martes, 23 de abril de 2019

Lapidari o llibre de la propietat de les pedres. MIRÓ


«Lapidari o llibre de la propietat de les pedres» libro que realizó Joan Miró en 1981 con prólogo de Pere Gimferrer.

Fue precisamente el escritor el que le propuso al pintor la ilustración de esta obra anónima de alquimia del siglo XV, que había encontrado en una feria del libro en Londres. Escrito en catalán, el texto describe las propiedades mágicas de once piedras preciosas y su utilización.

La ilustración de la misma se basó en obra dobles.
A la izquierda, en aguafuerte, interpretó cada piedra convirtiéndola en un puro ideograma personal, dibujado como si se tratara de una obra zen a base de grandes rasgos automáticos de pincel (aunque precedidos de un periodo de concentración e introspección que se volcaría en la obra a través del gesto espontáneo que consiguiera plasmar ese sentimiento interno)

En su zona derecha (realizada en aguatinta) se reflejaba la acción alquímica, en donde el fondo se activaba a través del color y las texturas, sirviendo como base para un dibujo complejo y lleno de matices.

Se creaba así una tensión (tan sumamente oriental, como ya hablamos aquí) entre lo simple y lo complejo, lo rápido y lo elaborado, que hablaban del gran objetivo de la alquimia, el conocimiento de uno mismo a través de complejas acciones de estudio y práctica sobre la materia.

Una aventura espiritual que unía lo racional con la pura intuición que permite al espectador volver a imaginar el proceso de creación (o realizar el suyo propio), pues su arte final podría caer en la abstracción pero nunca dejaba de ser humano, lleno de rastros de emoción y lirismo con los que podemos relacionarnos más allá del puro reconocimiento de lo real (o, tal vez, reconociendo lo verdaderamente real que se encuentra bajo las simples apariencias)































lunes, 22 de abril de 2019

MANOLO VALDÉS. Con Matisse como pretexto


Si hay un autor que supo evolucionar desde el pop al arte posmoderno fue Manolo Valdés, pues en realidad el Equipo crónica al que pertenecía ya tenía muchísimos valores de la posmodernidad.

Tras la muerte de Solbes su trabajo pronto evolucionó hacia una pintura más materica que ,en el fondo , no lo era, sino que volvía a ser todo un juego de referencias cultas que espectador avisado podría disfrutar, como ocurre en esta obra.

Su propio título ya nos avanza la idea. Con Matisse como pretexto, sus famosas odaliscas que vemos en la distancia, puro juego de curvas y contracturas con la mujer como pretexto (o como pura esencia de lo femenino). Pura armonía.
Sin embargo, si nos acercamos nos encontraremos un lienzo con fuertes costurones y desgarros. Todo un homenaje a Manolo Millares y a sus mundos torturados, existencialistas, en las antípodas de la música danzarina de Matisse.
De esta manera, como también nos suele plantear Barceló, se establece toda una tensión entre fondo y forma, con visiones y sensaciones contradictorias, como es tan habitual en nuestra sociedad líquida en donde jugamos constantemente entre realidad y apariencia y nos movemos entre simulacros como buzos de gafas empañadas en el fondo de mares batidos sin descanso.

domingo, 21 de abril de 2019

EL ARCO DEL TRIUNFO DE CARRUSEL

.




Napoleón utilizó para su propaganda tanto formas neoclásicas como protorrománticas (Gros, el último David), según sus intereses.
Para la arquitectura siempre prefirió el primer de los estilos, más monumental y clásico que unía perfectamente su idea del poder al de las legiones romanas, utilizando el modelo de arco de triunfo
Este es el sentido de este arco de Carrusel, colocado en los mismísimos Campos Eliseos, como una forma de conmemorar sus victorias, colocándolo en el mismo eje que el (unos años anteriores) Arco de la Estrella

Fue construido por Leonard Fontaine en 1808 siguiendo el modelo del arco de Constantino, y colocó sobre él (como una nueva forma de glorificación de la guerra y el dominio de media Europa) una cuadriga tirada por los caballos expoliados de San Marcos de Venecia

                          UNA PEQUEÑA GUÍA TURÍSTICA DE PARÍS

viernes, 19 de abril de 2019

JUVARA. SAN FELIPE NERI. TURÍN


La iglesia actual es fruto de continuas reconstrucciones y colapsos.
La parte interior pertenece a Juvara, que elimina la cúpula del crucero (que se había desplomado), creando una gran nave central rodeada de capillas, de gran diafanidad.

