EL RAYONISMO. DEL FUTURISMO A LA LUZ

Goncharova

En la efervescencia vanguardista de la Rusia de principio de siglo tuvo una influencia muy importante (acaso la mayor fuera de la propia Italia), el futurismo.

Sus descomposiciones cubistas, barridos e imágenes en superposición fueron muy imitadas tanto en la pintura como en la tipografía.

A estas influencias artísticas se unieron otras de carácter científico en donde la luz (especialmente tras el descubrimiento de la luz ultravioleta y el planteamiento de la primera ley de la relatividad de Einstein) ocupaba un aspecto fundamental, al vincularse ideológicamente con el progreso (algo que ansiaba hasta extremos extraordinarios la vanguardia rusa, aún prisionera de un régimen medieval como el zarista, tan sólo mínimamente reformado en la revolución de 1905)

  Lionov Popova

La unión de estos dos polos generó el chispazo (presentado en 1909 por Larionov y Goncharova) llamado rayonismo, al que muy pronto se unió (aunque de forma parcial y momentánea) Málevich.

                                               Shevchenko

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En él el tema se descompone en rayos de luz que atraviesan a toda velocidad el cuadro, llegando en muchas ocasiones a la pura abstracción en donde vemos aparecer verdaderos campos de fuerza.

Lionov Popova

ASURBANIPAL. CACERÍA DE LEONES

En Mesopotamia la caza del león fue siempre vinculada al mundo aúlico (de hecho, su gran héroe, Gilgamesh, aparece cazando un león con sus propias manos).

Esto será especialmente importante en el mundo asirio final, con los famosísimos relieves del palacio norte de Nínive redecorado por Asurbanipal pocos años de que el imperio cayera definitivamente)

La caza se convierte en una metáfora de la guerra, siendo el rey cazador, el rey jefe que encabezará y guiará a sus ejércitos frente a un rival de su talla (el león).

Por esto era habitual estas cazas de leones en los jardines del palacio, en un entorno delimitado y cercado, rodeado de arqueros con grandes escudos. Algunos asistentes con mastines encadenados los azuzaban al encuentro del rey y sus ayudantes (soldados armados con espadas, arcos y lanzas) debidamente protegidos con corazas. Unas veces los aseteaban con arco y flechas, o con lanza o con espada.

Toda la escena se llena de una fuerte tensión por medio de un naturalismo e instantaneidad de los animales (pues los hombres han de aparecer impasibles, sin sentimientos, sin miedo ni odio que les turben las mentes), creando un fuerte contraste (que aún lo serían más al estar policromados).

FELIPE II POR TIZIANO

• Se estima entre 1550-1554, tras los encuentros de Tiziano con Felipe en Milán y Augsburgo, casi coincidente con el Felipe II con armadura del Museo del Prado

.Frente a la segunda esta obra insiste en la idea de príncipe renacentista por completo italiano. Todos sus bordados y damasquinados o sus calzas cortadas nos hablan de un retrato de la elegancia (y con ella la sofisticación y lujo).

Aparece también el toisón de oro como símbolo de la casa de Borgoña que da paso a la austriaca

Existe además un retrato aún psicológico (frente al rey oculto, aquel que esconde sus emociones tras una máscara hierática que será la aportación de Antonio Moro, luego seguida por sus discípulos) que deberíamos emparentar con una obra anterior, el cansado Carlos V en la batalla de Mülhberg

.Ya vemos aparecer en él los pies en compás que serán habituales en nuestra expresión de realeza pero aún no el juego de dos perspectivas de las piernas

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La fachada de la fachada de Santa Cruz. Lecce

Posiblemente sea el lugar más exquisito de esta exquisita ciudad.

Creado como ampliación del hospital de los celestinos, tomando casas y propiedades de los judíos expulsados en 1510, extendiéndose las obras entre los siglos XVI y XVII.

La primera fase de la construcción, que empezó en 1549 y terminó en 1582, consistió en la construcción de la parte inferior de la fachada, hasta el enorme balcón sostenido por atlantes que representan hombres y animales, construida por  Gabriele Riccardi. 

En la segunda fase de las obras, plenamente barroca, que empezó en 1606  realizada por  Francesco Antonio Zimbalo, se añadieron a la fachada los tres portales decorados.

Para la finalización de la obra trabajaron sucesivamente Cesare Penna construyó la parte superior de la fachada, y Giuseppe Zimbalo  el rosetón.

Gran parte de su iconografía habría que relacionarla con la victoria de Lepanto ( la división del botín capturado al enemigo en la batalla de Lepanto se realizó en la Tierra de Otranto, cerca del santuario de Santa Maria di Leuca. Los animales representados bajo la barandilla podrían representar a las potencias cristianas aliadas: el dragón era el emblema de los Buoncompagni, familia a la que pertenecía el papa Gregorio XIII, el grifo simboliza Génova, Hércules al gran duque de Toscana o al Imperio hispano)

El xupet negre

En 1989 empieza a pintar con spray en Barcelona.

