Bajo el ampuloso título (y la multitud en un cuadro que no es tan grande como parece), Esquivel hace todo un manifiesto político (que no estético) del romanticismo.
Como un Courbert en su estudio, Esquivel hace repaso de todas las figuras (especialmente literarias) de esta corriente del romanticismo español en las que no faltan ni el conde de Toreno ni Espronceda, ambos ya fallecidos.
Evidentemente, los que nunca aparecerán serán ninguno de los miembros del clan Madrazo que habían copado los grandes encargos culturales. Se trata, por tanto, un cuadro de la disidencia (que, por cierto, muy pronto se volverá el grupo hegemónico contra la que reaccionará el realismo y el mundo del 98 a finales de Siglo). Una disidencia bastante poco revolucionaria y bohemia, como podemos ver en sus poses y ropa.
Es curioso también que en esta obra apenas aparezcan pintores, y por supuesto nadie de la veta brava que practicaba una pintura mucho más moderna (tanto en lo técnico como en lo estético o ideológicos) derivada del último Goya.
Esto ocurre porque, aunque opuesto a Madrazo, Esquivel se muestra como un profundo clasicista alejado de los verdaderos experimentos románticos, tal y como se puede ver en su estudio, lleno de obras clásicas, copias de maestros del barroco hispano y (presidiendo de forma indirecta desde su cuadro, la Isabel II que todos cortejan para que les deje entrar en su Olimpo)
Este pastel realizado por Rossetti (dentro de una serie más amplia), nos presenta el amor (venus) como una sensual mujer de cabellera rojiza rodeada de flores (la pasión y la fertilidad), una manzana (Eva? Helena?) y un dardo (Cupido?, metáfora erótica?) como un puro conciliato renacentista.
Todo el cuadro se mueve entre lo espiritual y lo carnal que presenta a la mujer como objeto deseable pero peligroso (que luego conformará la idea de la femme fatale), entre lo sexual y lo religioso, como un icono rodeado de pan de oro (como las futuras obras de Klint)
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Viajero sobre un mar de nubes.
Tomado de wikipedia.
El blog de Ana (creo haberlo dicho ya) es fascinante por varios motivos, pero a mi cada vez me gusta más la capacidad que tiene para romper las categorías y (como artísta plástica que es) olvidar las técnicas para quedarse con lo fundamental. Consigue así hacernos entender numerosas cosas, y son especialmente sugerentes sus post en los que es capaz de buscar las fuentes formales de muchas de las fotografías y escenas de películas actuales, creando sutiles hilos que nos transportan desde los prerrafaelistas al Señor de los Anillos o, en este caso concreto, de Friedrich a Harry Potter.
El Naufragio de la Esperanza
Tomado de wikipedia
Su mirada está tan entrenada que nos muestra lo que nunca habríamos ser capaces de ver, aunque una vez conocido nos preguntamos ¿cómo no había caído en esto?
Después de esta genialidad añade una más. Apenas en unas cuantas líneas nos da las claves (psicológicas, en el mejor estilo de Arheim) que nos explican el porqué de la vigencia de estas formas en el tiempo
Por todo esto (y muchas más cosas) os recomiendo fervorosamente este último post en donde nos habla de Friedrich y su famoso Viajero ante el mar de nubes, una de las mejores muestras de la categoría romántica de lo sublime.
Y como ella misma pide alguna imagen más, yo quisiera aportar otra del mismo pintor, el Monje a las orillas del mar
Tomado de wikipedia.
Una obra ante la cual (como decía el propio autor) habría que arrancarse los propios párpados para observarla en toda su grandeza, la de un hombre ante la nada furiosa. Algo muy parecido a lo que hablaba JV hace un tiempo en referencia al volcán islandés, qué poco somos ante la Naturaleza, qué vanidad la nuestra, afanados en la tecnología como un escudo que, tal vez, sólo nos protege de nosotros mismos.
Una idea romántica que deberíamos repensar de nuevo.
Y os añado algunas reflexiones sobre el pintor de Argullol en su "Atracción hacia el abismo" (1986).
