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jueves, 15 de octubre de 2026

PEPE ESPALIÚ. Carrying Proyect


Tras conocer  en 1990 que se encontraba contagiado de SIDA, la obra de Espaliú se vuelve más sombría y activista, llena de jaulas, muletas y aparatos ortopédicos.
Destaca especialmente esta especie de palanquines (pero también féretros por su color y su total cierre al mundo exterior) que se relacionaban directamente con el acto de transportarse de los happening realizados en San Sebastián o Madrid, en donde una serie de amigos transportaban al artista, hablando de la fragilidad de lo humano que ponen de relieve estas enfermedades, imposibilitando al enfermo a la simple acción del paseo, de la relación.
A mi me gusta pensar, también, que estos palanquines tenían algo de denuncia ante la España eterna e imperial que no admitía la enfermedad por considerarla como fruto de una aberración

TODOS NUESTROS SPOST SOBRE ESPALIÚ


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jueves, 17 de septiembre de 2026

Pilar Albarracín. Mandala

Pilar Albarracín es siempre tan certera como elegante (a su divertida manera)

En esta obra se usan bragas usadas para realizar una mandala. En realidad son el recuerdo (físico) de mujeres (desde niñas a ancianas) que se unen en grandes corros de vida y alegría para proyectarse sobre nosotros.

¿Sororidad? ¿Una utopía femenina divertida pero íntima en donde la verdadera política es lo personal? Son la individualidad y la colectividad, las distintas clases sociales y significados de la prenda en relación con lo femenino.

Geometría puramente humana, pero acaso también espiritual


viernes, 3 de julio de 2026

FÉLIX GARCÍA TORRES. CARAMELOS PARA EL AMOR Y CONTRA EL ODIO Y LA SINRAZÓN

En 1991, Félix García Torres hizo una curiosa y maravillosa obra de arte.

Se trataba de un retrato, el de su pareja, Ross, que acababa de morir de SIDA. Este se había convertido en 80kg de coloridos caramelos, justo el peso que tenía el día en el que murió.

Ya de por sí la historia es verdaderamente conmovedora: convertir la muerte y la enfermedad en dulces. Pero aún iba más allá.

La obra, según decisión del autor, podía ser tomada por los espectadores. Ellos intervenían en la obra y la completaban tomando caramelos (que de forma ilimitada sus propietarios tienen que reponer). Coger caramelos y comerlos sin ningún impedimento.

La obra se convierte en un acto más allá de lo visual, pues comemos a su amado, pero también a la propia enfermedad mortal en los años 90. Comulgamos su recuerdo (si se quiere ser más radical e iconoclasta)

En ese sentido toda la poesía de Félix García Torres se convierte en un alegato y su arte en un profundo activismo que generaba fortísimas conexiones (el gusto es algo mucho más corporal que la vista, se contamina y contamina por completo en la experiencia vivida).

Todo un manifiesto contra aquella sociedad reaccionaria de los 90 en EE UU que hablaba del SIDA como un castigo divino contra homosexuales (como eran ellos) o yonquis. Una batalla cultural en la que combatieron otros artistas como Haring, Espaliú o Wojnarowcz



lunes, 23 de marzo de 2026

Clara Sánchez Sala. La vue, 2025

 

Pieza finalista en el 40 premio de pintura @bmwgroupespana . Desde el 20 de noviembre hasta el 1 de febrero se podrá ver en el @centroculturacondeduque .

Jugando con los tapices de mil flores flamencos, o con la pintura de bodegones y flores (muchas veces minusvalorada, muchas veces femenina) o con simples mantones, o con el propio maquillaje con el que están hechos sobre seda, toda esta serie es una reflexión sobre lo femenino y revalorización.

Sólo ha queda el marco de flores, pues lo central ha desaparecido, y todos los simbolismos de los que hablábamos en el primer párrafo se vuelven evidentes.



viernes, 21 de noviembre de 2025

Jemima Stehli. Strip

 


