viernes, 17 de septiembre de 2021

SANNDY SKOGLUND. LA MAGIA PREFABRICADA

 

FOTOGRAFÍA, VIDEO Y NET ART

 

 

¿Qué se debe sentir ante una imagen como ésta? ¿Fascinación, miedo? ¿Qué deberíamos pensar, es acaso el sueño del que aún está dormido y que se pasea por la habitación llenándola de peces de colores?

 

¿Y ante esta casa invadida por gatos verdes, radioactivos, que conviven con los dos ancianos, acechantes?

 

 

 

Parecen realmente trucos fotográficos que le deben mucho al surrealismo, pues son imágenes de la realidad cotidiana invadidas de repente por animales, hojas, árboles humanoides de unos colores irresistibles que nos dejan sumidos en la perplejidad y nos dicen (una vez más en el arte contemporáneo), que el mundo, acaso, no es como creíamos y queda una realidad detrás de cada puerta siempre que sepamos (y queramos) verla y abrirla. 

Su autora es Sandy Skoglund (1946) y comenzó a trabajar en el arte conceptual para luego llegar a la fotografía. Sin embargo, su posición ante esta técnica es bastante ambigua, pues lo que podríamos creer que se tratan de trucos fotográficos por ordenador son objetos reales. Esos gatos o los peces están hechos de forma verdadera, así como todo el decorado, mientras que las figuras son de carne y hueso. Es por tanto una verdadera instalación que, sin embargo, desaparece una vez hecha la fotografía.

Si queréis ver cómo se hace el proceso entrar en

 http://www.sandyskoglund.com 

Allí podéis consultar sus principales obras (pinchando en ARCHIVES) y ver también el proceso de montaje de alguna de ellas (WORKSHOPS).

 



miércoles, 15 de septiembre de 2021

LA HERMANDAD PRERRAFAELISTA. Una introducción rápida

 SDELBIOMBO - - ARTE SIGLO XIX

 Millais. Ofelia.

Tomado de http://literaturabachillerato.wordpress.com/2008/11/27

 

En 1848, el año de la revolución, del resurgir del Cartismo en Inglaterra, tres pintores (Millais, Rosetti y Hunt) se reunieron oficialmente en la casa del primero para fundar la HPR o Hermandad prerrafaelista que buscaría una salida a la pintura de betún oficial heredada de Reynolds.

En su mente es muy posible que estuviera la Hermandad nazarena de principios de siglo, o los prerrománticos ingleses como Fussli o Blake.

Pero también estaba un deseo (tan moderno) de salir del estudio y pintar al natural (como lo estaban haciendo en la escuela de Barbizón francesa o lo harán Manet y los impresionistas).

 También tenían claro que el color era el futuro y no las sombras (como los impresionistas reafirmarán), empezando a investigar en sus relaciones visuales.

Frente a todos estas ideas de vanguardia (grupo cohesionado, color, visión no estereotipada), la Hermandad Prerrafaelita hundió sus raíces en el pasado, en la pintura del Quattrocento pero también la del gótico, en la poesía de Shakespeare y Dante o en los mitos medievales.

Esta última característica le unía a todo un amplio romanticismo que veía en la Edad media una época de pureza, con evidentes conexiones políticas nacionalista (la creación de los estados frente a una cada vez más potente mundialización económica y una industrialización sin precedentes que estaba consumiendo al mundo rural y denigrando la vida urbana). Este era al menos el pensamiento de dos personalidades muy cercanas a ello (Ruskin y Morris) que tanto intervendrán en el revival neogótico que sufre Inglaterra en estos momentos. Un neomedievalismo que la posmodernidad nos ha traído en forma de cine (El Señor de los Anillos, por ejemplo) tal y como ya apuntaba Ana en su blog.

 

Burnes Jones. Perseo

Tomada de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Edward_Burne-Jones_-_Perseus.jpeg

 

Como vemos un movimiento paradójico que muy pronto derivó de la observación directa de la Naturaleza para ingresar en nuevos caminos, buscando esa pureza del arte, su carácter sagrado que Gauguin unos años después se fue a buscar en las islas del Pacífico o Van Gogh encontró entre los pinos, los cipreses o los girasoles de la costa francesa de Arles.

Los prerrafaelistas fueron entonces introduciéndose en un mundo cada vez más literario que nos llevará a finales de siglo al Simbolismo, en donde se comienza a explorar (¡escándalo en la sociedad puritana victoriana!) en el mundo  de los deseos oscuros, de la sexualidad, de la atracción de la muerte… (como lo hacía por los mismos años Courbet en Francia).

