PICASSO. Dama oferente

 

En 1931, Picasso traslada su residencia al castillo de Boisgeloup, en Normandía, adaptando sus caballerizas como taller de escultura.

Fue allí con  su amante Marie-Thérèse Walter, esa joven voluptuosa que aparecerá sin fin en las obras de este periodo.

La mayor obra de este periodo será esta figura del 33, modelada y más tarde traspasada a cemento, llegando a exponerse en el Pabellón de la República de París.

Es un retorno a los años de las Señoritas y sus sugerencias primitivas. Se ha hablado de la dama oferente del Cerro de los Santos, íbera, pero también las famosas venus paleolíticas, pura carnalidad sin rostro; grandes pechos, caderas y culo con un modelado que deja el proceso visible, como si estuviera crudo, sin terminar ni embellecer.

                                             PICASSO BÁSICO

La llegada del Guernica

 

En septiembre de 1981 el gobierno había decretado máxima discreción, pese a que había un centenar de personas al tanto de que el cuadro regresaba al fin a España. 

Apenas dos meses antes había desaparecido una camioneta en pleno centro de Nueva York con unos cuarenta grabados de Picasso, así que cómo no estar nerviosos. Por no hablar de que también se temía un secuestro con finalidades propagandísticas. 

El cuadro, junto con sesenta y tres dibujos y bocetos, atravesó Manhattan sin incidentes y voló custodiado por ocho inspectores, ocho geos, seis miembros de la Brigada de Escoltas y seis efectivos de la Brigada de Información en un Jumbo con 316 pasajeros que desconocían que las pinturas, con un peso total de cuatro toneladas, iban en la bodega. 

En Barajas fue SIT la que se hizo cargo de las operaciones. El avión llegó con unos tres cuartos de hora de retraso. Cuando aterrizó y se detuvo, fue rodeado por diez jeeps de la Guardia Civil y cien agentes, más veinte inspectores de policía, sin contar los guardias civiles apostados en los tejados de la terminal. A la caravana por la autopista, la avenida de América, María de Molina, Serrano y finalmente Alfonso XII, se sumaron aún unos veinte motoristas. Fue un trayecto fulgurante por las calles de la ciudad. 

Pasaron todavía varias semanas hasta que el cuadro quedó definitivamente colgado tras el famoso cristal antibalas, en tres piezas, a siete metros de la pintura.

Obra Maestra (Juan Tallón)

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PICASSO. LA SUITE VOLLARD

En los años 30 Picasso realizó está serie espectacular de grabados para su marchante Vollard (la fue cambiando por cuadros que él quería para su colección particular, especialmente Cezanne y Renoir)

En ella trataba alguno de sus temas más queridos como el artista y su modelo, el artista y su obra, Rembrandt o el famoso minotauro, un verdadero alter ego del propio pintor, algo que se cifra sobre la creación, el poder y la muerte.

Basándose en la obra de Goya y Rembrandt, Picasso maneja todas las técnicas con una maestría sin igual (el grabado impide corregir y el dibujo continuo, sin levantar el buril, es se una elegancia y expresividad increíble): aguafuerte, aguatinta y buril en seco.

Su obra se mueve entre una profunda revisión del arte clásico que había conocido en los años 20 en Italia (donde viviera con su mujer Olga, siguiendo la estela de los ballets rusos en donde trabajaban ambos), el surrealismo que ha empezado a entrar en su vida desde mediados de los veinte y que derivará en  un progresivo expresionismo que a finales de los 30 se culminará en el Guernica (de hecho muchos de sus motivos ya se pueden encontrar aquí: el caballo como víctima, el toro...)

Técnicamente continuará el grabado de línea simple inspirado en Ingres que ya vimos aquí que empleará especialmente para reflejar sus obsesiones eróticas y artísticas.

Hemos de entender que esta etapa está marcada por una pareja (escondida), la de una jovencísima Marie Thérèse, que aparece tanto como musa (desnuda) como escultura (normalmente en busto, como las que realmente le realizó), y es la fuerza vital del pintor durante estos años

                                      PICASSO BÁSICO 

EL HARÉN. PICASSO

En 1906 Picasso realiza este lienzo que, un año después, se convertirá en una auténtica premonición.

En él encontramos un burdel (tan habituales en la Barcelona del barrio gótico) en donde cuatro prostitutas se engalanan, con un ¿eunuco? y, al fondo, una celestina.

El eunuco (o simplemente forzudo) era una imagen habitual en la época rosa, igual que la Celestina en la azul, mientras que las mujeres son... Sus influencias son múltiples.

Temáticamente podrían ser las del Baño turco de Ingres, las mujeres que lavan su pelo de Ingres o Corot, o ¿acaso las mujeres de la Apertura del Séptimo sello del Greco?