Strip es el nombre de una serie fotográfica realizada en el año 2000 que muestra las tensiones entre la persona que toma la fotografía y la que es fotografiada. La componen decenas de imágenes donde vemos a un hombre sentado en una silla mirando a una mujer que se desnuda de pie ante él. Unos veinte hombres tomaron varias instantáneas siempre de la misma mujer en un momento u otro de su desvestimiento. Eran personalidades del mundo del arte, desde críticos a artistas. Ella era la artista conceptual Jemima Stehli. Stehli invitó a estos hombres a pulsar el botón obturador de la cámara cuando creyeran oportuno, mientras ella se despojaba de su ropa a metro y medio de distancia.
 Los ocasionales fotógrafos aparecen siempre de frente, pegados al telón del fondo, que cambia de color con cada uno de ellos, mientras que Jemima Stehli se nos presenta en todo momento de espaldas. Hay imágenes de la artista completamente vestida y completamente desnuda, y varias en situaciones intermedias. 
La serie retrata la mirada masculina, y cada fotografía podría tomarse como el punto exacto donde esa mirada necesita atrapar, hacer una marca o revelarse turbada, como el pico más alto en un sismógrafo de la contemplación concupiscente. 
Strip es una idea fascinante, plena de significados. Como hombre, enseguida pensé al descubrirla, si esta obra conceptual hubiera sido realizada si, en efecto, la artista no fuera entonces joven y tuviera un cuerpo bonito. Curiosamente, según declara Stehli, es lo que le dijeron muchos otros hombres en su momento. “Me preguntaban a menudo si lo hubiera hecho sin tener el cuerpo que tenía y era una pregunta imposible de responder, porque creo que tal vez lo hice porque tenía un físico que se ajustaba a una figura deseable y pensé, ¿cómo puedo ser la mujer que soy y que me tomen en serio?”
 También me llevó Strip a sopesar la cantidad de mujeres artistas que trabajan sobre su propio cuerpo, frente al número muy limitado de hombres que hacen lo mismo. De hecho, muchos hombres hacen girar su obra en torno al cuerpo de la mujer. Los hombres no consideran su desnudez como inspiración y pocas mujeres consideran la desnudez masculina creativamente interesante. Esto puede llevarnos a pensar, con cautela, si el arte con carga erótica no es sino una extensión sofisticada de pulsiones
(...)
Jemima Stehli consiguió con Strip una auténtica filigrana escópica. El hombre mira a la mujer, la mujer mira al hombre que la mira; nosotros miramos a ambos y lo que vemos es lo que el hombre que mira considera más fotografiable de la mujer que se desnuda ante él. Stehli está expuesta físicamente, pero cada fotógrafo lo está moralmente.
 Al hombre que mira lo delata su postura, su rostro y ese momento en el que aprieta el botón de la cámara. El hombre puede mostrarse relajado o impertérrito, y ser ambas actitudes totalmente impostadas; puede llevar la sesión con naturalidad auténtica, también. Puede con toda honradez fotografiar a la mujer que se desnuda cuando un gesto, una prenda que se eleva o una inclinación le resultan más excitantes; o puede concentrarse en hacer justamente lo contrario: no delatarse y fotografiar por ejemplo sólo a Stehli cuando está vestida, negándose férreamente a apretar el botón cuando se halle completamente desnuda. 
Hay hombres que hicieron sólo cuatro fotografías y hay otros que hicieron doce. Una pregunta que arroja Strip sería: ¿quién manda aquí? Los hombres están sentados y vestidos, y tienen el control de la cámara. La mujer permanece de pie y se limita a quitarse la ropa. Como apunta la historiadora Mary Beard, los tacones de aguja dan a Stehli cierto aire de vulnerabilidad. Sin embargo, son los hombres los que parecen más incómodos. Algunos se muestran aterrorizados; otros se sonrojan. Otros, sí, sonríen y parecen

lunes, 27 de octubre de 2025

YOLANDA ANDRADE. DIOS ES BISEXUAL

 

Esta imagen es perfecta para explicar dos de las características más definitorias del trabajo de Yolanda Andrade.

Por una parte se encuentra su fascinación por lo urbano y la expresión popular que ella recoge en pintadas y múltiples manifestaciones de Méjico DC.

Por otra parte esta su activismo en favor del colectivo LGTBI+, algo complejo en una sociedad tan tradicional y machista como es la mejicana.

El mensaje es tan breve como rotundo y abre una inacabable polémica que afecta a las mismas bases (más emocionales) de la religión católica (tan heterosexual y ante todo tan masculina), pero se carga de emotividad con los personajes movidos que la atraviesan, uniendo una sentencia (moral e ideológica) con la vida más cotidiana

martes, 13 de mayo de 2025

Beth Moysés. INTERIOR VS EXTERIOR Y SANTA TERESA DE JESÚS

Estas tres obras de la artista brasileña inciden en la dicotomía interior/exterior que (en relación con el resto de la obra) se vinculan con mujer/hombre y distintas formas de opresión.

