Ya hemos hablado en otra ocasión sobre el origen histórico e interés ideológico de esta muerte de Lucrecia. Lo puedes encontrar aquí
Llama la atención su poderoso fondo negro en donde se plasma, como si estuviera recortada en la luz, la mujer en tres cuartos que mira hacia arriba.
Todo es de una delicadeza exquisita, como responde al pintor y su movimiento
El primer trabajo propio (últimos años del XVI) del Cavaliere d´Arpino fueron los grandes frescos de la sala del los Conservadores.
En ellos se narraban episodios fundaciones de Roma:
Se organizan como grandes tapices colgantes (con su característico trampantojo) y medallones inferiores
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El control de la pincelada cada vez más deshecha, los colores fríos y ácidos, con esos maravillosos grises metalizados, las anatomías estilizadas sin fin, creadas por bandas de sombras verticales (especialmente visibles en las piernas), las lívidas luces o el punto tan elevado sobre el horizonte son algunos rasgos más llamativos de este periodo.
El personaje es el conocido (y contradictorio) San Sebastián del que ya hablamos largamente aquí como emblema de la homosexualidad.
En cuanto a su curiosa exposición se debe a que en algún momento del XIX el cuadro se troceó, reuniéndose ambos fragmentos en 1987 (aunque con faltas que cubre el marco)
.Frente a la segunda esta obra insiste en la idea de príncipe renacentista por completo italiano. Todos sus bordados y damasquinados o sus calzas cortadas nos hablan de un retrato de la elegancia (y con ella la sofisticación y lujo).
Aparece también el toisón de oro como símbolo de la casa de Borgoña que da paso a la austriaca
.Ya vemos aparecer en él los pies en compás que serán habituales en nuestra expresión de realeza pero aún no el juego de dos perspectivas de las piernas
Pisanello. Leonello d´este
Pisanello, antes que pintor, fue medallista, el primero y más importante del Quattrocento.
Filipo Maria Visconti
Su vida nómada por las cortes italianas le llevó a trabajar para numerosos mecenas que consideraban la medalla como una obra de arte muy interesante para sus fines: crean la imagen del comitente al modo romano, de estricto perfil, y - normalmente en el reverso - con un lenguaje simbólico y mitológico que, unido a un breve lema, retratara espiritualmente al mismo, poniendo en valor sus virtudes. Todo ello en un formato cómodo de transportar y utilizar como forma de exhibición y prestigio.
Como también ocurre en su pintura, es paradójico el profundo humanismo (y funciones) de su trabajo en relación con algunas de sus maneras, más emparentadas con el cortesano gótico internacional, elegante y femenino.
Posiblemente sea el lugar más exquisito de esta exquisita ciudad.
Creado como ampliación del hospital de los celestinos, tomando casas y propiedades de los judíos expulsados en 1510, extendiéndose las obras entre los siglos XVI y XVII.
En la segunda fase de las obras, plenamente barroca, que empezó en 1606 realizada por Francesco Antonio Zimbalo, se añadieron a la fachada los tres portales decorados.
Gran parte de su iconografía habría que relacionarla con la victoria de Lepanto ( la división del botín capturado al enemigo en la batalla de Lepanto se realizó en la Tierra de Otranto, cerca del santuario de Santa Maria di Leuca. Los animales representados bajo la barandilla podrían representar a las potencias cristianas aliadas: el dragón era el emblema de los Buoncompagni, familia a la que pertenecía el papa Gregorio XIII, el grifo simboliza Génova, Hércules al gran duque de Toscana o al Imperio hispano)
Realizada por Benvenuto Cellini en mármol blanco de Carrara entre 1559 y 1562, posiblemente para su propia tumba.
Cuenta la leyenda (inspirada en la propia autobiografía del escultor, en muchos casos sumamente fantasiosa) que parte de una visión del autor mientras estaba preso en el Castel de Sant´Angelo.
Parecíame aqueste sol sin sus rayos ni más ni menos como un baño de oro purísimo licuado. Mientras que contemplaba yo aquesta gran cosa, vi comenzar a hinchar en medio del sol y crecer aquesta forma de dicho abultamiento, y formase de pronto un Cristo en cruz, de la misma sustancia que era el sol. Y era tanta su hermosa gracia y tan benignísimo su aspecto, cual el ingenio humano no podría imaginarse una milésima parte
La obra llega a la exquisitez absoluta en el tratamiento del mármol que toma características casi de cera, mostrando el triunfo de la maestría, uno de los rasgos del manierismo.
Der la misma manera es manierista la incongruencia entre cabeza y cuerpo, la posición forzada de las piernas o su total desnudez que ahora siempre aparece cubierta por un burdo paño de pureza.
También conocido como Královský letohrádek o Palacete de la Reina Ana fue diseñado por los arquitectos italianos Paolo della Stella (iniciador) y posteriormente Bonifaz Wohlmut en el siglo XVI. Es una joya del Renacimiento italiano traspasado a Praga.
Paolo della Stella se formó mientras trabajaba en la iglesia de Lugano .A partir de 1538 trabajó en el servicio de la corte de Praga, al frente de un grupo de escultores italianos, y fue constructor del Castillo de Praga y de los palacios de la corte en Bohemia.
El palacio de verano tenía una función recreativa, como parte integral del jardín real. Al mismo tiempo, cumplía una función representativa, ya fuera como lugar para visitas individuales y recorridos por el castillo por parte de visitantes distinguidos, o como sede de bailes y festividades reales.
Políticamente, es la constatación del poder de los Ausburgo en los territorios checos.
Se trata de diversos edificios y pabellones en un jardín a la italiana de perspectivas entrelazadas, en donde el agua y la escultura se une al paisaje.
En estos pabellones encontramos formas clasicistas (ya en una cierta clave manierista) que utilizan constantemente utilizan el pórtico como una unión de ambientes.
DE TURISMO EN PRAGA
