STELLA Y SUS OBRAS EXPANDIDAS DEL MARCO

A partir de 1960, Stella comenzó a producir sus pinturas en aluminio y cobre que presentaban líneas regulares de color separadas por rayas. 

Se trataba de una evolución en lo cromático de sus Black Paintings. También una ruptura de su monotonía compositiva de líneas paralelas al introducirse numerosos temas dentro de la unidad.

Sin embargo, el gran cambio se produce en el borde, al hacerlo desaparecer. La propia pintura crea su propio contorno, sus temas se desarrollan al exterior separándose de la pintura tradicional para acercarse a la escultura, la minimalista, claro.

Un objeto autónomo, Hard edge (de bordes duros y nítidos que separan las formas), que se convirtió en una de las obras esenciales de la Abstracción postpictórica.

WARHOL Y LA TÉCNICA

Una de las primeras botellas de Coca-cola que hizo Warhol nos habla de muchas cuestiones.

En realidad es una representación (una falsedad, como sus cajas Brillo) que se aleja demasiado de lo fotográfico. A poco que nos acerquemos vemos las pinceladas largas y duras que se extienden por toda la obra, como un homenaje a su némesis, Pollock?

Y esto no es una obra aislada. Si seguimos con sus Coca-colas, ya serigrafiadas, hay una obsesión porque la imagen no sea industrial, y color y líneas no concuerdan.

Y es que la serigrafía (su técnica por excelencia) tiene mucho de decisiones, cambios e imperfecciones que un equipo tan preparado como el suyo no podía cometer por falta de pericia.

Son decisiones estéticas y de mensaje, obviamente

Si a eses serigrafías le unimos la repetición, pronto veremos que las distintas impresiones cambia de intensidad, incluso de nitidez. Hay un constante repetir que, pese a la idea industrial, hay personas que toman decisiones detrás de la técnica 

Las fotos suelen ser extraídas de periódicos que luego son proyectadas a tamaño mucho mayor sobre papel fotográfico en donde el propio artista dibujará, reforzando unas líneas y olvidando otras, potenciado o eliminando claroscuros hasta conseguir despersonalizar la imagen, convertirla en un icono y tratarla como tal.

En todo este proceso se ha perdido gran parte del realismo, la imagen se ha cosificado para convertirse en más real que la realidad, con una mayor aura que le proporcionan las líneas básicas y, sobre todo, el colorido contrastado, en absoluto naturalistas.

Se ha producido el milagro de la realidad transformada y lista para ser consumida (aunque el espectador encontrará muchas espinas en donde creía que un puro objeto industrial, liso y brilllante; hay muchas sombras, miedos, manipulaciones, rugosidades...)

                                           WARHOL. ÍNDICES

ON KAWARA. Date Paintings

Una simple fecha en un simple rectángulo negro.

Una tras otra hasta el mismo día de su muerte, fechadas en el lugar realizado.

Toda una descomunal y absurda obra documental que intenta atrapar el tiempo a través de la pura repetición, como si su flujo pudiera ser condesado en su puro transcurrir.

¿Por qué puede ser arte?

Lo es por su tamaña absurdidez, casi semejante a la de Pierre Menard, autor del Quijote de Borges, en donde una tarea estúpida (volver a escribir el Quijote intentando vivir y sentir como Cervantes) convierte a su propio autor en un gigante, alguien profundamente humano al embarcarse en una empresa imposible (pues su propia muerte dejará sin acabar la obra), que a la postre le salvará del propio tiempo por medio de su esfuerzo de voluntad y constancia.

Lo es en lo que tiene de registro y archivo, un tema fundamental para el arte posmoderno en donde (como los antiguos gabinetes de maravillas renacentistas) la obra es la acumulación, el conjunto, y no sus partes. Esa larga e inacabable sucesión de fechas que luchan contra la realidad y la anulan por medio de la pura repetición y actitud mental (¿acaso toda sea una gran broma en la que nos habla de la imposibilidad de cualquier acto? ¿o una reflexión sobre nuestros hábitos que repetimos una y otra vez los mismos gestos, a las mismas horas y le llamamos a todo esto vida?)

Acaso también lo sea por su interés por eliminar el yo (el color plano, las letras de molde, la repetición del esquema sin variaciones)

O por mostrarnos lo idéntico pero siempre diferente

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¿Por qué no nos dejamos de hacernos una pregunta tras otra?

WARHOL. SOMBRAS

En 1978 Warhol realizó  de una obra monumental, titulada Sombras (Shadows), con colaboración de sus ayudantes.

Se trataba de 102 serigrafías, variaciones cromáticas (gracias a la técnica) de unas simples sombras tomadas en su despacho.

