas para criticar las propias técnicas fotográficas, especialmente aquellas relacionadas con la publicidad y la creación de estereotipos.

En esta obra vemos el envés de una imagen publicitaria, y no sólo por mostrárnosla de espaldas, sino por permitirnos descubrir todos los trucos (como las pinzas en el sujetador) y las imperfecciones (lunares, arrugas en el vientre, pies sucios, que desaparecerán de la imagen final tras numerosas capas de correcciones digitales.

Con todo ello nos hace conscientes cuánto de construcción tienen nuestras imágenes sobre la belleza o el deseo, puras entelequias forjadas para mayor gloria de sus fabricantes 

MATHIEU PERROT. Guerras y emigrantes

La mirada de Mathieu Pernot siempre ha buscado los lugares de fricción. Aquellos lugares incómodos ante los que no queremos mirar.

Esta actitud de tensión no utiliza, sin embargo, las tintas crudas ni se vende a las imágenes fáciles (por lo que tienen de desgarradoras o terribles)

Dos muestras perfectas de esta doble actitud son sus recientes fotos sobre la guerra de Siria o la emigración en Melilla.

En 2021 viaja a la ciudad de Palmira y al museo Khaled Asaad ('La ruina de su morada') para fotografiar la terrible melancolía de la guerra. Sin una sola gota de sangre, nos muestras las heridas del conflictos en las memorias arqueológicas, su insoportable pérdida y abandono.

 

Algo muy semejante ocurre con el muro de Melilla. 

Ningún emigrante se nos muestra, sólo sus ausencias, los restos de lo que fueron, el terrible silencio de los pinos sobre el fondo de alambradas de un lugar en el Mediterráneo que separa dos mundos tan diferentes.

TODOS NUESTROS POST SOBRE EL FOTÓGRAFO

MATHIEU PERNOT. LOS QUE GRITAN

La obra de Pernot  nunca es complaciente, sobre todo porque tiene la maldita capacidad de convertirnos en mirones de aquellas cuestiones de las que no queremos saber.

Mirones que n os obligan a plantearnos cuestiones sociales o políticas que escuecen y suelen estar escondidas.

Esto es lo que ocurre en esta serie Los que gritan, en donde nos encontramos con los familiares de los presos de la cárcel parisina de La Santé o de la Modelo de Barcelona, que hablan a gritos con sus familiares.

Son imágenes elocuentes que van más allá de la imagen y proponen todo un imaginario de raza o condiciones socioeconómicas de sus protagonistas (y de sus interlocutores invisibles). 

Un mundo en los entornos de lo marginal que se mueve entre dolor y cariño, entre soledades e intentos desesperados de comunicación (mucho más compleja de lo que nosotros nunca podremos ni siquiera imaginar)

MÁS OBRAS DE MATHIEU PERNOT EN NUESTROS BLOGS

Christina Qahoush. Memoria

La artista utiliza la tradicional cianotipia, acaso una de las formas más primitivas de fotografía, que deja esas delicadísimas imágenes en azul de Prusia que poco a poco va perdiendo fuerza.

La técnica crea imágenes que poco a poco se irán desvaneciendo, igual que la memoria, una bellísima metáfora de nuestros recuerdos; una lucha a contrarreloj contra el tiempo que todo lo destruye, como un gigantesco Cronos.

 Hasta que esto suceda, la artista plasma la imagen de aquellos que acaso para los demás no tengan la más mínima significación pero para nosotros están impregnados de emociones.

Una especie de geografía de nuestra alma, con sus pequeños riachuelos, sus valles y sus ciudades destruidas que nos acompañan mientras vivimos y, luego...

... desaparecerán como lágrimas en la lluvia.

Solsona 

Deborah Turberville. La fotógrafa publicista tomada por la nostalgia

Hasta el 28 de octubre (2023) Espacio Bernal expone la primera exposición en España de la fotógrafa Deborah Turberville.

Fotógrafa de moda, su trayectoria se salió por completo de las normas al uso (de los 70 en adelante), creando mundos que se encontraban mucho más cercanos a ciertos surrealismos.

Su obra, más que anunciar cosas, nos habla de sutiles emociones entre las que se encuentra siempre la nostalgia, una especie de tristeza elegante y suave que envuelve a sus modelos y sus lugares.

Melancolía en un tiempo suspendido que convierte a sus modelos en nuevas esculturas.

Modelos hechas esculturas en una vuelva al clasicismo más puro que se deleita en perfiles y peinados.

Pero Deborah es, también, una fotógrafa que no quiere convertir las cosas en oro como pretende gran parte de la publicidad. 

Por el contrario, en todas sus imágenes late una profunda humanidad que se opone a la tradicional sexualización de las modelos femeninas. Habla mucho más de las debilidades y las heridas que de las imposiciones retóricas de cualquier tipo de propaganda.

Técnicamente, es una verdadera maga a la hora de crear (materialmente) las imágenes, con positivados personales que consiguen sus particulares texturas, los granulados, las luces tenues, los colores apagados o sepias que son el marco de todas estas sutiles emociones que hemos ido desgranando.