Graduado en diseño gráfico consigue crear un logo propio (como Muelle en Madrid), introduciéndose en el logo art.

Conocido internacionalmente practica una pintura espontánea (aunque muy trabajada para conseguir su rapidez), llena de color y una intensidad escondida bajo su colorido y aspecto naif (en la línea de Haring)

Su original forma de firmar, sin un nombre concreto, simplemente con una imagen de un chupete negro sorprende e impacta a los viandantes, convirtiéndose en poco tiempo en un icono de la ciudad de Barcelona.

A este nuevo estilo propio de firmar el artista le denomina “Logo-Art”.

ON KAWARA. Date Paintings

Una simple fecha en un simple rectángulo negro.

Una tras otra hasta el mismo día de su muerte, fechadas en el lugar realizado.

Toda una descomunal y absurda obra documental que intenta atrapar el tiempo a través de la pura repetición, como si su flujo pudiera ser condesado en su puro transcurrir.

¿Por qué puede ser arte?

Lo es por su tamaña absurdidez, casi semejante a la de Pierre Menard, autor del Quijote de Borges, en donde una tarea estúpida (volver a escribir el Quijote intentando vivir y sentir como Cervantes) convierte a su propio autor en un gigante, alguien profundamente humano al embarcarse en una empresa imposible (pues su propia muerte dejará sin acabar la obra), que a la postre le salvará del propio tiempo por medio de su esfuerzo de voluntad y constancia.

Lo es en lo que tiene de registro y archivo, un tema fundamental para el arte posmoderno en donde (como los antiguos gabinetes de maravillas renacentistas) la obra es la acumulación, el conjunto, y no sus partes. Esa larga e inacabable sucesión de fechas que luchan contra la realidad y la anulan por medio de la pura repetición y actitud mental (¿acaso toda sea una gran broma en la que nos habla de la imposibilidad de cualquier acto? ¿o una reflexión sobre nuestros hábitos que repetimos una y otra vez los mismos gestos, a las mismas horas y le llamamos a todo esto vida?)

Acaso también lo sea por su interés por eliminar el yo (el color plano, las letras de molde, la repetición del esquema sin variaciones)

O por mostrarnos lo idéntico pero siempre diferente

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¿Por qué no nos dejamos de hacernos una pregunta tras otra?

AQUA PAOLA

En la zona alta del Janículo se encuentra esta magnífica fuente mandada construir por Pablo V como final del trayecto del acueducto de Trajano (más de cincuenta kilómetros desde el lago de Bracciano) que ordenó restaurar para dar servicio al Trastévere y el Borgo.

Sus arquitectos fueron Giovanni Fontana y Flamilio Poncio, que retomaron una obra anterior del primero (el Aqcua Felice de la que ya hablamos aquí), aunque con un sistema de proporciones mucho más feliz y adecuado, de gran empaque monumental (para ello se tomó materiales del Foro de Nerva)

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Venus paleolítica. Lecce

 

Esta pequeña estatuilla del Museo Arqueológico de Tarento nos muestra los principales rasgos de las venus prehistóricas: sin rostro, femenina, de atributos sexuales remarcados...

Aquí puedes ver sus posibles interpretaciones .

Simone del Crocifissi. Vírgen, Niño y Ángeles

Simone di Filippo Benvenuti, conocido como Simone dei Crocifissi o Simone da Bolonia (alrededor de 1330 - 1399), discípulo de Vitale de Bolonia 

Su estilo, sin embargo, es mucho menos anecdótico y francés que el de su maestro, acercándose a la monumentalidad y la experimentación de la perspectiva giottesca a la que se une la exquisitez de fines del siglo en sus ricas telas y gestos de las figuras (con excelentes ángeles músicos y un Niño Jesús encantador en su niñez juguetona)

TANC. Sin título. 2017

 Su obra, iniciada en el medio urbano, poco a poco ha ido evolucionando a formatos más comercializables, aunque sin perder su gusto por la espontaneidad, el trazo y el color del grafftti.

Su trabajo juega con el dibujo automático surrealista (y expresionistas abstractos) pero también con fuertes patrones musicales basados en el ritmo (tanto en esto como en la propia caligrafía tiene fuertes recuerdos islámicos)

Intensidad, vibración de la luz y el color; emoción y energía que se controla por un latido interior que reordena el caos. Todo esto le podría definir

ABECEDARIOS. PLENSA

 

.Una letra no parece nada, es algo humilde, pero unida a otras forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento, dice. 