Gran parte de su interés es la repetición, la idea de la copia y sus alternancias (cromáticas, positivo-negativo, luz-sombra) que nos hablan de la constante tensión entre original y copia que ya era muy evidente en las Cajas de Brillo.

Hay, además, una conste referencia a la muerte, representada por las sombras. Un tema tan habitual en el artista.

Incluso podríamos hablar de una tercera cuestión, la de un juego (acaso irónico) con el expresionismo abstracto que tantos puntos tiene en común con su obra aunque en un primer momento podría ser visto como la antípoda.

Como en él se reduce la significación a unas formas geométricas entrelazadas, y la representación de la realidad casi desaparece por completo, convirtiéndose la obra en un gran decorado (una instalación abstracta) que podría recordar a las obras finales de Rothko (un lugar sacro y funerario)

                     WARHOL. ÍNDICES

YVES KLEIN. LLUVIA AZUL

Qué maravillosa obra que parte de lo conceptual para terminar en la pura meditación.

Esos delgados cilindros azules que a punto están de incidir sobre una maravilloso estanque de pigmento, de nuevo azul, granulado, como un mundo más allá de nuestro propio mundo

Una experiencia sensorial/espiritual que puede llegar a su cénit cuando hay alguien que equivoca las buenas maneras sociales y (posiblemente sin querer) pisa el milagro y lo empieza a extender por la la sala (¡Qué feliz habría sido Yves Klein!)

                           YVES KLEIN. FOTOGALERÍA ENLAZADA

Bacon. Retrato de George Dyer

George Dyer fue el amante (y modelo) de Bacon durante años, que terminó suicidándose con una brutal sobredosis de drogas y alcohol.

Era un personaje sórdido, un ex criminal, un analfabeto; el modelo perfecto de amante para un hombre tan intenso y límite que era Bacon.

Su retrato es todo una imagen de su interior fracturado por las adicciones y la violencia. Un retrato doble en la realidad y el espacio que siempre es tan imposible como brutal.

Es el resultado final de múltiples rupturas que se multiplican en la imagen (zapatos, brazos, gran mancha blanca o un ambiguo espacio que recuerda a una gran jaula de cristal que es iluminada inmisericordemente , como un objeto en una gran pecera; los rastros de un ser humano que se va convirtiendo en fragmentos).

Puro expresionismo que nos habla de los lugares oscuros de la modernidad

ORLAN. EL CUERPO COMO CONSTRUCTO

Orlan como Gran Odalisca de Ingres

Igual que muchos artistas conceptuales de los años 70, Orlan llevó su body art a posiciones radicales, convirtiendo el cuerpo en tema de estudio pero también en medio de denuncia.

Orlan bajando la escalera de Duchamp

Para ella el cuerpo era una construcción, y no sólo se limitó a enunciarlo, sino que lo practicó a riesgo de todo, sometiéndose a múltiples operaciones para convertirse en las diversas mujeres (musas mujeres) que llenan la historia del arte.

ORLAN hibrida con los retratos pintados por Pablo Picasso de Dora Maar llorando

La operación era su medio artístico, su forma de denunciar la explotación de la mujer por medio del arte.

Era una forma de gritar cómo la sociedad moldeaba la imagen femenina para convertirla en mito (pero también en cárcel).

Posteriormente pasó a tácticas menos agresivas (en especial la fotografía como una forma de teatro congelado o el fotomontaje) que siguieron desmontando la idea de la mujer en la historia del arte a la vez que profundizaba progresivamente en el mundo ciborg.

Pues el hombre (y la mujer) son un constructo ideológico , artístico y, cada vez más, puramente material.

Orlan barroca

Un puro deseo que se transforma sin cesar, como son nuestros propios deseos, miedos, enfados...

Warhol. Una revolución vanguardista Light, una versión para niños

La apuesta funcionó y Warhol instaló una revolución vanguardista Light, una versión para niños, ausente de ideas y de consumo fácil, convirtiendo la contracultura en cultura de masas. No había que pretender transformar el mundo dinamitando lo existente como había procedido la vanguardia histórica. En su opinión, había que comprender el mundo y amarlo, disfrutar lo que era: un espacio dominado por el consumo, la publicidad y los medios de comunicación de masas. El arte debía adaptarse a la realidad y dirigirse a las masas que por definición incultas y anodinas.

 El silencioso lenguaje de las artes. CONCEPCIÓN PORRAS GIL

Obra maestra. Juan Tallón.