"El paisaje se hace trágico porque reconoce desmesuradamente la escisión entre la Naturaleza y el hombre (...) el artista celebra titánicamente la ceremonia de la desposesión"
(Sobre Viajero sobre un mar de nubes) "Una combinación de gozo y melancolía ...El momento mágico en el que el hombre se enfrenta al infinito (...) la atracción hacia el abismo se abre ante él con su doble rostro de terror y de delicia"
(Sobre su pintura) "Una ruina, una montaña, un atardecer o un huracán debe evocar y, por tanto, reflejar plásticamente no fenómenos orográficos o climatológicos, sino estados de subjetividad (...) El pintor no debe pintar únicamente lo que ve ante él, sino lo que ve en él"
"El romántico viaja hacia fuera para viajar hacia dentro y, al final de la larga travesía, encontrarse a sí mismo"
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A mitad del siglo XVIII, un grabador veneciano educado entre ruinas clásicas, realizó una de las obras prerrománticas por excelencia que no han dejado de ofrecer frutos hasta la actualidad.
Me refiero a Piranesi y sus grabados denominados Carceri d’Invenzione, (1745-1760) que podréis ir viendo a lo largo de todo este artículo.
En ellas podemos encontrar una nueva forma de percibir y transformar el legado greco-romano, por completo en las antípodas de la sensibilidad neoclásica, pues en ellas nada ha quedado de la armonía, de la proporción ni siquiera de la idea de Edad de Oro feliz.
Por el contrario, Piranesi expresó en ellas el malestar, la sensación de inutilidad, de paso inexorable del tiempo que se suele tener frente a ellas cuando nos logramos evadir de la literatura y horas de estudios que tiene nuestra sensibilidad.
Sobre este sentimiento dio un paso más y penetró en lo que sería una parte fundamental del pensamiento de la modernidad. Como asegura Argullol es la creación de una “arqueología trágica”, del “paisaje interior del hombre moderno”.
Si nos fijamos en ellas veremos con la arquitectura clásica toma tonos de verdadera pesadilla gracias a numerosos recursos.
Por una parte la ruina que es invadida por el tiempo y la Naturaleza destructora, rompiendo el concepto de civilización (tan neoclásico) al poner en evidencia sus numerosas fisuras, su enorme vulnerabilidad.
Por otra, la sombra, el claroscuro, juega un papel eminentemente emotivo, y no descriptivo, llenado de sensaciones los espacios, al negarnos la visión de partes de él (como se sigue haciendo en numerosas películas de terror, pues ya se sabe que nada hay más horrible que lo que no vemos y sólo podemos imaginar), algo que Goya supo desde siempre.
También la perspectiva juega su papel, evitando los típicos puntos de fuga centrales para cubrirlos con nuevas construcciones, generando efectos de laberinto que, de nuevo, ponen en funcionamiento nuestra imaginación frente a la razón de Las Luces.
(Este juego con las perspectivas, aunque en una clave amable, casi lúdica, será uno de los puntos de origen de Escher, pero también una de las fórmulas elegidas por los expresionistas alemanes de principio de siglo para crear los espacios inhabitables de la nueva metrópolis)
Escher. Relatividad.
Tomado de
http://www.colegiosansaturio.com/deptomatesweb/SANSAMATES/Trabajos/Escher/g2.html
De la misma manera las proporciones son verdaderamente dislocadas con la aparición de pequeñas figuras que agigantan aún más el paisaje, como dos siglos después repetirá insistentemente Dalí en sus figuras paseantes.
Dalí. Detalle del Gran Masturbador
A todo esto hay que añadir la aparición de extraños instrumentos ¿de tortura?, así como pasarelas y pasadizos que no conducen a ningún sitio y que tanto nos pueden recordar a los paisajes de Kafka, a “ese hombre moderno como sombra errante y sin rumbo, que se consume en el laberinto de su propia impotencia” (Argullol, La Atracción del abismo. Un itinerario por el paisaje romántico, 1986)
Todas las imágenes de Piranesi tomadas de http://commons.wikimedia.org/wiki/Giovanni_Battista_Piranesi?uselang=es
Una magnífica página sobre el grabador
http://bibliotecaignoria.blogspot.com.es/2012/05/marguerite-yourcenar-el-negro-cerebro.html
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En la primera, y a modo de introducción, hablábamos de algunas de sus características generales y sus principales influencias. Nos ocuparemos ahora del color, uno de sus enormes logros.
Educado en el gusto posrrenacentista (Tiziano pero también Veronés del que recoge sus atrevidos naranjas y azules) y barroco (desde Caravaggio a Rubens para llegar hasta Goya), para él el color serán una de las bases fundamentales de su obra.
Un color explosivo que llena los ojos del espectador como una verdadera bomba
Tomado de wikipedia
Pero evidentemente este efecto tan plenamente romántico (el privilegio de las sensaciones sobre las razones) es una técnica perfectamente racionalizada en el pintor, y me gustaría mostraros algunas técnicas que utiliza para crearla, aunque todo lo que diré apenas si es perceptible en fotos y hay que acercarse a sus cuadros verdaderos para verlo de veras.
