VAN DYCK. Retrato de Isabel de Clara Eugenia

Isabel de Clara Eugenia era la hija de Felipe II que desde 1598 actuará como gobernadora de los Países Bajos junto al archiduque Alberto

Durante su mandato se sucederán gran parte de las guerras de los 80 años en donde las provincias reformadas del norte lucharán por su independencia hasta conseguirla en Westfalia.

Sus retratos y mecenazgos serán continuos (en especial con Rubens y su taller).

Ya el maestro la había retratado en numerosas ocasiones en el cénit de su poder .

Sin embargo el retrato de Van Dyck pertenece a un periodo posterior. A partir de la muerte de su marido en 1621, Isabel entrará en la orden Tercera de San Francisco y comenzó a aparecer vestida de clarisa (una costumbre muy habitual en lo español, como podéis ver en la segunda mujer de Felipe IV, Mariana de Austria)

Los fastos anteriores se reducen a un claroscuro potente en donde destacan sus manos y su rostro, mientras en el fondo, entre las penumbras, seguimos viendo el poder en esas telas damasquinadas y el gran pilar.

Artísticamente los medios se han reducido al mínimo, y Van Dyck vuelve a triunfar con su retrato psicológico y los mil matices lumínicos

PARA SABER MÁS DEL AUTOR 

RUBENS. MEDUSA

Rubens juega, como buen barroco, con un juego de sentimientos contrarios que nos mueven entre la repulsión y la atracción. Un péndulo de emociones que nos produce una extraña fascinación, como el disfrute de una película de terror.

La mirada de la Medusa es todo un tratado sobre el horror. Su mirada sanguinolenta nos habla de nuestros más profundos miedos, aquellos que nos paralizan, mientras que su cabello de serpientes se retuerce y lucha contra la propia muerte.

Como si fuera una broma macabra el cuadro se nos presenta como un gran bodegón, una naturaleza muerta de nuestros terrores (la muerte, el pánico sin control, los reptiles, la sangre, el degollamiento..., el final del yo, un elemento que se acaba de descubrir en la edad moderna)

En la pintura (1618) colaboró directamente (en las serpientes) su taller a través del pincel de  Frans Snyders, aunque nunca hemos de olvidar que en el tratamiento del tema se encuentra la obra homónima de Caravaggio.

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Rubens. Los milagros jesuitas

En el Kunsthistorisches Museum, Viena, se encuentran dos grandes palas de altar que realizó Rubens (y taller) para la iglesia de los jesuitas de Amberes (San Carlo Borromeo). 1617-18

En ellos (de una forma muy unitaria en lo compositivo) se relatan los milagros de San Ignacio y San Francisco Javier de una forma retórica, tan típica de los jesuitas, la Contrarreforma y Rubens; una triada compacta y ejemplarizante de toda una forma de arte de arte puesta a favor de la propaganda religioso-política de la Orden.

Su estructura repite la de una gran diagonal (marcada por la composición y la luz)a la contra de la lectura tradicional de derecha a izquierda (que obliga a un movimiento continuo)

Sobre el santo se produce un rompimiento de gloria que ilumina vivamente los milagros del santo (en donde abundan los escorzos y se crea una diagonal contraria que crea un aspa)

En Francisco Javier  el bebé sostenido por la madre habla de un milagro en donde salvó a un niño del ahogamiento en la India, la figura que porta una corona simboliza un ídolo hindú , las víctimas de la peste y su curación habla de los poderes taumatúrgicos del santo...  

En la escena dedicada a San Ignacio (acaso más intimista y concisa) se habla de endemoniados y bebés curados

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Clara Peeters. Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre

Clara Peeters nace probablemente en Amberes a finales del siglo XVI, hija de pintores (en donde aprendería el oficio) y esposa de otro pintor

La ciudad, tras haberse rebelado y pasado al lado calvinista, fue reconquistada por España en 1586 (y controlada por los archiduques Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, y su primo y esposo Alberto de Austria), convirtiéndose en un pujante centro comercial con especial interés por las obras de arte, realizadas para la exportación.

La pintora lo es casi en exclusiva de bodegones, el género menos prestigioso en el mundo barroco y entendido con un objeto decorativo para las élites en sus palacios. (Acaso precisamente se ocupa de ellos, pues como mujer no podía practicar los grandes géneros).