Un libro muy interesante que puede ser leído de varias formas

Para algunos puede interesarle la crónica periodística de este asombroso caso: el de la pérdida de una escultura de más de 38 toneladas de peso que se expuso en el Reina Sofía y luego ya no volvió a aparecer nunca más.

Una escultura de un escultor tan renombrado como Richard Serra

En realidad es una crónica negra sin fin porque jamás encontrará las cultura por mucho que se busque

A otros les gustará la parte artística que tiene la novela, pues hay constantes referencias a la obra de Richard Serra y sus características que en el fondo se expanden a gran parte de la escultura contemporánea monumental, comenzando por Oteiza y siguiendo por Chillida.

Ya sea el propio autor ya sea otros críticos de arte analizan cómo funciona esta escultura pública que no tiene literatura ni un mensaje explícito y que juega con cosas tan básicas como el peso, las texturas, los colores y, sobre todo, la interacción con el público

En este sentido a los estudiantes de arte le gustarán las disquisiciones que hay sobre la resolución del problema pues Richard Serra decidió hacer una copia exacta de la obra perdida y regalarla al Reina Sofía declarando lo como lo auténtica. Algo que da mucho juego para pensar sobre lo que es realmente arte

También otros lo pueden ver más desde el lado del colorín para estudiar las curiosas interacciones que existen entre la alta política (con ministros, presidentes de gobierno, secretarios y sus secretarios de cultura) y el mundo del arte desde los comisarios a los directores de museos y los artistas. Algo mucho menos épico (ni tampoco lírico) de lo que podríamos pensar en donde se mueven las influencias, los millones o los caprichos personales que vuelven a aparecer otra vez en lo que sería los propietarios

Todo esto lo logra con una novela tremendamente plural, con muchas voces en la que pueden hablar el ministro de cultura y el gruista que descarga la obra, el obrero del acero y un comisario de arte, la policía o los jueces al propio autor u otros escritores otros artistas.

Lucas Corralejo

                                                   ÍNDICES DE NARRATIVA

TODOS NUESTROS POST SOBRE EL AUTOR

JORDI NN. RAQUIS. 2021

El valle de la Gallinera es un lugar de experimentaciones artísticas como este trabajo de Land Art 

Colocado en la vertiente sur del valle, entre Benialí y la Carroja, el autor se dedicó a encontrar, limpiar y transportar piedras de una caliza especialmente blanca.

Con ellas ha creado una gran flecha que apunta hacia la otra parte del valle.

El número de piedras (524) se correspondían al número de habitantes del valle en ese momento y, según el propio artista, habla de la unión de ellos para construir un destino, una dirección conjunta 

ANSELMO. LA ESTRUCTURA QUE COME. Una lechuga como alegoría de la vida

1968, Giovanni Anselmo , presentaba su obra Sin título (Estructura que come). 

Se trata de una lechuga, real, entre dos bloques de de mármol malsujetos por un cable. En la parte baja, como si fueran migas, hay una gran cantidad de serrín.

¿Qué está pasando?

Que con todas las revoluciones de los 60 (fijaros en la fecha concreta), como una más de ellas, surge con fuerza un nuevo arte italiano llamado arte Povera. Un arte de tendencia conceptual que habla de procesos y naturaleza, de un arte de materiales pobres, sin lustre académico, con objetos vivos...

Es un arte comprometido y a menudo mucho más filosófico de lo que se ve en una primera mirada.

En este caso es una lechuga (viva, que hay que cambiar regularmente) embutida entre dos bloques de mármol. Lo natural contra lo artificial unidos de forma inestable, apenas un cable, que según vaya secándose y desapareciendo la lechuga perderá su tensión, haciendo caer el boque más pequeño.

Toda una vanitas moderna que nos habla de lo fugaz de nuestra existencia, condenada sólo a una cosa, la muerte.

Algo verdaderamente fantástico en su simplicidad. Una metáfora que un primer momento podría parecer una tomadura de pelo cuando estaba mucho más cerca al sentimiento barroco del tempus fugit

Hazlo tú mismo. Warhol

En 1962 Warhol inició una serie de cuadros bajo el título Hazlo tú mismo que representaban temas tradicionales (flores, paisajes...) realizados de un forma curiosa: como en los cuadernos de manualidades, parte de la obra se encuentra sin colorear, marcada con números para que el espectador (por supuesto imposible) la terminara de pintar.

En ellos se crea la tradicional dialéctica de Warhol, ¿se trata de un arte democrático, como el que uno puede encontrar en un kiosko o, por el contrario, un ataque a la misma idea de arte y autoría?

Pues, en principio, Warhol plantea una socialización del arte (como ya hizo con sus motivos banales y comerciales), pero a la vez la impide, pues ¿quién se atrevería a terminar un cuadro del mismísimo Warhol?