Una de sus técnicas favoritas (y que recorrerá un largo camino a los postimpresionistas para llegar a Matisse y Picasso), será su oposición entre colores complementarios.
Comenzados a ser descubiertos en el XVIII (Newton) estos colores son los opuestos en la rueda cromática (definitivamente codificada por Chevreuil en vida del propio pintor). Rojo-verde; violeta-amarillo... son oposiciones que provocan en nuestra retina una sobre-excitación, potenciándose ambos tonos (el rojo lo es más junto a un verde, como bien aprendió Van Gogh de su maestro en la distancia)
Fijaros en este cuadro y lo veréis
Tomado de wikipedia
El fondo verde de las olas (relativamente novedoso para la época) crea un telón activo para que rojos y amarillentos exploten literalmente en el cuadro.
Pero Delacroix va más lejos y trabaja constantemente en efectos apenas visibles pero definitivos en la percepción. Investigaciones prácticas que serán casi la Biblia de los impresionistas y posimpresionistas, como el tono verdoso de adquieren las sombras, los violetas que se producen en su última degradación...
Tomado de wikipedia
Muchos de ellos, ya intuidos, explotarán bajo la luz cruda de Marruecos en su casi único viaje.
Por ejemplo, ¿veis esa blanca pared de la boda de judíos?
Tomado de wikipedia
El blanco lo es más (os lo juro, lo he visto en directo) por medio de pequeñísimos toques azules en ellas (Realmente no había descubierto la pólvora, pues en el Sur de España o el Norte de África, la cal se mezcla con azulete para encalar las paredes y dar un blanco más brillante a las mismas).
Pero la obra de Delacroix va más lejos y anuncia la famosa sinestesia que desde el posimpresionismo a Matisse o Kandinsky, será una técnica clave en el primer arte contemporáneo.
Cezanne fue su discípulo (también en la distancia) y supo que cada color influye en todos los demás. Es la teoría del tono local llevada a su límite en donde el cuadro es un tapiz de miles de hilos (pinceladas) que interactúan entre ellos, creando una armonía musical total (algo por otra parte tan típico del romanticismo, uno de los primeros estilos modernos que imaginó un arte total en donde literatura, música o pintura interactuaran para la creación de un hombre nuevo.
Ese contraste entre complementarios se hace una constante en pequeñas pinceladas o porciones de pintura y llega a extremos increíbles en diminutos detalles como un trazo de cierre negro que potencie la piel negra de una mujer, el azul casi negro en una visión cercana que se aclara milagrosamente gracias a una gran banda roja, el juego cromático que dejan los ropajes... Efectos todos que se pueden contemplar en una de las grandes obras que han llevado a Caixafórum, las Mujeres de Argel, un verdadero fetiche para pintores, como demostró Picasso (y a la que las fotografías no le hacen ninguna justicia)
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Autorretrato
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix
Observar cómo se parEce al cuadro de Bécquer (posición, mirada intensa, fondo, has el propio peinado y traje, aunque éste, evidentemente, de mayor calidad)
Si hay una pintura que caracterice al romanticismo es la de Delacroix. Tanto sus temas como sus técnicas son la perfecta explicación del movimiento y por eso lo utilizaremos para ir explicando las características del estilo.
Sus propias amistades fueron también grandes artistas románticos, como Víctor Hugo, George Sand o su amante, el músico Chopin
Chopin
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix
Otra vez un retrato de época.
Si os fijáis en este retrato ya podéis ver dos grandes características románticas: la pincelada suelta (heredada de los pintores barrocos y de Goya, al que admirarán), y la importancia que tienen los sentimientos.
Y es que Delacroix tuvo la capacidad de llenar emociones todos los temas. Uno de los más novedosos serán los cuadros de animales. Estos se presentarán en la típica atmósfera romántica, como este caballo asustado por un rayo
Caballo junto al mar
Tomado de http://commons.wikimedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix
Si os fijáis en él veréis de nuevo la pincelada muy suelta y las típicas diagonales barrocas que nos muestran al caballo en pleno movimiento, dando así dramatismo a la escena.
Más brutal aún es el boceto (pues no está acabado) del tigre que ataca a un caballo. Un tema trágico, terrible, lleno de intensidad y fuerza, tal y como les gustaba a los románticos que intentaban llenar de emociones la vida
Tigre y caballo
Tomado de http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/rousseau/lifeandtimes/page2.shtm
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