Sus obras toman cosas de diferentes escuelas, pues si el gusto por las naturalezas muertas y sus tactilidades es flamenco, el interés por los objetos metálicos recuerda más a Holanda y la organización (bastante simétrica, con escasas diagonales) a la escuela española 

Casi como una verdadera firma, Peeters se autorretrata sin cesar en los reflejos de sus objetos metálicos, tal vez como una forma de reconocimiento

Van Dyck. Retrato de príncipe Tommaso Savoia Carignano

 

Una obra que une múltiples influencias para conseguir el efecto de propaganda sin perder exquisitez.

En ella está el Bernini elegante de Constantino en el Vaticano, con su juego de paños tan cortesano.

Está también los fríos de Veronés, la pincelada blanda que genera un ambiente vaporoso , el juego de metalizados en los paños y la armadura.

La elegancia de retratado (y caballo) que le hará famoso en la corte inglesa; el refinamiento de los movimientos controlados; la exquisitez de los detalles.

Hay una luz plateada que hace ecos en las nubes, en la piel dulce del caballo.

PARA SABER MÁS DEL PINTOR

Veermer. Joven leyendo una carta

 Hasta hace muy pocos años el cuadro se veía así

Tomado de wikipedia.

Y era ya magnífico.

Toda la magia de Vermeer en una pintura tan sumamente pequeña: la exquisitez en el tratamiento de la luz , el gusto por las texturas de los distintos materiales , el complejo dispositivo que se organiza en el primer plano para enmarcar (como si fueran unas bambalinas) a la figura, creando un espacio mediador entre ella y el espectador que le permita a este convertirse en un voyeur tranquilo, sin remordimientos ni ansiedades por introducirse en un espacio tan íntimo.

Es también toda una lección de pintura en el juego de reflejos que nos permite observar la cara de la protagonista en dos posiciones, el perfil y los tres cuartos reflejados en el cristal de la ventana

A todo esto se une un nuevo elemento que nos aclara mucho más qué tipo de carta está leyendo la mujer.

Desde 1997 se sabia, por lo rayos X, que en el muro existía la pintura de cupido. En 2021 se comprobó que el repinte se había hecho tras la muerte del maestro y se decidió a eliminarlo que dejarlo a la vista

Ya no había duda: era una carta de amor (un tema recurrente en su obra), como nos asegura Cupido, aunuque aún tenemos una importante duda. ¿Es un amor correspondido, un comienzo, una despedida? Con Vermeer todo es posible.

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE VERMEER

VERMEER. La pequeña calle

Sólo hizo Vermeer dos paisajes (de su ciudad natal).

Este se conserva en Amsterdam, y es tan pequeño como delicado.

Apenas son dos casas y un pequeño callejón abierto y figuras femeninas e infantiles jugando o trabajando junto a la casa. Un espacio casi anónimo, sin tragedias ni grandes bellezas (en realidad como sus interiores) en donde se impone el silencio, la meditación sobre las cosas cotidianas en medio de un luz tamizada que va acariciando los ladrillos, las puertas y las ventanas.

Desde hace años se conoce la localización exacta y las investigaciones han conseguido saber que la casa derecha pertenecía a la familia del propio pintor, convirtiéndose en un lugar íntimo y familiar y las figuras, acaso, en su propia familia.

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645 hasta 

su muerte en 1670.

LOS DOELEN. LOS RETRATOS COLECTIVOS HOLANDESES

                                                    Fran Halls

Aunque siempre habían existido retratos colectivos, será el siglo XVII holandés el que produjo este género independiente, llamado doelen.

Esto hay que ponerlo en conexión con la propia estructura política y social de la zona, con un capitalismo avanzado y gobiernos urbanos (en gran parte republicanos) que se separan por completo del binomio iglesia católica-monarquía absoluta que triunfa en toda Europa.

En este contexto, la burguesía tiene el control tanto económico como político de las grandes ciudades comerciales, convirtiéndose en mecenas de este género.

Ronda Nocturna. Rembrandt

Su organización en corporaciones políticas (ayuntamientos) o gremiales y profesionales (médicos, síndicos) hace perfecto es género, con obras de grandes dimensiones (que se colocarán en los locales comunes) en donde aparecerán retratados sus principales representantes. (Una idea de poder compartido y jerarquizado que avanza muchas cuestiones de la primera modernidad).

                                                  Fran Halls

El gran inventor del género será Fran Halls, que trabajará en largos formatos horizontales, colocando a las figuras en frisos (el dinero aportado por cada miembro se relacionaba con su posición más prominente)

Para evitar el cansancio producido por la repetición de figuras en un formato tan sencillo y repleto se intenta mitigar por medio de la variación de la posición de las figuras, los toques de color y la variación de los fondos.