Y esa es, igualmente, la razón de que se haya valido de alfabetos muy diversos (empezando por el latino, continuó empleando el hebreo, el árabe, el chino, el japonés, el griego, el cirílico, el coreano o el hindi): al margen de la belleza de sus caracteres autónomamente, a través de ellos apela a la convivencia entre diferentes.

Se trata de un viaje desde la abstracción de las letras (y su pura belleza) a lo colectivo y humanístico; será el espectador el que lo decida.

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EL THOLOS DEL PRITANEO

Marcada en rojo

En el ágora de Atenas, junto a los edificios (antiguo y nuevo) de la Boulé o Consejo de 500, se encontraba este edificio circular (tholos) en donde se reunía el gobierno

En él se mantenía el fuego sagrado (que simbolizaba a la comunidad), se recibían a los ganadores olímpicos y se festejaban las victorias militares.

Durante la noche, se mantenían encerrados en él (en una larguísima cena pagada por Atenas) 17 representantes que podían responder a cualquier emergencia.

Estos eran los pritanos (50 consejeros por turno que ejercían el poder ejecutivo de la polis).

El edificio sería redondo con una columnata interna.

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DE TURISMO POR ATENAS

El cristo de Cellini. El Escorial

Realizada por Benvenuto Cellini en mármol blanco de Carrara entre 1559 y 1562, posiblemente para su propia tumba.

Cuenta la leyenda (inspirada en la propia autobiografía del escultor, en muchos casos sumamente fantasiosa) que parte de una visión del autor mientras estaba preso en el Castel de Sant´Angelo.

Parecíame aqueste sol sin sus rayos ni más ni menos como un baño de oro purísimo licuado. Mientras que contemplaba yo aquesta gran cosa, vi comenzar a hinchar en medio del sol y crecer aquesta forma de dicho abultamiento, y formase de pronto un Cristo en cruz, de la misma sustancia que era el sol. Y era tanta su hermosa gracia y tan benignísimo su aspecto, cual el ingenio humano no podría imaginarse una milésima parte

La obra llega a la exquisitez absoluta en el tratamiento del mármol que toma características casi de cera, mostrando el triunfo de la maestría, uno de los rasgos del manierismo.

Der la misma manera es manierista la incongruencia entre cabeza y cuerpo, la posición forzada de las piernas o su total desnudez que ahora siempre aparece cubierta por un burdo paño de pureza.

SANTA MARÍA DI CERRATE. PUGLIA

La abadía de Santa Maria di Cerrate (o “delle Cerrate”), es una verdadera joya del arte greco-bizantino- románico en Apulia, muy cerca de Lecce.

Se sitúa en un gran campo de olivos (la abadía  cumplía también la función de masseria,  un centro de producción agrícola para la transformación de la aceituna). 

Fue erigida principios del siglo XII como asentamiento  de monjes griegos, seguidores de la regla de San Basilio el Grande.

Su iglesia románica tiene una una fachada tripartita, con una portada del XIII con relieves escenas de la Anunciación, la Visita a Santa Isabel, los Reyes Magos y la Huida a Egipto. 

Este portal  está rematado por un pequeño rosetón. 

A la izquierda del edificio se adosa un pórtico con columnas cilíndricas y poligonales que sostienen capiteles figurados de piedra blanca de Leccese, también del siglo XII que analizaremos aquí, junto un pozo del XVI. 

En el interior, el formato de tres crujías de la fachada se repite con tres naves, con grandes columnas cilíndricas que sostienen un techo de madera (muy reconstruido), un dosel del XIII sobre el altar mayor y maravillosas pinturas que pasan del románico final al gótico cortesano del XIV.

WARHOL. SOMBRAS

En 1978 Warhol realizó  de una obra monumental, titulada Sombras (Shadows), con colaboración de sus ayudantes.

Se trataba de 102 serigrafías, variaciones cromáticas (gracias a la técnica) de unas simples sombras tomadas en su despacho.

Gran parte de su interés es la repetición, la idea de la copia y sus alternancias (cromáticas, positivo-negativo, luz-sombra) que nos hablan de la constante tensión entre original y copia que ya era muy evidente en las Cajas de Brillo.

Hay, además, una conste referencia a la muerte, representada por las sombras. Un tema tan habitual en el artista.

Incluso podríamos hablar de una tercera cuestión, la de un juego (acaso irónico) con el expresionismo abstracto que tantos puntos tiene en común con su obra aunque en un primer momento podría ser visto como la antípoda.

Como en él se reduce la significación a unas formas geométricas entrelazadas, y la representación de la realidad casi desaparece por completo, convirtiéndose la obra en un gran decorado (una instalación abstracta) que podría recordar a las obras finales de Rothko (un lugar sacro y funerario)

                     WARHOL. ÍNDICES