La obra queda así para siempre inacabada, pues acaso sea su valor, una vuelta de tuerca duchamptiana en donde el autor sólo da las instrucciones de la obra pero no la acaba manualmente (algo semejante estaban comenzando a hacer los minimalistas), dejándola en un limbo de indefinición que sólo el propio nombre del artista la salva de la mediocridad

WARHOL. ÍNDICES

JAN DIBBETS. Sobre las correcciones de la perspectiva

Como muchos artistas conceptuales, Dibbets intentó regresar al punto 0 del arte para recomenzar de otra manera, como si toda la historia del arte no hubiera existido.

Para ello se centró en cuestiones que nos parecen nimias, como nuestra propia visualidad, e investigó las contradicciones que existen entre visión y realidad.

Algunas de sus obras más famosas fueron este tipo de fotografías en donde pintaba sobre una fotografía. La imagen contenía así una contradicción visual: la de la visión en perspectiva de la fotografía (que es como nuestra propia visión humana) y la de las figuras geométricas trazadas sin contar con ellas (ese cuadrado blanco que no respeta las leyes de la perspectiva y nueva la supuesta profundidad de la imagen (¿con qué nos hemos de quedar con la visión, fantasmal, generada por la perspectiva en la que vivimos desde el renacimiento, o con la realidad plana del cuadrado que niega la profundidad y nos habla de un objeto plano? Ambas, de distintas maneras, son simples representaciones mentales, algo que solemos olvidar cuando observamos una fotografía y queremos pensar que es una realidad).

Con todos estas (aparentes) simples operaciones Dibets estaba poniendo las bases para la cultura visual de la posmodernidad y su cuestionamiento de las verdades, especialmente las relacionadas con las imágenes que, en la actualidad, son nuestro ecosistema básico, tan habitual, que solemos olvidar que es un simulacro (uno más) que nos condiciona mentalmente (más aún con el color, el 3D, las realidades virtuales...)

MERZ Y FIBONACCI

Este matemático pisano de la Edad Media ideó una progresión aritmética (que se consigue sumando los dos últimos números) con la que consiguió calcular el ritmo de reproducción de los conejos, y que a lo largo de la historia se ha visto mil veces repetidas en el campo biológico (creación de espirales) o económicos (las propias dinámicas de algunas fases capitalista).

Una idea tan básica pero tan compleja fascinó desde muy pronto a Merz que la utilizó repetidamente para crear sucesiones, mesas en espiral, iglús...

Tal vez se sintiera fascinado de las contradictorias afinidades entre lo natural y lo puramente mental (al igual que sucedía con su contraposición de los materiales pobres con los neones industriales), en una pura lógica que se convertía en realidad pero también en una forma poética de manejar el espacio, de parcelarlo, de hacerlo crecer de forma armónica.

Un nuevo número aúreo con el que dar paz por medio de las simples formas o reflexionar sobre el mundo, acostumbrándonos a las paradojas bellas, a esa belleza que, según Dirat, deberían tener las buenas ecuaciones que explicaran el universo, algo inmaterial e incomprensible hasta conocer su simple funcionamiento

COSTUS. LA "CAPILLA SIXTINA" DE LA VÍA LÁCTEA

El pub de Malasaña, la Vía Láctea, era junto al San Mateo, el Penta o el rock-Ola, uno de los centros neurálgicos de la Movida.

Para él las Costus realizaron toda una serie de imágenes que decoraron su interior , creando toda una imaginería y estética característica de la época.

En ellos es constante la idolatría de la época. Los actores y cantantes son los nuevos iconos (en la cultura pop, especialmente en la europea). Elvis, Carmen Miranda, Ava Garner, Maliryn, Brigitte  Bardot ... pero también (herencia de su Chochonismo ilustrado) Lola Flores, su perra Laika...

Con todo ello se creaba una fauna que conjugaba glamour e intensidad que miraba desde las paredes del garito

Estéticamente las Costus siguen sus ideas pop de pintura plana, lineal y fuerte colorido que juega a las estridencias en los vestidos de fantasía de muchos de sus personajes 

También se repiten sus fondos tropicales de palmeras, mares, farolillos y helados que convertían la capital en un puerto de mar a las horas inciertas de las madrugadas veraniegas.

Un puro lugar de hedonismo sin otra condición que un poco de lujo y glamour (aunque en muchas ocasiones fuera falso, puro bricolage artesanal hecho delante de los espejos), un baile y una diversión (en donde lo sexual siempre estará presente) sin esquinas.

La versión ligth de la otra Movida retratada por Alix o Utrillo

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