Estas capillas son espacios muy profundos ultrasemicirculares y cupulados (con formas de elipse) que, al exterior, recurre a una pantalla de columnas adosadas, que contrastan (en su cromatismo) con el orden gigante de las pilastras que rige el alzado general.

La capilla mayor se constituye como un espacio diferenciado que reduce las proporciones de la nave y se vuelve a cupular.

En cuanto al alzado son especialmente relevantes las enormes ventanas de perfil mixtilíneo que confieren al templo una gran luminosidad.

En ellas se abren lunetos que conectan, por medio de la decoración, con la bóveda de cañón que se aligera visualmente por medio de estucos

El exterior, realizado por  Talucci (XIX), desarrolla una estética totalmente neoclásica.



























FOTOGALERÍA ENLAZADA DE JUVARA


DE TURISMO POR TURÍN

miércoles, 17 de abril de 2019

ÁNIMA MUNDI. LUIS. ¡Qué suerte tuvimos de ser adolescentes con Madness!


DALE AL PLAY Y SÉ INCONSCIENTEMENTE FELIZ CON MADNESS 


¡Qué mayor felicidad que ser adolescente con Madness!
¡Qué suerte tuvimos de tener trece y catorce años mientras sonaba Madness en la radio día y noche!
Escucharlos era sentirse vivo, pues la música se te metía como una primavera intensa por las venas y todo se volvía tan absurdo como pleno, pues alguien pensaba tan descabelladamente como tú, y quería divertirse.
Resulta que aquello era ska y sería el futuro germen del reggae, pero nosotros ni lo sabíamos ni falta que nos hacía, pues estábamos locos, pues teníamos catorce años y nos pasábamos el sábado por la tarde pateando el barrio sin más objeto que pasárnoslo bien, y como ellos chillábamos, y muy pronto aprendimos todos a andar haciendo su característico trenecito con las piernas recogidas y moviendo la cabeza como gallinas cluecas para escándalo de señoras mayores que nos veían asustadas de esta juventud sin rumbo, dónde terminaremos por acabar.
Pues algunos en el paro, y otros haciendo varias carreras y trabajando como bestias para sacar adelante una familia cuyos hijos volverían a transitar por esta locura llamada adolescencia que te hacía reírte de todo y todos pues el mundo era una mierda pero nosotros no estábamos para lamentarnos y repetíamos incesantemente las escenas de las películas que entonces nos fascinaban, como aquella de Top Secret en donde un miembro de la resistencia esturnuba en las manos y al ver lo que salía de su interior se suicidaba decididamente.
¿Te acuerdas, Solsona?
Esa era una de tus especialidades, y la otra darte contra las paradas de autobús para desconcierto de pasajeros que esperaban. Un buen golpe con el pie cuando te acercabas y poner las manos en la cara como si te hubiera alcanzado una ráfaga de metralla para que todos formaran un corro en torno tuyo.
- Pobrecito
- Se ha desgraciado - decíamos el resto para aumentar el dramatismo de la escena un segundo antes de que te quitaras las manos, dieras un saltito con las piernas abiertas y empezaran las carcajadas sin pausa mientras todos salíamos corriendo como demonios felices y absurdos, puro Madness que nos daba ganar de bailar como bien se nos ocurriera, pues teníamos la cara llena de granos y aún seguíamos creciendo a trozos, y unas veces tenías las manos enormes y en otras ocasiones resultaba que las perneras del pantalón te quedaban tan cortas que parecías un payaso de Micolor salido directamente de la lavadora pues
Y cuando nos quedábamos sin palabras siempre había alguien que nos salvaba diciendo:
Menos samba y mais traballhar.
Y seguíamos incesantemente una línea blanca que nunca se acababa mientras silbábamos El puente sobre el río Kwai mientras atravesábamos parques con sus pinos y sus yonkis, y seat supermirafiore aparcados en las esquinas, y cabinas de teléfonos que, pese al pánico que daban, o acaso por ello precisamente, invadíamos al asalto para intentar superar nuestro record de imbéciles metidos en una cabina con las caras aplastadas contra el cristal para el escándalo de las viejecitas (las mismas de siempre o acaso algunas nuevas) que nos llamaban vándalos y sinvergüenzas sin darse cuenta que nosotros todo aquello lo hacíamos muy en serio, e incluso alguien apuntaba el número de adolescentes en lata, la calle y el día preciso en donde se había superado la cifra anterior.
- Magnífico. Seis y medio.
Pues a Ciprián las piernas le cupieron dentro pero el cuerpo se quedó fuera por mucho que lo intentó.
 ¡Maldita sea!, a puntito estuvimos.



