jueves, 31 de diciembre de 2020

TIZIANO Y LA NUEVA IMAGEN RELIGIOSA

 SDELBIOMBO - - PINTURA VENECIANA

La coronación de espinas

De la misma manera que renovará el retrato aúlico o la mitología, Tiziano cambiará la imagen religiosa y será básico para el Barroco.

San Jerónimo penitente

Especialmente en la segunda mitad de su vida, los temas religiosos se cargarán cada vez más de expresividad, intentando convencer al espectador a través de los sentimientos.

Esto se logrará por medio de la expresión de las figuras (cada vez más atento a los gestos como forma de expresión del estado de ánimo; lo que el barroco se denominará afetti).

El Entierro de Cristo

Por otra parte se recurrirá cada vez más a una luz expresiva y un predominio de los colores pardos que vuelvan emocional y cálida a la imagen. 

La Oración en el huerto

La propia pincelada, cada vez más deshecha (casi un verdadero non finito) incidirá aún más en estas intenciones expresivas que será básicas para Caravaggio.

La Piedad. Posiblemente su última obra

Mucho más colorista, su Asunción será básica para la creación de la Inmaculada barroca (Ribera, Murillo)


 

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martes, 29 de diciembre de 2020

MIGUEL ÁNGEL. EL MOISÉS COMENTADO

 SDELBIOMBO - - MANIERISMO

El Moisés, fragmento de la inacabada tumba de Julio II por Miguel Ángel, actualmente (sexto proyecto) en la iglesia de San Pietro in Vincoli, Roma. Hacia 1513.

Tema. La escultura que estudiamos perteneció a un gigantesco proyecto de tumba para uno de los principales mecenas de Miguel Ángel, el papa Julio II, el cual también le encargaría la bóveda de la Capilla Sixtina. Sin embargo, y acuciado por los encargos de todo tipo, el artista nunca llegó a consumar el proyecto, siendo en numerosas ocasiones emplazado a ello por los herederos del Papa. Este proyecto sufrió seis transformaciones hasta llegar a la que ahora se encuentra expuesta. De ella sobresale esta escultura, las de Lía y Raquel, así como varios Esclavos sin terminar que se muestran, desperdigados, en varios museos.

Por las trazas conservadas, el monumento sería un templete dividido en varios pisos, estando el Moisés situado en el segundo de ellos, en una de las esquinas, haciendo pareja con San Pablo y otras dos figuras.

 

Tomado de http://aprendersociales.blogspot.com/2008/02/el-moiss-de-miguel-ngel.html

Este diseño original sufrió, al menos, seis modificaciones en el tiempo, siendo éste uno de los últimos. El primero bien pudo ser éste


Tomado de hispanismo.org

La estatua en concreto representa al gran patriarca judío que liberó a su pueblo de la esclavitud a la que le tenían sometidos los egipcios, conduciéndoles hasta la tierra prometida. Miguel Ángel nos lo muestra con las tablas de la Ley que le ofreciera Yavé en su retiro en el Monte Sinaí, mirando fijamente hacia su pueblo que, aprovechando su ausencia, comenzaron a adorar al Becerro de Oro. En su figura, según algunos autores, se podrían advertir los símbolos de los elementos de la Naturaleza, como las barbas, el agua o el cabello, el fuego.

El material empleado es el mármol de las canteras de Carrara, como es habitual en el escultor, educado en las ideas clasicistas. En él hizo toda su obra, desdeñando otros tradicionales en Italia, como sería el bronce. Tal preferencia habría que atribuirla a la propia concepción que tenía Miguel Ángel de la escultura, pensando en la figura como si ésta estuviera realizada en el interior del bloque, siendo la tarea del artista descubrirla de su prisión de piedra, como demuestran perfectamente los propios Esclavos apenas esbozados que, como ya se dijo, eran parte de la obra total que analizamos. Su obra funcionaría, por tanto, por reducción, al contrario que el bronce que actúa por adición.

