DUCHAMP. LA GIOCONDA... RASURADA

 

En 1919 Duchamp realizó uno de sus ready made más famosos: LHOOQ, en donde ponía bigotes y perilla a una reproducción de la Gioconda (Podéis ver todos los detalles e interpretaciones en el enlace)

En 1965,toma una reproducción de la Gioconda y le añade LHOOQ rasée.(rasurada)

¿Qué significa esta nueva broma?

Duchamp no lo quiso explicar pero en uno de sus bocetos de esa época pintó esto, como si quisiera guardar las pruebas del delito de 1909.

Evidentemente en esos momentos estaba realizando su última gran obra (Etant Donnes) y se encontraba fascinado por la idea de género y travestismo, como demuestran sus trabajos de Rrose Selavi o sus objetos sexuales.

¿El género es caso intercambiable? ¿O solo es una broma privada?

¿El arte nunca vuelve a sus originales una vez trastocada su esencia?

¿El arte es una espiral sin fin sicalíptica, o acaso masturbatoria? ¿Una broma eterna como la de Wallece?

¿Es ya puro arte posmoderno?

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MAN RAY. PISAPAPELES PRIÁPICO

No nos va a extrañar este tema tan evidente en la obra surrealista. Quizás si lo hiciera en 1920; crearía escándalo pese a su apariencia Brancusi, estilizada, geométrica, pulida y brillante.

Tal vez se tratara de un simple juego entre amigos, estos regalos que hacían y producían para un pequeño grupo de otros surrealistas como una forma de jugar con los tabúes, los instintos y las convenciones.

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MIRÓ. PRISIONERO CRUCIFICADO

 

Poco se puede decir ante la potencia de unas solas líneas y unos pequeños puntos

MIRÓ. FOTOGALERÍA ENLAZADA

Dora Maar. Fotógrafa

Dora Maar, la mujer que llora (en realidad, la mujer que hacía llorar Picasso para pintarla), la que fotografió la evolución del Guernica.

Pero Dora Maar era mucho más, especialmente una magnífica fotógrafa que fotografió ciegos, niños o mendigos en Cataluña con una sensibilidad extraordinaria que convertía a sus modelos en seres llenos de dignidad y verdad.

Relacionada con los círculos surrealistas de París hizo fotomontajes y experimentos que convertían la realidad en una sensación onírica, a veces de forma poética, otras terrible.

Warhol. Piss paintings

No he hecho pis en ningún lienzo esta semana. Le dije a Ronnie que no hiciera pis cuando se levantara por la mañana para que aguante hasta llegar a la oficina, porque él toma mucha vitamina B y el lienzo se vuelve de un color muy bonito cuando es su pis.

En el final de su vida, junto a los amigos más íntimos de Factory, Warhol recubría  lienzos con metal, con cobre, para que ese material reaccionara al oxidarse con la orina y cambiara el color, generando una pintura. Eran los oxidation paintings o piss paintings.

Son pinturas por completo abstractas, eran realmente pinturas de acción , un body art que jugaba con lo escatológico, el asco o la risa nerviosa.

¿Cuál sería su interpretación? Esto, con Warhol siempre es muy complejo.

Si se quiere se puede entender como una simple provocación que acaso estuviera inspirada en la Fuente de Duchamp y será el origen de múltiples artistas de la abyección que inundaron los 90.

Puede ser, también una crítica/homenaje a la pintura del informalismo y el expresionismo abstracto.

O, simplemente, una impostura (algo muy habitual en el autor).

O, acaso, tan sólo, de pura belleza en los lugares y las causas más insospechadas.

                                          WARHOL. ÍNDICES

Ángeles Santos. Mi Mundo

 vagos ángeles malvas

apagan las verdes estrellas

Una cinta tranquila

de suaves violetas

abrazaba amorosa

a la pálida Tierra.

Pintada en 1929 cuando la artista tenía solo 17 años, esta obra monumental se inspira en estos versos del propio Juan Ramón Jiménez.

A partir de ellos, y mezclando realismo mágico, surrealismo y Nueva Objetividad alemana, la jovencísima pintora crea todo un mundo que cambia la esfera por las caras de un gran cubo.

En ellas se multiplican las escenas sin parar, jugando con las perspectivas y las proporciones, ensamblando puntos de vista como haría un cubista.

Con paredes abiertas el espectador puede fisgar con toda comodidad y ver cines o escuelas

Hay trenes, barcos o entierros

Si ahora abandonamos el detalle y volvemos a la totalidad nos encontraremos con dos aspectos angélicos

Rodeando toda la tierra cuadrada hay múltiples ángeles que toman los rayos de sol para iluminar sus estrellas.