lunes, 15 de abril de 2019

ALBERTO CORAZÓN. LA IMAGEN DE FRANCO


Todos conocen a Alberto Corazón como uno de los más exitosos diseñadores actuales.
Hoy, sin embargo, traemos al blog una obra por completo política, aunque no demasiado alejada de su estudio de los mensajes que proporciona la imagen.
Para la Bienal de Venecia del 76 realizó esta recogida de fotos del caudillo el 18 de julio, reorganizándolas en función de los significados que poseen, tanto en la imagen de Franco como en la representación del pueblo.

Una interesante obra que nos permite comprender la ideología del régimen tanto en su poder (la imagen de Franco con sus múltiples significados asignados) como en la idea que se tenía del pueblo, siempre encuadrado en grupos (municipio, sindicato...)



domingo, 14 de abril de 2019

ÁNIMA MUNDI. R. Sobre el desconocido comercio de letras

Algunos periodistas avezados de un conocido programa de investigación llegaron a descubrir un nuevo, ilegal y lucrativo comercio internacional que usa las redes sociales para sus tráficos

Su materia no puede ser más etérea, pues son letras, todas aquellas que dejan sin pronunciar extremeños y murcianos (ahí al menos encontraron los principales rastros) y que acaudalados alemanes compran sin pasar por aduanas para completar sus extensas palabras de múltiples consonantes.
El programa, que ya se encontraba en fase de producción, nunca llegaría a emitirse basándose en criterios de lo políticamente correcto de su propio libro de estilo.


R.



jueves, 11 de abril de 2019

LA EVOLUCIÓN DE MONDRIAN


Hasta el Mondrian que todos tenemos en la cabeza, su pintura evolucionó de una forma muy personal que pretendemos ilustrar en este artículo.
En sus primeros trabajos, aún naturalistas, se observan ecos (más conceptuales que verdaderamente estéticos) con la construcción del paisaje que realizara Cezanne, fuertemente organizado a través de líneas ortogonales.

Posteriormente el cubismo (tanto en sus formas analíticas como sintéticas) será esencial, recogiendo de él tanto sus formatos ovalados como a su fórmula de descomposición de la realidad en formas geométricas coloreadas y separadas por fuerte líneas, realizando el paso al que siempre se negaron tanto Picasso como Braque, al sobrepasar el límite de la realidad que ya impide al espectador cualquier intento de reconstrucción.

A partir de este momento estará preparado para realizar el paso esencial, aquel que renuncia al objeto (incluso en sus primeros momentos) para buscar un arte espiritual que busca lo cósmico y renuncia a cualquier tipo de tragedia personal (como sí se encontraría en la abstracción de Kandisnsky) dominado por las líneas ortogonales, los colores planos y un fuerte rechazo por lo subjetivo y emocional que se supera a través de la medida y las relaciones.