La composición muestra la típica concepción cerrada del artista que sólo sale de sí misma a través de la mirada. Los brazos y piernas, siguiendo tradiciones clásicas, se componen en contrapposto, adelantando una pierna mientras el brazo del mismo lado se retrae (lado izquierdo) y haciendo lo contrario en la parte derecha (pierna atrasada con brazo adelantado). La cabeza se gira hacia la derecha, contraponiéndose al movimiento general hacia la derecha que tiene el resto del cuerpo. Por lo demás, toda la figura se enmarca en un triángulo isósceles con un claro eje vertical generado por la cabeza, barba y pliegue central entre las piernas.

 

 El tratamiento de la anatomía y los ropajes encierra una profunda importancia. En lo que se refiere al cuerpo humano, comienzan a hacerse patentes las desproporciones que se pueden descubrir entre piernas, brazos y cabeza, aunque no hay que olvidar que la escultura estaba pensada para verse a varios metros de altura, siendo parte de estas desproporciones las tradicionales correcciones ópticas que eran ampliamente utilizadas por los artistas de la época. De todas formas, lo que sí es evidente su preferencia por los modelos hercúleos, tal y como ya había hecho en el techo de la Sixtina, buscando formas poderosas en lo físico en las que poder luego incluir una potencia espiritual de fuertes estados anímicos. Su origen habría que rastrearlo en el profundo impacto que le provocaron en el principio de su carrera las esculturas poderosas de Jacopo della Quercia, y que más tardíamente, le reafirmó el grupo helenístico del Laoconte.

Los pliegues refuerzan esta sensación de poder, especialmente en los que recubren y subrayan la parte de las piernas (véase la pierna izquierda y los plegados duros que se amontonan sobre la rodilla).

Muy unido a lo anterior, Miguel Ángel se muestra muy interesado por la expresividad de la figura, que concentra en la mirada intensa. A través de ciertos artificios técnicos (iris remarcado, hundimiento de las pupilas bajo unas cejas prominentes para crear claroscuro), busca en ella la culminación emocional de toda la figura. Esta tensión interior, demostrada en la musculatura poderosa, los duros y remarcados plegados o las ondulaciones de la barba cogida (más bien valdría decir, estirada) por la mano retrasada, se proyecta hacia el espectador en la concentración de la mirada que observa, iracunda, a su pueblo adorando a un falso ídolo. Es la famosa terribilitá miguelangelesca que el autor utiliza para cargar a sus figuras de emociones intensas, colocándolas en el instante previo a la acción, tal y como ya había realizado en su David que se concentra ante Goliat a la espera del momento supremo.

Todo lo dicho se acompaña con una extraordinaria técnica de trabajo y pulimento del material visible en las texturas que consigue en los distintos paños (véase la diferencia de tratamiento de los más ligeros y sutiles que cubren el pecho con los duros y quebrados de las piernas) y culmina en el brazo adelantado. En él podemos ver sus venas y tendones como si se tratara de un estudio anatómico de carácter científico que Miguel Ángel había estudiado en sus clandestinas disecciones en los hospitales de Florencia.

Comentario.

Nos encontramos con una de las obras claves del artista que ya tiene en germen gran parte de su evolución posterior.

Por una parte, la escultura demuestra la progresiva importancia que irá concediendo Miguel Ángel a la expresividad de las figuras, aunque ello sea en detrimento de la belleza ideal. Estamos pasando del clasicismo que puede ofrecernos la Virgen de Brujas o la Pietá del Vaticano, en donde forma y expresión se equilibraban, a una mayor necesidad de expresión que será la línea a seguir en las siguientes obras, culminando en las últimas Piedades (Catedral de Florencia o Rondanini). En todo este proceso la idea de belleza ideal, tan cara al Cinquecento, irá poco a poco cediendo, eliminándose a favor del sentimiento y la angustia que acompañarán la madurez y la vejez del artista, abriendo la puerta a la concepción anticlásica (por lo que tiene de extremada y parcial) del Manierismo.