Por otra parte, y a la derecha, nos encontramos con otras alienígenas mujer que acunan a sus crías al son de la música mientras otras figuras, también filiformes, onduladas, bajan por una escalera de caracol

En todo el cuadro reina la creación de un mundo nuevo con sus propias mitologías y quehaceres que a veces se parece al nuestro pero es cambiante, oscilante. Un lugar en donde hay tragedia pero también ternura, y un poco de risa y mucha poesía que está muy cerca de las verbenas de Maruja Mallo

MAX ERNTS. Heterodoxias surrealistas

Cuentan los Apócrifos de la Infancia (aquellos textos evangélicos que fueron expurgados de la doctrina católica tras el Concilio de Trento) que la Infancia de Jesús fue rica en incidentes y travesuras, desde hacer pájaros de barro y luego insuflarles el aliento vital para que volasen a los numerosos enfrentamientos que tuvo el Niño Jesús con sus maestros, uno de los cuales, al intentarle golpear con el bastón por faltarle al respeto, este fue convertido en una serpiente que le mordió.

Tomando estas tradiciones, el surrealismo (siempre revolucionario) jugó con la religión (igual que había hecho con el sexo, las buenas maneras o el pensamiento racionalista) intentando subvertir sus imágenes.

En este caso, Max Ernts creó una verdadera escena de género en donde la Virgen azota al Niño (al que se le ha caído el propio nimbo) ante la mirada ¿cómplice?  de André Breton, Paul Éluard y el propio Max Ernst (una nueva heteroxodia, al convertirlos en la Trinidad).

Evidentemente la imagen causaría escándalo (¿no lo haría ahora?), aunque en el fondo Ernts simplemente había pasado lo divino a un plano puramente terrenal, y al jugar con el cambio de ambas categorías, producir un extrañamiento que, en el fondo, buscaba la reflexión sobre lo esencial y lo accidental que tiene el fenómeno religioso, algo que habitualmente se había confundido en la liturgia y el arte durante siglos

MAN RAY. ORACIÓN

 

En 1930 Man Ray realizaba este famoso desnudo de su amante (y también fotógrafa) Lee Miller

La fotografía pronto se convirtió en una de las obras más conocidas del artista.

Lo cerrado de su encuadre junto a la potente iluminación dejaba en primer plano, casi descontextualizado del resto del cuerpo, un gran culo.

El erotismo de la imagen es sumamente evidente pero aún se potencia más con dos elementos.

Por una parte esos mínimos pies que aparecen bajo el culo, casi como los de una geisha (o los de un puro columpio rococó), nos plantean nuevos fetichismos.

Pero aún más irreverentes e inquietantes son esas manos que , más que ocultar, nos proponen un misterio mucho más deseable aún que si fuera visible.

Es lo prohibido, el tabú (o varios tabúes a la vez) que tanto frecuentaron los surrealistas como forma de romper con las normas de educación burguesa y liberar la mente de atadura para dejar escapar los deseos reprimidos.

Si a todo esto le unimos el título (una de las habilidades más desarrolladas por los surrealistas, como Dalí, casi mejor literato que pintor), la imagen aún se vuelve más irreverente (frente a la religión católica) o justamente lo contrario, convirtiendo el cuerpo de la mujer (precisamente esta parte del cuerpo femenino) en un altar (siendo la oración la del propio espectador, convertido en voyeur)

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MAN RAY. SOLARIZACIONES

En su afán de experimentación (buscando los nuevos mundos que prometía el surrealismos, mundos que están junto a nosotros pero aún no son visibles para nuestro ojo), Man Ray trabajó la solarización, sobreexponiendo las imágenes en el revelado hasta crear imágenes con tonos invertidos que rompen la realidad y crean nuevas sensaciones

Es evidente su influencia en mucha de la obra de Warhol

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Man Ray. L´Enigme d´Isidore Ducasse

 En 1920, Man Ray realiza su L´Enigme d´Isidore Ducasse. 

El título hace referencia al juego de espejos y escondites del escritor que crea a Lautréamont quien a su vez crea a Maldoror. 

Una reflexión sobre lo visible y lo escondido, igual que un  Plegable... de viaje de Duchamp; sobre la terrible capacidad del espectador de imaginar y recrear lo que no es posible de observar, creando miedos, esperanzas, expectativas ...

Para Willian Rubin el objeto envuelto es una máquina de coser, icono que alude al célebre pasaje del Canto VI, que es además el himno surrealista por antonomasia 

 comme la recontre fortuite sur une table de dissection d´une machine à coudre et d´un parapluie (Lautréamont) 

Como el encuentro fortuito sobre una tabla de disección una máquina de coser y un paraguas.