Se busca la idea de la armonía (Argán) a través de la asimetría, componiendo el cuadro como unidades autónomas que sólo adquieren sentido en su relación y concordancia que realiza ecos de la armonía universal, relacionada con el pensamiento teosófico.

Sus conflictos de van Doesburg acerca de las diagonales le harán separarse del grupo, aunque su propio estilo se verá afectado por el nuevo dinamismo planteado por su antiguo compañero, lo que plantea con cambios de los formatos o la ruptura de la armonía entre línea y color anterior, especialmente visibles en su último periodo estadounidense.































miércoles, 10 de abril de 2019

ÁNIMA MUNDI. LUIS. Terciopelo azul

DALE AL PLAY Y ATRÉVETE A VIVIR EN ESTA MÚSICA

Recuerdo hasta el cine; era el Roxy A, y a salida nos fuimos a tomar una leche de pantera al Chapandaz.

Recuerdo también a Isabella Rosellini cantando Terciopelo azul con tal intensidad que se podía notar el tacto suave sobre la piel y su azul eléctrico (¿o acaso era simplemente yo y mis sinestesias?)

Esta película es un saco de recuerdos que me persigue desde hace años, como la música de  Roy Orbison soñandoJulee Cruise cantando los misterios del amor, todo envuelto en un azul profundo que se movía por la película como un felino sin dueño. 
Con ella me enamoré del cine perverso de David Lynch en donde la vida muestra su existencia más terrible y enfermiza, envuelto con exquisitez en las imágenes más bellas y profundas. 
Todo un shock entre ética y estética que sentí por primera vez, al menos con una película, pues aquel versus inconcebible ya lo había conocido con varias canciones, aprendiendo que todo lo bello no tiene que ver con la bondad (¿habéis escuchado la letra de Every Breath You Take de The Police?)
Esa misma sensación tuve entonces, la del terrible arrepentimiento de sentirse fascinado por aquella abyecta historia de violencia y dominación. 
No pude resistirme por mucho que lo intentara, y asistí a la película con el corazón aprisionado en aquel conflicto de belleza y maldad al que muy pronto se unió otro más intenso que dio en el mismo centro de la Diana. 

Era la lucha eterna entre sexo y amor, dos conceptos que tan solo en algunas escasas ocasiones había conseguido unir con placidez en los brazos de Sabrina sin sentir el apremio nada más verla ni la sensación espesa (¿suciedad, pecado?, no tengo la palabra exacta) una vez terminado todo.
Quién sabe, tal vez era mi educación católica en pugna con las hormonas, una lucha entre la pura carne y mis lecturas idealistas, pero lo cierto es que con dieciocho años aquello ocupaba una parte de mis más secretos conflictos que sólo Martina, años después, logró sanar con su simple mirada de miel y almendras. Unos ojos enamorados en medio del incandescente forcejeo del sexo más intenso.

Pero eso sería después, y entonces el problema era mucho más acuciante junto a Diana, la más bella, inteligente y sensible mujer con la que jamás estaré que me ofreció todo excepto los secretos de su cuerpo
Con ella vi la película, sintiendo su tensión ante las escenas más intensas, demasiado explícitas para sus creencias.
- No eran necesarias. La película es suficientemente buena para no necesitarlas ,- me dijo mientras tomábamos la leche de pantera, cada uno desde nuestra pajita, y yo sentía la cercanía de su cuerpo que tenía tantas zonas prohibidas a mis manos.
Sentía eso y el brillo intenso de sus ojos negros, muchos más intensos que los de Rosellini, pero sin el más mínimo terciopelo azul en sus brillos, como un saxofón prohibido, el mismo que ella me enseñó a querer cuando me descubrió el soul y todo su imaginario sexual que nunca pasó de las palabras a los hechos.
Era así de paradójico: la que me guió por las músicas del deseo nunca quiso probarlas conmigo, y como ellas, esta película y su banda sonora quedó recluida a los sueños más oscuros del invierno, esperando una ocasión que sólo se produciría mucho después, una sola vez, pues los milagros siempre han de ser impares y solitarios.




martes, 9 de abril de 2019

LA FARNESINA. CÁMARA NUPCIAL. SODOMA



El Sodoma (Giovanni Antonio Bazzi) fue encargado por el banquero para la decoración de su cámara nupcial en donde pasaría su noche de bodas con la amante de toda la vida (Francesca Ordeaschi)



Como ya explicamos aquí el Papá le había obligado a dar este paso por considerarlo escandaloso que el principal banquero del Vaticano viviera en concubinato.