 

Hunt. El despertar de la inocencia

Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Hunt-AwakeningConscience1853.jpg

 

Todo el catálogo de búsquedas románticas (entre las que se encuentra la divinidad envuelta en un cierto panteísmo) que servirá de puente hacia el simbolismo de un Klimt o un Moreau (tan literario y enjoyado de un colorido vibrante como ellos) y, un poco más allá, hacia el surrealismo, en donde Bretón hablará de la muerte como una sociedad secreta, y Dalí nos mostrará nuestras más íntimas y desasosegantes pulsiones, ya de la mano del psicoanálisis de Freud.  

Beata Beatrix, Rosseti.  (entre la muerte y la sensualidad)

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Dante_Gabriel_Rossetti_-_Beata_Beatrix,_1864-1870.jpg

 

Fueron ellos también los responsables de crear un nuevo prototipo de mujer, bella y amenazante a la vez que explotará en la obra de Munch o la de Picasso y sus bañistas mantis, y que tan bien ha analizado Ana en su blog.

 

Hunt

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:HUnt-Isabella%2BPot-1867.jpg

 

Rosseti. Astarté siriaca

Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Astarte_Syriaca.jpg

 

Como vemos modernidad y recreación del pasado algo tan parecido a la actual posmodernidad que no es difícil comprender por qué esta pintura ha ido volviéndose cada vez más visible en los últimos años

 

martes, 14 de septiembre de 2021

FORTUNY. EL PINTOR DE VARIAS CARAS 4. Su último estilo. Hacia la libertad

 SDELBIOMBO - - DE MANET A VAN GOGH

A lo largo de varios artículos (aquí puedes encontrar todos los enlaces) hemos ido analizando algunas características y estilos del pintor catalán.

En éste hablaremos de sus últimas obras, realizadas en su retiro del mundo en Portici (junto al Vesubio), en donde el artista inicia una nueva vida y estilo que truncará su temprana muerte.

En él se separará tanto del academicismo de los cuadros de casacón como del orientalismo, iniciando una pintura más libre, personal y valiosa que ya se intuía en su última etapa granadina.

En esta nueva obra será el color y la mancha el gran protagonista, acercándose a la visión mucho más pura y vibrante del impresionismo. (En concreto, esta obra será el arranque de Sorolla).


De la misma forma, aparecerá el japonismo (moda de la época) en sus paredes pintadas en donde forndo y forma se confunden integrando a los personajes en verdaderos torbellinos casi fauvistas (y que ya en el postimpresionismo será habitual, como en la obra de Gauguin).


Consigue así una obra que, sin renunciar virtuosismo, es más del XX que del XIX, limpiada de literatura y volcada a la pura sensorialidad del color.

Imagánes tomadas de http://es.wikipedia.org/wiki/Mariano_Fortuny

Vicente Camarasa


lunes, 13 de septiembre de 2021

LOS JARDINES DEL EGIPTO ANTIGUO

 SDELBIOMBO - - ARTE EGIPCIO

 

(Reproducción del Jardín de Nebamún)

Tomado de http://alenar.wordpress.com/2007/07/14/jardines-de-la-antiguedad-egipto-por-virginia-segui-collar

 

Aunque ahora nos parezca imposible, las construcciones del Egipto faraónico contenían jardines a los que se les daba una especial importancia. De ellos, lógicamente, apenas nos han quedado otros restos que las imágenes pintadas que las excavaciones arqueológicas están confirmando.

 

En torno a los templos se crearon grandes jardines que tenían un diseño estrictamente geométrico, en donde las líneas de árboles (sicomoros, palmeras, granados, higueras, tarajes), arbustos y flores (crisantemos, anémonas,...) se unían a grandes estanques rectangulares, algunos de ellos unidos directamente al Nilo. En torno suyo había largas galerías con pérgolas para dar sombra en las que crecían parras.

Para todo ello había que cavar pozos hasta de diez metros de profundidad para encontrar la capa freática, utilizando hasta casi el Egipto Ptolemaico balancines para extraer el agua.

  

Pero estos jardines también se encontraron en los palacios y sabemos por inscripciones que la reina Hapsesut creó un jardín botánico como muestra de su poder, plantando en él las especies de los territorios conquistados. También Akenaton  plantó árboles en sus amplias avenidas de su nueva capital, Amarma, haciendo traer tierra fértil para los alcorques

El faraón Snefrú disponía de un estanque lo bastante amplio para navegar en él con una embarcación impulsada por 20 remeras, mientras que un sacerdote llegó a introducir (por medio de un conjuro) un cocodrilo en el de su palacete, que devoró a un molesto intruso

Estos jardines (según Desroches-Noblecourt) presentaban forma de damero, con un estanque central en donde nadaban peces de colores y en cuya superficie flotaban las hojas y flores del loto

 

Jardín privado

Tomado de http://alenar.wordpress.com/2007/07/14/jardines-de-la-antiguedad-egipto-por-virginia-segui-collar

  

Existieron también jardines funerarios, con pabellones, junto a las tumbas.