Algo que ya nunca podremos saber, pues la obra se destruyó parcialmente y sólo nos queda el enigma de esta imagen (una pura virtualidad a la que en la actualidad estamos muy acostumbrados)

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Se ruega tocar. DUCHAMP

Un pecho femenino realizado en gomaespuma pintada rodeado de terciopelo negro. Ese el objeto que Duchamp utilizó para ilustrar la portada de su libro sobre el surrealismo (99 ejemplares) llamado Se ruega tocar. Eso es todo.

Una invitación al tacto y la ruptura de las pequeñas leyes que rigen lo cotidiano.

Como en otros readys, Duchamp nos propone romper con el privilegio (casi exclusivo) de la mirada. Nos pide que el tacto confirme o niegue lo que nuestros ojos creen ver. Una experiencia más completa que nos aproxima a su concepto de infraleve

Nos invita a ello para romper con los tradicionales tabúes sobre la sexualidad (algo muy habitual en su obra, desde el Gran Vidrio a muchos readys) y de los comportamientos culturales, aquellos que nos han enseñado desde pequeños los carteles mil veces repetidos en los museos: Se prohíbe tocar.

Como siempre el objeto como una máquina deseante (En la noción misma de objeto queda inferido su deseo, John Cage) , un lugar en donde lo mental y lo visceral (esa atracción irresistible hacia el sexo, a tocar las obras de arte) se oponen entre sí y generan conflictos (que son el origen de la solución) en el espectador.

Prière de toucher. El imperativo de Duchamp juega claramente con los carteles que hay por toda Francia: Prière de ne pas toucher (“Se ruega no tocar”). Invierte la prohibición y nos invita a acariciar el objeto que ha creado. ¿Y qué mejor objeto que ese pecho esponjoso, de formas perfectas? No lo veneren, afirma, no lo tomen en serio, no adoren esa frívola actividad que llamamos arte.

Paul Auster

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PICABIA. ADORACIÓN DEL BECERRO

Picabia siempre fue iconoclasta, incluso contra sí mismo, el perfecto ejemplo de la mentalidad Dada que escarba en la realidad y nunca coincide con sus propios contemporáneos.

Por eso no le importó manolas en plena efervescencia del cubismo, pero también hizo máquinas inútiles, hizo dibujos automáticos o puramente abstractos, o experimentó con la fotografía mientras conducía sus flamantes coches como si fuera una de obra de arte más.

En concreto este cuadro (1942) la realizó en pleno nacimiento del movimiento abstracto que nos conducirá a la escuela de Nueva York. Y justo en este momento se acastilla en el realismo casi de puro cómic, plagiando una fotografía de Erwin Blumenfeld y reconvirtiendo su complacencia con lo morboso y monstruoso para convertirla en una imagen que nos lanza a la elegante modernidad, recordándonos nuestro carácter gregario, puramente irracional que tanto vale para los totalitarismos como al comportamiento en un estadio de fútbol, en un concierto o en miles de situaciones de la vida cotidiana de nuestros propios días, como si el tiempo no hubiera pasado y nos disfrazáramos de judíos ante el becerro de oro, bajo la inquisitiva mirada de Moisés

LÁGRIMAS. MAN RAY

 

Es mi obra favorita del artista.

Toda una triste belleza para que utilizó como modelo a su ex-amante/colaboradora/musa Lee Miller.

Forma parte de una larga serie de obras que repiten el mismo modelo: 

Una cara llena de lágrimas y unos ojos maquillados y con la mirada hacia arriba, dejando fuera del marco su foco final.

Realmente, parecería una virgen dolorosa española con sus lágrimas de cristal. La misma impostura. El mismo juego.

Pues nada más falso que esas lágrimas de cristal (pero también gran parte del maquillaje de los ojos) que son  retocados sensiblemente por medio de óleo y carboncillo (lo podéis comprobar en la imagen que abre el artículo, estando mucho menos retocada la que se encuentra sobre estas líneas).

Se crea así una falsa imagen que (por ello mismo) se vuelve icónica.

Demasiado exagerada (como ocurre en el barroco), lo que le permite convertirse en paradigma y, posteriormente, en visualidad de una idea o sentimiento (el llanto, puro, acaso simplemente nostálgico pero nunca triste del todo.

                         FOTOGALERÍA DEL AUTOR

ARTHUR CRAVAN. UN PRE-DADA

 Es imposible no encontrar en ella los signos precursores del Dada, pese a que la solución buscada allí al malestar intelectual escape por un lado completamente diverso.

Bretón 

Los imbéciles solo ven la belleza en las cosas bellas.

Arthur Carvan.

Arthur Cravan fue un agitador al que persiguió su propia leyenda y terminó por devorarle.