Para la decoración se eligió un tema perfecto que unía amor y poder: las historias de Alejandro, tanto en su boda con Roxane (tema extraído de Luciano y, al parecer, ideado ya por Rafael antes de su muerte), como en su clemencia perdonando a la esposa de Darío o en su poder domando a Bucéfalo

A excepción de esta última parte , muy retocada, el resto tiene el estilo característico del pintor nacido en Siena que tomo ideas tanto de Leonardo da Vinci ( sfumato ) como de Perugino tanto en sus formas corporales como en sus gestos y caras.


Nos encontramos con la fase clásica del pintor, que en otras obras pasará al manierismo, con una especial atención por el espacio (que genera un trampantojo por medio de una balaustrada figurada que hace relacionarse de forma intenta con el espectador, desarrolándola después a través de otras arquitecturas fingidas) y por las figuras graves (pero sin perder exquisitez) y poderosas.

.

lunes, 8 de abril de 2019

CUANDO PICASSO SE HABITÓ DE MATISSE


En 1954 moría Matisse, en 1955 Picasso compraba la Californie en Cannes. Fue allí en donde se produjo el milagro.
Picasso consideraba a Matisse como el mayor pintor vivo, tan sólo comparable a él. Por eso lo odiaba y amaba como a nadie en este mundo, y nada más morir le devoró como hacía con todos los grandes, pues esta era su forma de rendirle tributo.

Dos cosas ansiaba de Matisse que él nunca había tenido: el color y el poder de su arabesco.
El segundo nunca llegó a conseguirlo del todo. Era demasiado impulsivo, tenía demasiadas cosas que pintar para parar un instante y dejarse llevar por esa ondulación sin fin que Matisse conseguía dibujar el objeto más humilde, y en las pinturas de la Californie aún vemos su grafía tensa que sólo en algunos momentos de sus últimisimos años consiguió diluir cuando dibujaba besos y mosqueteros a golpes de color y no de línea.

Sí tomó su gusto por lo ornamental y sobre todo dejó salir al fin todo el color que llevaba dentro y que nunca había dejado manifestarse.

Emergieron todos de golpe, sin censura y azules, rojos y verdes llenaron su paleta que, hasta entonces había sido austera o chirriante, según sus necesidades. Ahora jugó con ellos con una alegría llena de música y contrapunto y retrató su taller como hacía Matisse, y vistió a Jacqueline de Turca o dejó que las ventanas se abrieran a un Mediterráneo radiante.



Y es que una vez muerto Matisse ya no había nadie más que él en la cima de la montaña, y ese mismo año empezó sus reinterpretaciones (Mujeres de Argel) que le acompañarían en su calidad de genio único. Delacroix, Manet, Rembrandt, Velázquez... y también Matisse, que ya nunca le abandonaría hasta llegar a su citada pintura de mosqueteros y fumadores, pura magia de color hecha línea.



domingo, 7 de abril de 2019

SAN FRANCISCO. PALMA DE MALLORCA


Perfecto ejemplo de arquitectura gótico mediterránea. 
Construido en los siglos XIII y XIV para los franciscanos consta de una iglesia de nace única con profundas capillas de arcos alancetados entre contrafuertes y bóveda de crucería (aunque inicialmente se trataba de una estructura en madera, como ya vimos en Santa Croce).


Resulta especialmente espléndida la cabecera poligonal.

Con espléndido rosetón (reformado en tiempos barrocos), en su interior encontramos el sepulcro de Ramón Llul.

El conjunto conserva el claustro de los siglos XIV y XV


























DE TURISMO POR PALME DE MALLORCA