Pietá del Vaticano

En toda esta evolución no podemos olvidar la influencia que tuvieron dos manifestaciones artísticas anteriores. Por una parte, el ejemplo de Donatello y su sentimiento trágico que a veces aflora en sus esculturas, produciendo fuertes involuciones hacia la estética gótica (Habacuc o María Magdalena, ambas de fuerte expresividad y tendencia al feísmo frente a la belleza clásica de su David). Por otra, la escultura helenística, concretamente el Laocoonte, descubierto en las fechas de realización del Moisés, que, más que descubrirle nada, le reafirmó al artista en su idea del arte como sentimiento y tensión, al contrario de otros momentos del clasicismo (Fidias, Polícleto o incluso Praxíteles) utilizados en el Quattrocento por su búsqueda del equilibrio y la armonía en la representación del ser humano.

Laocoonte. Periodo helenístico del arte griego. T

Pues para Miguel Ángel, y tras una primera etapa juvenil basada en el neoplatonismo y la idea de la belleza como máximo humano, la vida es tragedia, lucha, dudas como las que él mismo fue teniendo sobre todo, hasta de la propia religión. Era el reverso contrario del mundo perfecto que se quiso crear durante el Cinquecento, un mundo hostil en donde las crisis de todo tipo (la religiosa de la Reforma de Lutero, la política del Saco de Roma, la puramente personal que poco o poco le irá sumiendo en la amargura), no permiten la belleza, la hacen inútil y casi diríamos que falsa, quedándole al artista la única salida de la expresión de su propia angustia que el Moisés inicia y obras posteriores irán haciendo cada vez más patentes con su uso del non finito o con la deformación de la anatomía.

Por el momento, como ya se dijo en el análisis, este desequilibrio a favor de lo expresivo se plasma por medio del movimiento contenido que se hace visible al espectador por medio de la mirada, la famosa terribilitá. A través suyo la escultura sale de su propio mundo para comunicarse hacia el exterior, teniendo lo formal (el tratamiento de ropajes, anatomías, composición...) un aspecto puramente transmisor de lo emocional, lo cual es un cambio transcendental desde los modelos cerrados, autosuficientes del siglo anterior (David de Donatello).

Capilla Sixtina.

Para Miguel Ángel la escultura será la expresión de una idea, de un sentimiento puesto a los ojos del público (la indignación, su violencia contenida ante la visión de las bajezas humanas) en donde la forma pierde su prestigio (de aquí el non finito posterior o las deformaciones anatómicas) para convertirse en un contenedor de emociones, al igual que puede ocurrir en sus más tardías arquitecturas (el espacio agobiante, profundamente anticlásico, de la famosa escalera de la Biblioteca Medicea) o en sus pinturas (la visión terrible que da de la Humanidad en su Juicio Final de la Capilla Sixtina).

Juicio Final. Tomado de http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Rome_Sistine_Chapel_01.jpg

 

De todo ello artistas posteriores tomarán buena cuenta, pues su influencia será, por su prestigio, enorme. Huellas de esta posición que prima la expresión se encuentran en Berruguete, en Juan de Juni o en el propio Greco que renuncia a las apariencias bellas en favor de figuras deformadas y desconectadas del ambiente. Más tardíamente, Bernini, apoyándose en su ejemplo, dará el paso siguiente, abriendo las composiciones cerradas de Miguel Ángel y dejando fluir el movimiento y la tensión todavía contenidos en el florentino para crear obras que se comuniquen totalmente con el espectador y les transmitan sus estados de ánimo.

Su influencia será muy duradera, como se puede observar en Rodin (XIX)

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Para saber más

http://aprendersociales.blogspot.com/2008/02/el-moiss-de-miguel-ngel.html

lunes, 28 de diciembre de 2020

LA PLENITUD DEL GÓTICO MEDITERRÁNEO. LA CATEDRAL DE GERONA

 SDELBIOMBO - - GÓTICO

Frente al predominio franco-alemán de los siglos XII y XIII (el gótico más canónico, el septentrional), el siglo XIV supone la vuelta en escena de lo meridional que es, también, el reflejo de las grandes potencias comerciales del Mediterráneo.

No nos debe extrañar por tanto que sus orígenes los encontremos en Italia y su esplendor en la zona marítima de la Corona de Aragón (con Barcelona, Gerona, Valencia o Mallorca como grandes capitales artísticas)

Entre las obras cumbres del estilo (comparable a Santa María del Mar o a las Lonjas de Valencia o Mallorca) se encuentra esta catedral de Gerona.