Las figuras apenas si se encuentran encajadas, con colores que se confunden con el espacio. 

El espacio, su esquina, se encuentra por completo dislocado, avanzando hacia el espectador.

En realidad es una búsqueda hacia algo tan complejo y destructor que el propio Picasso tenía miedo de exponer.

Eran la prehistoria de las Señoritas de Avignon

PICASSO. EL RETRATO DE GERTRUDE STEIN

En 1906, Picasso se encontraba en una de sus grandes encrucijadas artísticas, deshaciéndose del estilo rosa anterior (todavía emocional y narrativo) para encontrar algo que todavía no conocía.

En este tránsito hubo numerosas influencias externas que le abrieron los caminos. Estaba Cezanne, el arte íbero y el africano descubierto en las exposiciones del Trocadero o el arte románico conocido en sus andanzas por el Pirineo.

Todas estas experiencias coincidían en un arte antinarrativo (y muy poco emocional) basado fundamentalmente en los volúmenes puros, marcados por líneas cortantes, que eliminan detalles y realismo en favor de imágenes mayestáticas.

Posiblemente el retrato comenzó siguiendo modelos de Cezanne, visibles en la postura, el encaje volumétrico de la figura y la sinestesia a base de pequeñas y cuadradas pinceladas de colores en el respaldo del sillón.

Pero el ansia por ir más lejos le hizo borrar y repetir la cabeza, convirtiéndola en una escultura tallada de mirada perdida, como una máscara africana.

Gertrude fue una agitadora cultural y mecenas de primer orden en el Paris anterior a la Primera Guerra Mundial (una rosa, es un rosa, es una rosa) y por su domicilio en   Montparnasse pasaron los poetas y pintores de vanguardia, convirtiéndose sus paredes en un maravilloso museo (aunque algunos cuadros, como su propio retrato, no le gustaran en absoluto)

                                              PICASSO BÁSICO

GUITARRA. PICASSO

 

Esta obra de 1912 se encuentra en un tránsito (ya bastante avanzado) hacia el cubismo sintético.

En realidad, este assemblage rompe con esculturas anteriores de formas facetadas para hacer implosionar por completo el objeto y reconstruirlo en sus planos esenciales (puro cubismo sintético), uniendo exterior e interior, en una visión múltiple avanzada.

Sus materiales no pueden ser más simples y cotidianos (rompiendo la hegemonía de los materiales nobles en la escultura, como el mármol o el bronce) que son intervenidos con pintura y que funcionan de una forma ambigua, pues son planos pero también collages (elementos representativos que recuerdan al objeto)

                                                 PICASSO BÁSICO

Magia Picasso. Cabeza de toro con un sillín y un manillar de bicicleta.

 "Un día encontré en un montón de objetos revueltos un sillín viejo de bicicleta justo al lado de un manillar oxidado. [...] No he hecho más que soldarlos”, le comentó Picasso a Brasaï

“Si no se viera más que la cabeza del toro y no el sillín de bicicleta y el manillar, esta escultura perdería todo su interés”

En 1942, Picasso realizó más un acto de imaginación que una tradicional escultura, unió un manillar con un sillín de una forma tan magistral que ya no pudo ser otra cosa que una cabeza de toro con un manillar y un sillín de bicicleta.

Este juego lo repetirá posteriormente varias veces (mona, el carrito del bebé) pero ninguna fue tan radical, esencial y perfecta como esta imagen que reinventó toda una manera de hacer (una nueva fórmula de collage para aplicar a la escultura, pero también una forma de reciclaje, pero también una resignificación de los objetos a través de sus formas esenciales, incluyéndonos en su juego tan simple como eficaz).

                                         PICASSO BÁSICO

Picasso. Periodo azul. El loco y la otra sociedad

En 1904 Picasso realizó una acuarela que dedicaría a su amigo Junyent (que estaba traduciendo las obras de Ruskin sobre el arte gótico)

Como en otras obras del periodo la influencia del Greco es fundamental (por su anatomía filiforme, con canon por competo distorsionado) pero también el miserabilismo presente en novecentismo catalán (cuyo caso más extremo será Nonell)

Nonell. Gitanas

En esta tendencia se busca los casos extremos de la sociedad (viejos, locos, prostitutas, enfermos, gitanas, mendigos, madres solteras ...) buscando en ellos las costuras últimas de la sociedad, aquellos lugares oscuros que se le arrojan a la burguesía biempensante de la ciudad.