Estos zapatos tan bellos con su interior sanguinolento que abren el artículo son la imagen perfecta.

Más poéticas (y en relación indirecta con Santa Teresa de Jesús) son las dos siguientes obras, como el magnífico vídeo que poco a poco va colmatando con flores que ocultan la miseria de una ciudad bombardeada.












 

O esa ciudad de cristal tan bella como frágil que recuerda a las Moradas pero también al licenciado Vidriera.



martes, 11 de marzo de 2025

ORLAN. EL CUERPO COMO CONSTRUCTO















Orlan como Gran Odalisca de Ingres

Igual que muchos artistas conceptuales de los años 70, Orlan llevó su body art a posiciones radicales, convirtiendo el cuerpo en tema de estudio pero también en medio de denuncia.


Para ella el cuerpo era una construcción, y no sólo se limitó a enunciarlo, sino que lo practicó a riesgo de todo, sometiéndose a múltiples operaciones para convertirse en las diversas mujeres (musas mujeres) que llenan la historia del arte.














ORLAN hibrida con los retratos pintados por Pablo Picasso de Dora Maar llorando

La operación era su medio artístico, su forma de denunciar la explotación de la mujer por medio del arte.

Era una forma de gritar cómo la sociedad moldeaba la imagen femenina para convertirla en mito (pero también en cárcel).

















Posteriormente pasó a tácticas menos agresivas (en especial la fotografía como una forma de teatro congelado o el fotomontaje) que siguieron desmontando la idea de la mujer en la historia del arte a la vez que profundizaba progresivamente en el mundo ciborg.















Pues el hombre (y la mujer) son un constructo ideológico , artístico y, cada vez más, puramente material.

Orlan barroca

Un puro deseo que se transforma sin cesar, como son nuestros propios deseos, miedos, enfados...



miércoles, 29 de enero de 2025

Marina Abramović Nude with Skeleton


Esta performance (luego pasada a video) realizada por la artista en diversas exposiciones en el 2002, 2005 y 2010, se encuentran a mitad de camino entre la provocación de una parodia de un espectáculo de sex shop y una vánitas tradicional.

Es un juego un tanto terrorífico, un juego macabro entre la muerte y la pura sexualidad de la artista desnuda, una escena de voyerismo pero también de pura intimidad con el misterio.




miércoles, 30 de octubre de 2024

Mater Oblatio, de Soledad Córdoba

El nacimiento de mi hijo se configuró como un corrimiento de placas tectónicas que modificaron mi identidad. Creo que ha sido la experiencia más cercana a sentir un renacer. (...) cuando das a luz te difuminas, desapareces, te fundes en un lugar donde solo estás tú y tu hijo. Se crea una necesidad salvaje, ancestral y primitiva por estar solos, nadie puede interrumpir este trance a esta nueva existencia que es acompañar y criar a una nueva vida. (...)















Las imágenes que surgen son poemas visuales a través del autorretrato. Cada una presentará acciones rituales cargadas de gran simbolismo. Una invitación a pensar en la necesidad de trascendernos para enfrentarnos a nuestra realidad y así poder entenderla desde diferentes puntos de vista.

Estas son las palabras de la propia artista y definen perfectamente su trabajo, un conjunto de performances, artefactos y fotos que nos hablan de una forma poética de la experiencia de ser madre.















En muchas de ellas aparecen elementos de sus obras anteriores, como los grandes cristales azules, los tules  o los ojos. Con ello las acciones cobran color y nuevas texturas, creándose apariciones casi mágicas, como las de las rosas azules o el simple pigmento encerrado en su sexo.






























También resulta magnífica la representación de los óvulos como perlas o las piedras como una forma de volver a la naturaleza.

Toda la exposición (creada en el Museo Lázaro Galdiano y puesta en diálogo con su colección) termina (o empieza) en la gran madre, la gran maternidad, la Virgen laica rodeada de bellísimos cristales, rosas y piedras



miércoles, 29 de mayo de 2024

Estíbaliz Sádaba Murguía (re) construcciones domésticas


Tomando como base la obra del Maestro de Manzanillo, los Reyes Católicos con Santa Helena y Santa Bárbara y el castillo de esta última, la artista investiga sobre el espacio doméstico como un símbolo de una reclusión a la que se ha condenado a la mujer.











































Por eso su tatuaje (aunque fingido) en sus espaldas mientras se desarrollan poemas en donde una mujer (la propia artista) lucha entre su vida real y posible.




miércoles, 22 de mayo de 2024

Cindy Sherman. Fotogramas Sin Título

Tras sus personajes en un bus, esta serie catapultaría definitivamente a la fama a Sherman.
