Si nos fijamos en su planta veremos las primeras características del estilo: la insistencia en la planta salón, muy diáfana (influencia de las iglesias de las órdenes mendicantes que buscaban espacios para la predicación).

Vemos también sus típicos contrafuertes que, al contrario del gótico clásico, carecen de arbotantes, pues se encuentran adosados al muro: entre ellos se abrirán numerosas capillas para enterramientos y cofradías que ayudarán a la financiación del edificio.

 

 En alzado los soportes se están adelgazando cada vez más a la vez que se reducen espacios de vidrieras. Y es que este gótico mediterráneo (que necesita menos vanos para hacer entrar la misma luz, gracias a la latitud) tienden a ser más bajas que las septentrionales (2/1 por una proporción de 3/1 del norte). Por ello la escasa necesidad de vanos que repercuten en la inexistencia de arbotantes.

 Esto repercute en el alzado que lentamente pasa de tripartito a bipartito, perdiéndose el triforio central que en esta catedral de Gerona se encuentra claramente atrofiado para desaparecer en Santa María del Mar.

 En cuanto a sus bóvedas se vuelve al modelo barlongo (frente a estrelladas o de terceletes que en ese momento desarrolla el norte) de amplísimo vuelo

 

 

 

Sin embargo, la verdadera genialidad de esta catedral es uan cabecera que se vuelve tripartita frente a la nave única, como puedes ver aquí

  

Esto parecía una temeridad (por el cambio de planes que podría afectar a la dinámica de pesos y por las amplísimas bóvedas de la nave centra) y durante casi 50 años se discutió hasta que una junta de maestros de obras en 1417 (dirigida por Guillermo Bofill) logró el milagro de esta conjunción de espacio que tiene algo de arco triunfal romano que nos da paso a un exquisito deambulatorio.

Para una visita virtual (no excesivamente buena)

http://www.catedraldegirona.org/visita/esp/principal/index.html

 

FOTOGALERÍA ENLAZADA DEL GÓTICO MEDITERRÁNEO

domingo, 27 de diciembre de 2020

LA EVOLUCIÓN DE LA PLANTA EN LA ARQUITECTURA GÓTICA

 SDELBIOMBO - GÓTICO

Catedral de Reims

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 Evoluciona desde la cruz latina con deambulatorio del románico de peregrinación (XI-XII)

Catedral de Santiago

Tomado de artemaestre.blogspot.com.es

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En el protogótico (XII) se desarrola este modelo, normalmente con el eje longitudinal muy destacado y larga cabecera (Notre Dame de París)

Catedral de Sens

Tomado de wikipedia

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En el gótico clásico (XII) las plntas tienen un transepto cada vez menos resaltado mientras aumentan la cabecera, terminándose por unir


Catedral de Burgos

Tomada de wwwencoarte-daniel.blogspot.com.es/

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Catedral de León

Tomada de lopezsolerycepasduqueua.blogspot.com.es

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Ya en el XIV y XV la tendencia es hacia la planta salón (espacio unitario) con ejemplos de cinco naves y doble deambulatorio sin transepto visible en planta (aunque sí en alzado) como Toledo (XIV).

Catedral de Toledo

Tomado de artemaestre.blogspot.com.es

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En el gótico mediterráneo del XIV también se tiende a espacios más diáfanos (Jacobinos de Toulousse)igual que el flamígero del XV (San Juan de Reyes)

Santa María del Mar (Gótico mediterráneo)

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CONCEPTOS FUNDAMENTALES DE LA ARQUITECTURA GÓTICA


jueves, 24 de diciembre de 2020

LA ESCUELA SIENESA: DE CIMABUE A SIMONE MARTINI

 SDELBIOMBO - - GÓTICO

Duccio. Maestá

En el Trecento italiano (siglo XIV) coexistieron dos grandes corrientes pictóricas.

                                                        Maestá. Duccio

Por una parte se encuentran, en Florencia, Cimabue y, en la segunda mitad, Giotto que hemos analizado en los enlaces.