Familia política de Oscar Wilde siempre se interesó por la cultura (mantuvo a duras penas una revista cultural, Maintenant, durante cinco números), e hizo de su vida una espectáculo que anunció claramente los objetivos y metodologías de Dada.

Conferencias sobre su suicidio (que sólo era un reclamo), desnudos públicos (totalmente borracho) en Nueva York en Grand Central Gallery, invitado por Duchamp, que le lleva al calabozo o (su última obra) la travesía en solitario desde el golfo de Méjico a Argentina en la que desapareció.

Acaso su happening más conocido fue su combate de boxeo con el campeón del mundo Jack Johnson en Barcelona (apalabrado a seis asaltos, tras los cuales cayó KO), todo un espectáculo sobre la inutilidad de todo, sobre la estupidez humana y (acaso) sobre el mundo como pura broma o un simple juego (casi suicida), ante la monotonía y racionalidad de la sociedad burguesa.

                               DADÁ. FOTOGALERÍA ENLAZADA

LA MASÍA. MIRÓ

 

¡Nueve meses de trabajo constante y pesado! ¡Nueve meses (curiosamente, los mismos de la gestación humana) cada día pintando en él y borrando y haciendo estudios y volviendo a destruir! 

La Masía fue el resumen de toda mi vida (espiritual y poética) en el campo. Desde un gran árbol a un pequeño caracolillo, quise poner todo lo que yo quería en el campo. Creo que es insensato dar más valor a una montaña que a una hormiga (y esto los paisajistas no lo saben ver) y por eso no dudaba de pasarme horas y horas para dar vida a la hormiga

Las palabras del propio Miró definen perfectamente el estado y las búsquedas del pintor en estos años.

Está intentando encontrar nuevos mundos en este, y lo hará en esa visión casi microscópica de los objetos que le terminan dando un aura mágica (cercana al mundo naif que entonces explotaba Rousseau, el aduanero), de fuerte encanto poético.

Muy pronto este camino llevará al Carnaval del Arlequín, que aislará y aumentará estos pequeños detalles hasta convertirlo en seres híbridos de cualidades propias.

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MAN RAY. LOS RETRATOS

Retrato funerario de Marcel Proust

Man Ray retrató a todo el entorno dada-surrealista, unas veces de forma casi privada, como personas queridas y cercanas, y en otras ocasiones como puros personajes que representaban su propio papel  en las vanguardias parisinas y neoyorkinas.

Marcel Duchamp como Rrose Selavy

Picasso

Picabia 

Breton

Autorretrato

DUCHAMP/MAN RAY. CRÍA DE POLVO

Entre las múltiples visicitudes que sufrió el Gran Vidrio, su estructura de cristal se dejó abandonada al polvo durante varios meses en posición horizontal.

En 1920 el polvo había anidado de tal manera que Man Ray llevó un cámara al estudio de Duchamp y  fopografió su panel bajo con luz artificial rasante y una larguísima exposición.

Duchamp bautizó la obra como Cría de Polvo (Élevage de poussière), una obra que habla del tiempo fijándose en lo más minúsculo y pobre, el propio polvo.

Pero también del azar que en tantas obras dadá está presente, y de la mirada del autor que es un órgano de creación (al elegir un objeto o una visión concreta frente a la multiplicidad de la realidad).

Cruz Sánchez lo relaciona con el mundo de lo femenino y la sombra presente en Duchamp, pues no en vano el propio Marcel escribe de él: Este es el Dominio de Rrose Selavy / Qué árido- qué triste / Qué feliz-qué triste.

La obra funciona como una especie de vista aérea de una ruinas prehispánicas, de civilizaciones semidestruidas en donde la entropía está ganando la partida a la geometría cerebral y masculina (J. A. Ramírez)

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MAN RAY Y SU ETERNO FEMENINO

Tomado de https://oscarenfotos.com/2012/06/28/galeria-man-ray/

La mujer (sus sucesivas amantes) fue uno de los temas más habituales en la fotografía de Man Ray.

En su imagen de la mujer se unen múltiples facetas, como si fuera un espejo como el de Stendhal, pero ahora roto en mil pedazos.

Nos aparece así la femme fatale (la mujer mantis, un tema tan habitual en el mundo surrealista) pero también la mujer convertida en pura escultura, como si por la magia de la fotografía, se pudieran convertir en puras máscaras africanas.

Su cosificación las puede convertir en violín o (acaso, más poético) en pura música

El violín de Ingres

O investigar en un erotismo extraño (pero tan habitual en Picabia o Duchamp) relacionado con la máquina

Pero siempre en una constante actitud experimental que busca ir un paso más allá de la realidad

FOTOGALERÍA DEL AUTOR