viernes, 2 de febrero de 2018

LAS HILANDERAS. VELÁZQUEZ. Análisis y comentario
























                         Lienzo original sin las partes añadidas en el siglo XVIII


Tema y personajes:Esta pintura puede parecer de género, ya que muestra una escena de un taller de hilanderas que están en plena labor, sin embargo es de tipo mitológica, ya que nos cuenta la historia de Aracné, una joven tejedora de tapices, y Atenea, la diosa de la sabiduría, a la que Aracne reta a realizar un tapiz mejor que el suyo (perdiendo la disputa y siendo convertida en araña)
El cuadro presenta dos momentos de este mito. En la parte más cercana al espectador vemos como ambas competidoras están tejiendo; y en la parte del fondo del cuadro, podemos observar los tapices ya acabados.
En este cuadro hay dos personajes reconocibles; la diosa Atenea, que se encuentra a la izquierda del cuadro junto a una rueca, y que va disfrazada de anciana, pero a la que se reconoce, ya que muestra su pierna, que vemos con una piel mucho más tersa y morena, revelando su verdadera identidad, y a Aracne, la muchacha de la derecha del cuadro que se encuentra sujetando una madeja de hilo
Soporte: el cuadro está realizado sobre un lienzo y el pintor usa la técnica del óleo , cuyo aglutinante es el aceite, permitiendo realizar asombrosos claroscuros y figuras volumétricas. Siguiendo las ideas de de Tiziano, Velázquez usa en la obra la pincelada suelta que consiste en crear figuras mediante pequeñas pinceladas. 
La composición es compleja. En primer término se crea por medio de las dos grandes diagonales en forma de V que crean los personajes principales. A través de la mujer son rostro pasamos al segundo plano, de composición atectónica, en la que el espectador debe completar mentalmente el resto de los cortinajes y tapices.
Los colores son realistas y saturados, con múltiples puntos rojos que (como ocurría en las Meninas) nos llevan por el cuadro. Muy habituales en la etapa final de su carrera son los tonos rosados y los distintos matices que adquiere el gris
La luz, representativa, tiene también funciones constructivas al iluminarnos de forma selectiva las partes más relevantes del cuadro con luces que entran por nuestra izquierda (especialmente en la parte más lejana)















Espacio. En esta composición observamos una perspectiva lineal unida a otra aérea, en la que las líneas de fuga se dirigen hacia la composición del fondo, estando mucho más iluminada, en el centro de la obra y realizada en un tamaño más pequeño. Por otra parte, con esta perspectiva se crea mucho espacio y una gran sensación de fondo, ya que podemos observar claramente como se nos presentan dos planos distintos; primero el de las mujeres y más lejos el de la disputa de la Diosa y Aracne. Como decíamos antes, la figura central, en penumbra, sirve como eslabón que une visual mente ambos espacios
Figuras son realistas y no presentan ningún tipo de idealización, como podemos observar en la mujer anciana, representada respetando la realidad y siendo fiel a la misma. En cuanto al canon podemos decir que Velázquez presenta a una mujer con unas proporciones similares a las que usaba Tiziano y de este también toma el famoso tacto que observamos en las pieles de las jóvenes y en sus vestimentas, dotándolas así de un mayor realismo o consiguiendo el asombroso movimiento de la rueca.
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Junto a las Meninas, esta obra es la culminación de toda la obra velazqueña.

Como ya hemos visto se trata de una mitología oculta en la que Velázquez se dedica, esencialmente, a ocultarnos las certezas (la del acontecimiento esté sucediendo realmente, la de los personajes del fondo que no sabemos si son reales o figuras en trampantojo realizadas en el tapiz, las mujeres que observan el desenlace de la fábula cuya función iconográfica desconocemos...) que deberíamos relacionar con el mundo del teatro que conectan perfectamente por el gusto por las apariencias que tiene el arte barroco
Como ocurre con las Meninas, el mundo parece ser una gran representación, como debería ser la corte española de Felipe IV en la que Velázquez trabajó como pintor del rey. Un mundo de apariencias (como la Vida es Sueño de Calderón) en donde verdad y mentira conviven.
Este puesto de pintor real le permitió a Velázquez oportunidades que muchos pintores de la época nunca tendrían, como el propio tema mitológico (habitual en su obra - Borrachos, Fragua de Vulcano- muy poco habitual en la pintura barroca española, mucho más volcada hacia el tema religioso) o el generoso mecenazgo del rey que le permitió dos viajes a Italia en donde pudo completar su formación iniciada en las colecciones reales del palacio. 
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En la obra podemos repasar todas las influencias que fue recibiendo Velázquez a lo largo de su vida. Desde Tiziano y la pintura veneciana (pincelada, los colores o el canon de las mujeres), Leonardo (perspectiva aérea derivada de su sfumato) Caravaggio (poder constructor de la luz, aunque sin llegar a su tenebrismo, al menos en esta etapa final) o Miguel Ángel (la composición se inspira en uno de los frescos de la Capilla Sixtina)
Su redescubrimiento se producirá en el siglo XIX de la mano de Manet quien se inspirará en ella en su obra Almuerzo en la hierba.
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Imágenes tomadas de wikipedia


ENLACES QUE OS PUEDEN AYUDAR EN EL COMENTARIO

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Realizado por:
Laura Escribano, Cristina Carralero, Andrea González, África González, Montserrat Martín, Iciar Payol, Nuria Gutiérrez y Ainhoa Zarco. 
2º Bachillerato. IES Los Olivos en Mejorada del Campo


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