Su obra se lanza en búsqueda del volumen, el domnio del claroscuro y perspectiva y los efectos narrativos y dramáticos.

Simone Martini

Frente a ellos, en Siena, existe otra fórmula muy distinta iniciada por Duccio y continuada por Simone Martini.

Como puedes ir viendo en las distintas imágenes, sus intereses son muy distintos y prefieren la expresión de personajes delicados, suavemente incurvados, de largo canon, de extrema belleza (la grazia).

                            Simone Martini. Maestá. Siena

Mucho menos interesados por el volumen, ellos prefieren el dibujo, habitualmente curvilíneo, lleno de detalles (frente a las grandes masas cromáticas de Giotto)

                                       Simone Martini. Guidoriccio da Fogliano

Gustan, además de los fondos dorados (frente a los paisajes del Giotto) y por dotar de ternura, delicadeza y exquisitez a sus figuras (a veces sumamente amaneradas) que serán básicos para la creación de la futura pintura internacional (extendida desde la corte papal de Avignon en donde trabajará Simone Martini)

Simone Martini. Anunciación

Si quieres verlo mucho más claro  sólo tienes que comparar la Anunciación superior con una obra del Giotto que ya hemos comentado aquí

Muerte de Cristo. Giotto

Es muy importante que comprendas ambas tendencias pues, durante el Quattrocento seguirán vigentes, como puedes ver aquí.

Fotos tomadas de wikipedia

martes, 22 de diciembre de 2020

LA MEZQUITA ALMOHADE DE FIÑANA

 SDELBIOMBO - AL ANDALUS

 

 

En la autopista que conecta Granada con Almería (y además de unos asombrosos paisajes que nos transportarán desde Sierra Nevada al desierto de Tabernas), hay una pequeña parada obligatoria: Fiñana.

En esta población de trazado musulmán podemos encontrarnos con una verdadera sorpresa: una mezquita almohade  que en la actualidad (un nuevo sincretismo en esta tierra multicultural que es Andalucía) sirve de capilla a un nazareno que ocupa lo que fue antes el mirab del muro de la quibla.

 

  El nuevo estudio de ella realizado por Carmen Barceló y Antonio Gil Albarracín (1994) sustenta su cronología en base a la epigrafía de la portada de su mihrab, situando la construcción entre finales del siglo XII y principios del siglo XIII (1180-1224).

  

Sobre una planta rectangular encontramos tres naves separadas por arcos de herradura sobre pilares que nos conducen al muro de la quibla. En él encontramos unas magníficas yeserías en donde aún se puede leer

 Dios es una defensa

  

Toda la construcción es sencilla, con esa sencillez radical que los monoteístas radicales magrebíes intentaron reformar el Islam

 

 

 

Para saber más

http://www.finana.com/finanacom/historia/mezquita2.htm

http://rinconcillos.com/MEZQUITA.html (con planta y fotos de techumbre)

 

VER TODOS NUESTROS LUGARES DE AL ANDALUS

 


lunes, 21 de diciembre de 2020

ROMÁNICO EN ANDORRA. SANT ROMÁ EN LES BONS. SUS PINTURAS MURALES

 SDELBIOMBO - - ROMÁNICO

 En el interior de la iglesia de Sant Romá en les Bons se conserva una buena colección de pinturas originales.

Las primeras, románicas, representan un fragmento del Pantocrátor

 Y el Colegio Apostólico, con una Virgen apocalíptica de nuevo según modelos iconográficos catalanes

 

Se consideran dentro del Círculo del Maestro de Santa Coloma, como las de San Miguel de Engolasters.

 Junto a ellas encontramos otras del XVI pero aún góticas y con una clara vocación popular, que se superpusieron a las anteriores. Muchas de ellas toman el tema del Purgatorio y las ánimas.

¿Escena de batalla? ¿Apocalipsis?

El resto de los artículos se puede encontrar en  EL ROMÁNICO EN ANDORRA

 

Para saber más

http://www.aldeaglobal.net/artmedieval/castella/Sant%20Roma%20de%20les%20Bons.htm