 

Entrar y salir de mi tumba, refrescarme a su sombra, beber el agua de mi estanque cada día (…), que me pasee por mis vergeles de mi estanque cada día indefinidamente, que se pose mi alma sobre el follaje de los árboles que he plantado

 

Los egipcios también fueron los pioneros de la poesía sobre jardines que luego tanto cultivaría la cultura musulmana. En ella la mujer y la naturaleza son actores del ciclo vital que se renueva constantemente (Claire Lalouette)

 

 

El loto azul, una de las flores favoritas de Egipto

Tomado de http://www.egiptologia.com/images/stories/sociedad/arb_flo/image029.jpg

 

Para saber más

http://alenar.wordpress.com/2007/07/14/jardines-de-la-antiguedad-egipto-por-virginia-segui-collar

 

http://www.egiptologia.com/content/view/509/45 

 

http://www.arqueoegipto.net/articulos/egipto_tematico/vegetacion.htm

sábado, 11 de septiembre de 2021

EL TEMPLO GRIEGO

 - ARTE GRIEGO

 

  El famoso Partenón de Atenas, dedicado a la diosa Atenea.

Tomado de http://centros.edu.xunta.es/iesastelleiras/depart/grego/grego.html

 

Las polis griegas tenían en el templo   (y el teatro el lugar cívico de la ciudad (un lugar público en donde celebrar las principales fiestas de la ciudad). Por ello, lo religioso pasaba a un segundo plano, pues no existían reuniones en su interior (muy reducido) a la manera de la misa católica. El que quería, de forma individual, entraba a orar en el templo y dejaba una ofrenda que se guardaba en el opistódomos o tesoro.

 

Por todo ello, importaba más el exterior que el interior del templo. Tenía una fuerte esencia escultórica (más que una arquitectura, era una escultura gigantesca, además muy policromada).

 

 

Aunque existían varios modelos que luego veremos, lo normal es que se dividiese en tres partes: una entrada (pronaos), una habitación en donde se encontraba la escultura del dios y, según los griegos, habitaba la propia divinidad (naos) y una zona destinada a guardar las ofrendas llamada tesoro u opistódomos.

 

 

Tomado de http://www.guiadegrecia.com/general/templo.html

 

Sobre esta base, existían varias formas de templo, según se colocaran sus columnas exteriores. Estos son los principales modelos.


 

Tomado de wikipedia

 

 

Como toda la arquitectura griega el templo era adintelado o arquitrabado (no utiliza ni arcos ni bóvedas), siendo sus techos planos al interior y a dos aguas al exterior.

 

 

Para conseguir la armonía que siempre pretendían los griegos se utilizaban los distintos órdenes clásicos que podéis consultar aquí

 

Aquí ya tenéis dos templos arcaicos en la Magna Grecia (Sicilia)


 

 

Reconstrucción digital del Partenón

Tomado de http://lamontalbana.blogspot.com/2007_06_01_archive.html

 

Para saber más


Una buena presentación para entender el templo griego y los órdenes

jueves, 9 de septiembre de 2021

PINTURICCHIO. Capilla Baglione. Spello


Pinturicchio regresa a su Umbría natal de la mano de Troilo Baglione, prior de Santa Maggiore de Spello.



























Atrás dejaba su etapa romana de cardenales mecenas (Rovere en Santa Maria del Popolo en Roma, capilla Bufalini en Santa Maria de Aracoeli) terminando por trabajar para Alejandro VII, Borgia que le había comisionado varias estancias del Vaticano.






























Con el regreso a su patria chica abandona las maneras más cercanas al gótico internacional anteriores y regresa a formas más personales, retornando las influencias de Lippi (Anunciación), Perugino (Jesús en el templo) è incluso Ghirlandaio (Natividad)
Los fondos vuelven a cobrar importancia, y con ellos todas las maravillosas historias secundarias que pueblan las partes más lejanas de sus paisajes, llenas de un delicado y suave encanto de lo cotidiano que acercan al espectador el hecho religioso.
También reaparecen sus grandes construcciones pintadas, ya dentro de las escenas, ya realizadas para la creación de los grandes espacios ilusorios de los oculos, de nuevo con sus refinados e imaginativos grutescos que el había conocido de primera mano en la recién descubierta Domus Áurea y que ya había utilizado en su capilla Bufalini de Santa Maria de Aracoeli.
La bóveda de la cúpula se cubre con las cuatro sibilas y es la parte más exquisita de todo el conjunto que marca (junto a la biblioteca Picolomini) el cenit de su obra.