En ella es la propia artista la que se encarga de crear los distintos personajes, pues no se trata de unos autorretratos, no. Más bien podemos hablar de una actuación o una performance en donde Cindy se maquilla, peina, viste y actúa como el personaje que interpreta.













En la puesta en escena hay un fuerte componente cinematográfico  películas de serie B y el cine negro, así como a los filmes europeos, particularmente los de la Nueva Ola Francesa y el neo-realismo italiano.

El tema central de estos Fotogramas Sin Título son los estereotipos femeninos: la mujer abandonada, la chica universitaria, la mujer perdida, la prostituta, la manipuladora, la golpeada... 

Mujeres vistas a través de unos ojos y una cultura masculina en donde la sexualidad siempre se encuentra presente (tanto para el voyeur como para la propia retratada que se empodera y valida a través de ella)








jueves, 16 de mayo de 2024

SHIRIN NESHAT. LA RESISTENCIA FEMENINA.

- FOTOGRAFÍA, VIDEO Y NET ART

Iraní exiliada de su país (que sin embargo, visita con regularidad) esta artista utiliza tanto el vídeo como la fotografía retocada digitalmente para hablar de religión, mujer y violencia en el Islam contemporáneo. Formada en las tradiciones occidentales que dominaron en Irán antes de la revolución de Jomeini: sus fotografías son toda una denuncia de la involución que ha ido provocándose en el país, uno de los más rigurosos en la actualidad.

 

 

Sus imágenes, casi siempre en blanco y negro, retratan de una forma intimista la posición de la mujer en el contexto de la religión pero también de la violencia (Serie Mujeres sin Hombres. Mujeres de Allah). Para ello no recurre al dramatismo, sino por el contrario, se tratan de imágenes bellamente construidas en donde el desvelamiento de todos sus significados va apareciendo poco a poco.

En esta fotografía la imagen se construye por medio de tres motivos. Por una parte el propio retrato, sus ojos tristes que nos interrogan de forma muda. El espectador, ante el primer plano, no puede evitar esa mirada, en gran parte acusatoria. Si quiere apartarse de ella descubrirá algo mucho más terrible: lo que en una visión rápida podía parecer un pendientes de aros que, fijándose un poco, terminará por reconocer que es la doble boca de una pistola, entre la mujer y su velo.

La imagen se carga así con una nueva potencia a la que se añade la exquisita caligrafía árabe que ocupa en su letra apretada todo el rostro. Se trata  poemas sobre el amor y el deseo escritos por escritoras iraníes y citas religiosas que tratan sobre la posición de las mujeres en la fe islámica.

Se unen así las tres partes: femineidad, religión y violencia para conseguir una imagen inolvidable, que grita silenciosamente ante la posición de la mujer en la cultura islámica actual. Todo un con una belleza serena que resulta paradójica ante lo que retrata, como si algo dentro suyo se negara a eliminarla como la última dignidad que le resta a la mujer.

 


Más obras sobre la autora 

miércoles, 25 de octubre de 2023

Wojnarowcz. Las batallas culturales (2)























Según su condición sexual se afianzaba y, en medio del holocausto que significó la aparición del SIDA,  Wojnarowcz derivó hacia un arte cada vez más político y polémico, profundamente activista.
En un jardín de flores (que en su particular iconografía son la sensibilidad, lo más humano e íntimo) una araña con la esvástica avanza.
Se trataba de un conocido senador ultramontano que en el texto que acompañaba a la exposición se aclaraba
















viernes, 16 de junio de 2023

Robert Mapplethorpe. Convertir el cuerpo negro en escultura

 

La obra de Mapplethorpe es sumamente rica en significados. Hoy simplemente queremos mencionar su capacidad (verdaderamente clásica) de convertir la figura humana en escultura.
Con su extraordinario manejo de la luz (que incide de una forma diferente por chocar contra pieles negras, mucho más satinadas), la elección de modelos que habrían fascinado a Policleto y (como ocurre en este caso) la estética del fragmento (igual que realiza con las flores) consigue crear toda una vuelta al clasicismo casi griego en donde el cuerpo humano vuelve a recobrar toda su majestad, sin necesidad de literatura alguna.
Sólo formas , músculos, venas... las mismas que otros como Miguel Ángel utilizó para divinizar lo humano o (acaso sería lo mismo pero mucho más interesante) ver a la divinidad en el propio hombre