Síndico de Pañeros. Rembrandt

Frente a él Rembrandt intentará revitalizar el género (con efectos catastróficos, como demostró su Ronda Nocturna) con arriesgadas composiciones, fuertes movimientos delante-detrás y una compleja iluminación cuyos efectos artísticos eran indudables pero le trajeron numerosas reclamaciones de las personas representadas que se consideraban menospreciadas por las propias técnicas que rompían la uniformidad anterior.

REMBRANDT (IV). DEL DETALLISMO A LA PINTURA GESTUAL

 SDELBIOMBO - 24 DE NOVIEMBRE DE 2008 - 18:46 - REMBRANDT

Su pincelada pasa de un detalle preciso de sus primeros años a unas formas más sueltas, que terminarán por ser pastosas, como sólo siglos después veremos en las pinturas negras de Goya.

 Es casi imposible apreciarlo en las fotos, pero una de las grandes sorpresas que depara la exposición del Prado es poder ver cómo evoluciona su técnica, desde el detallismo de las primeras etapas al borrón de las últimas.

De sus veinte años, un pequeño cuadro como el Lamento de Jeremías tiene un lujo de detalles espectacular, marcando los brillos del oro y la plata con pequeños puntos de luz (a la manera que ya tenía Tintoretto) plateados y dorados que llegan al verdadero virtuosismo

 

Lamento de Jeremías

Tomado de

http://commons.wikimedia.org/wiki/Image:Rembrandt_Harmensz._van_Rijn_014.jpg

 

Poco a poco esta técnica cederá hacia una pincelada más fluida que recuerda a Tiziano o, en el caso español, a Velázquez. El pincel coge una pintura diluida, con mucho aceite, que pasa suavemente por el lienzo

   

Pero su técnica seguirá evolucionando, y curiosamente, cuanto más entra en su crisis personal y profesional, más gestual se vuelve. Los fondos aparecen llenos de grandes brochazos y cada pincelada se carga cada vez más de pintura, más espesa, hasta llegar a crear verdaderos relieves sobre el cuadro

 

El buey desollado. 1655

La novia judía 

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El alegre bebedor. Halls

Frans Halls practicó especialmente el retrato, tanto colectivo (doelen) como individual.

Especialmente en este último su estilo se vuelve mucho más libre y desenfadado, con una pincelada sumamente suelta y rápida (y a veces cargada con mucha cantidad de pintura).

Es habitual en él una cierta relajación en cuanto a las posiciones de sus retratados que rompe el tradicional hieratismo y pose estudiada para conseguir una autenticidad sumamente moderna (incluso le vemos un tanto "achispado" por los efectos del vino) que le permite una mayor profundidad psicológica que atiende al hombre más que al propio cargo (como era habitual)

Técnicamente, utiliza un doble escorzo de las manos para generar el espacio propio de la figura.

REMBRANDT. LA EVOLUCIÓN DE LA PINCELADA

Rembrandt fue un maestro de la luz, pero también de la pincelada que pasará del un detalle preciso de sus primeros años a unas formas más sueltas de la madurez, que terminarán por ser pastosas en sus últimos años

De sus veinte años, un pequeño cuadro como el Lamento de Jeremías tiene un lujo de detalles espectacular, marcando los brillos del oro y la plata con pequeños puntos de luz (a la manera que ya tenía Tintoretto) plateados y dorados que llegan al verdadero virtuosismo

Poco a poco esta técnica cederá hacia una pincelada más fluida que recuerda a Tiziano o, en el caso español, a Velázquez. El pincel toma una pintura diluida, con mucho aceite, que pasa suavemente por el lienzo

Pero su técnica seguirá evolucionando, y curiosamente, cuanto más entra en su crisis personal y profesional, más gestual se vuelve. 

Los fondos aparecen llenos de grandes brochazos y cada pincelada se carga cada vez más de pintura, se espesa a través de polvo de albayalde, se utiliza la espátula, se raspa una vez semiseca.

Se crea así una superficie rugosa, casi de relieve, que un siglo después recreará Goya en sus pinturas negras o Van Gogh en su obra madura.

Detalle de la novia judía

Para conocer más a fondo todos los aspectos técnicos, os invito a entrar en este magnífico artículo de Ana.

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