                                           Comida del pobre

Pobreza

Se busca así erosionar el canon decimonónico (tanto en lo estético como en lo moral) que permitiera una visión más amplia de la realidad en donde se multiplican los modelos, permitiendo incluir más tipos de gentes (una plasmación en las obras del mundo bohemio en el que ya vivían estos autores, volviendo a pensar la pobreza o la locura que antes se había negado)

Esta tendencia la veremos aparecer en numerosas ocasiones en los principios del XX, como el caso de Schiele, abriendo el camino a la gran ruptura que se producirá en los años 20 con el surrealismo que romperé definitivamente con esos tabúes sociales.

CUANDO PICASO SE ENCONTRÓ CON JULIO GONZÁLEZ. MONUMENTO A APOLLINAIRE

 

Picasso. Monumento a Apollinaire.1928

 Quizás sea una de las esculturas más atípicas del artista, aquella en la que más de cerca rozó la abstracción. Tal vez por ello es una de las menos conocidas, siendo difícil encontrarla en catálogos, pues incluso en la última gran exposición que hizo el Reina Sofía de Picasso, estaba en un rincón elevado, casi perdida en el muro.

Sin embargo a mi me parece especialmente atractiva, tanto la obra en sí como toda la historia que arrastra.

 Para entenderla nos deberíamos situar a finales de la década de los 20. Para ese momento Picasso  había abandonado temporalmente el cubismo y, en una de sus sorprendentes metamorfosis, había vuelto a la figuración.

Quizás intervino en este cambio el viaje que realizó a Italia durante la Primera Guerra Mundial o, como dicen algunos críticos, un cierto aburguesamiento, al casarse con Olga (bailarina de los ballets rusos) que llegó a verse en la propia imagen de Picasso, con traje y corbata que nuca más volverá a llevar.

Otros (Calvo Serraller) hablan del periodo ingresco, en donde la línea  desbancó al plano y vemos al Picasso más dibujante de toda su obra, como en este dibujo del propio Apollinaire al retorno de la Gran Guerra, herido en combate

  

Picasso. Retrato de Apollinaire. 1916

Tomado de  http://navarroarte.blogspot.com.es/2008/08/blog-post_2100.html

Con una maestría increíble (después de ver estas obras nunca se podrá decir que Picasso no sabía pintar), sin levantar el lápiz del papel, en una sola línea que inicia y termina el retrato sin necesidad de colores ni sombras, Picasso dibuja a algunos de sus amigos (como Apollinaire, Satie) como si el cubismo nunca hubiera existido

También de este momento, aunque en grabado, es la famosa colección Suite Vollard, en donde el dibujo sigue siendo el protagonista  de un complejo mundo lleno de pintores y modelos, minotauros, que se repetirán desde entonces incansablemente

 

 Escenas de la Suite Vollard

Y es en este momento (1927) cuando Picasso y Julio González, que se conocían casi desde principio de siglo, comienzan a colaborar. 

Julio González (al que ya dedicamos un post), escultor de familia de herreros, había trabajado previamente en la fábrica de Renault, aprendiendo la técnica de la fundición electrógena con la que se puede trabajar el hierro uniéndolo por medio de pequeñas varillas.

A esa técnicas Picasso añadió su nuevo culto a la línea y aparecieron  los primeros dibujos en el espacio, pues más que una escultura tradicional, definida por su masa y volumen, sus obras (y las posteriores de Julio González) parecían delinearse sobre el propio aire, dando una especial importancia al vacío, lo cual será uno de los temas recurrentes de toda la escultura moderna

 

 

Dos vistas de Mujer en el Jardín, obra realizada en colaboración por Picasso y Julio González

 

En esta categoría de dibujos en el espacio deberíamos incluir el Monumento a Apollinaire, mucho más abstracto aún que el resto, pura geometría que se quedó en boceto y nunca se llegó a construir en tamaño real como quería Picasso, una escultura transitable, un vacío hecho por las líneas en donde se pudiera pasear, siguen así las propias palabras de Apollinaire:

 Quiero erigirle una estatua hecha de nada, como la poesía y la fama.

Este juego esencialmente lineal será habitual en estos años finales del 20 y se llegará a infiltrar en las bañistas que se sucederán en estos momentos. Es un momento previo a ellas en donde predomina la exploración formal y técnica al mensaje y la emoción que ganará cada vez más terreno según nos acerquemos a la Guerra Civil española.

 

 

Pero aún hay un detalle más. Quizás sea un absurdo o una pura casualidad, pero resulta curioso que Picasso se dejara llevar tan cerca de la abstracción (cuando siempre intentó huir de ella) justamente para celebrar al creador de los caligramas, aquellas poesías con formas naturales o geométricas que inventara Apollinaire.  

 

 Apollinaire. Caligrama

 Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Calligrams

  

¿No será que Picasso, el que siempre lo probó todo, quiso trasponer estos caligramas al espacio, añadirles una dimensión más para que quedaran llenos de aire sobre la tumba de su amigo?

                                               PICASSO BÁSICO