Warhol. Piss paintings

No he hecho pis en ningún lienzo esta semana. Le dije a Ronnie que no hiciera pis cuando se levantara por la mañana para que aguante hasta llegar a la oficina, porque él toma mucha vitamina B y el lienzo se vuelve de un color muy bonito cuando es su pis.

En el final de su vida, junto a los amigos más íntimos de Factory, Warhol recubría  lienzos con metal, con cobre, para que ese material reaccionara al oxidarse con la orina y cambiara el color, generando una pintura. Eran los oxidation paintings o piss paintings.

Son pinturas por completo abstractas, eran realmente pinturas de acción , un body art que jugaba con lo escatológico, el asco o la risa nerviosa.

¿Cuál sería su interpretación? Esto, con Warhol siempre es muy complejo.

Si se quiere se puede entender como una simple provocación que acaso estuviera inspirada en la Fuente de Duchamp y será el origen de múltiples artistas de la abyección que inundaron los 90.

Puede ser, también una crítica/homenaje a la pintura del informalismo y el expresionismo abstracto.

O, simplemente, una impostura (algo muy habitual en el autor).

O, acaso, tan sólo, de pura belleza en los lugares y las causas más insospechadas.

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El rinoceronte de Durero

En 1514, Alfonso de Albuquerque, gobernador de la India portuguesa en Goa, recibió del sultán de Cambay un magnífico rinoceronte asiático que envió a la corte lisboeta de Manuel I.

El rey ya poseía una casa de fieras (con un conocido elefante blanco) en la que colocó este rinoceronte. A ella acudió toda la nobleza para contemplar un animal que no se veía en Europa desde tiempos del Imperio Romano, y más tarde pudo verlo todo el pueblo en los distintos desfiles triunfales que se hicieron por la ciudad.

Este rinoceronte se enfrentaría (sin ninguna consecuencia) al elefante blanco, y más tarde se convertiría en un regalo regio para el papa León X (que tenía que asegurar por bula sus zonas de posesión en el Índico y las de Brasil en el Atlántico)

Durante el viaje hizo escala en Génova en donde salió del barco para que lo pudiera ver el rey francés, Francisco I.

Luego, al zarpar, muy cerca de la Specia, una tormenta hizo naufragar el barco (y con él el rinoceronte que iba amarrado en su bodega), sólo pudiéndose rescatar la piel días después que se llenó de paja y se envió al Vaticano.

Al parecer Durero recibió noticias del animal por varias cartas (en las que hablaban de la textura de su coraza o el color de la misma) y algún bosquejo.

Sobre tan escaso materiales construyó esta famosa imagen bastante ajustada a la realidad y con escaso fallos (el cuerno del cuello, sus placas aserradas en los bordes, la forma membranosa de su zona central...).

Creó con esto toda una nueva fantasía que perdurará en Europa casi un siglo, cuando un nuevo rinoceronte (abada) llegó a la corte de Felipe II

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Asclepeion de Atenas (1) . La arquitectura

El culto a Asclepios, hijo de Apolo y dios de la medicina,  se vinculó con una curiosa forma de sanación a través de la incubación que ya explicamos aquí.

Por eso existieron numeroso asclepiones en la Grecia clásica (como el famoso de Epidauro), funcionando como rudimentarios y sagrados hospitales.

Abatón

El de la Acrópolis, junto al teatro de Dionisios, se creó a finales del siglo V a C. durante la Guerra del Peloponeso por Telémaco, acaso durante la famosa epidemia de peste.

El santuario estaba formado por el templo (jónico próstilo) y el altar del dios Asclepio. Junto a ellos existía un edificio dórico que servía de katagogion (allí dormían los pacientes esperando su curación) y una stoa jónica (abatón) que servía de comedor y alojamiento para los sacerdotes de Asclepio

En un próximo post veremos alguno de sus ofrendas

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GIOVANNI DO (JUAN DO). Adoración de los pastores

Tan poco conocido como magnífico en su pintura, este autor nació en Játiva, trabajó en el taller de Jacinto Jerónimo de Espinosa, fue maestro en Valencia y emigró a Nápoles. 

Es muy probable que fuera protegido por Ribera (compatriota y testigo de su boda) del que tomará muchas características, maneras y estilemas.

Por una parte, muy evidente, su fuerte tenebrismo (que él combina con el idealismo de la segunda etapa del maestro en los ángeles superiores o la Virgen y el Niño, iluminados por una luz más real y cálida).

Frente a ella hay otra algo tremendamente peculiar. Unos tonos cenicientos que aparecerán en otras obras suyas  

Hay también una forma de componer poco convencional, haciéndola girar en torno a una gran centro vacío (en donde un minúsculo ángel se insinúa), así como miradas (como la de la propia Virgen) que nos empuja a algo que está mucho más allá del cuadro, o personajes ajenos a todo que nos observan.

Todos estos rasgos nos hablan de un pintor que va más allá que su propio maestro con escasa obra conocida, pues tal moriría joven en la peste del 56

JUAN MUÑOZ. LO VI EN BOLONIA

Esta obra responde perfectamente a las características de la obra madura de Juan Muñoz.

En un primer momento el espacio, simple pero teatral, arquitectónico en su minimalismo. Son los pórticos boloñeses, las arquitecturas barrocas de columnas salomónicas, los umbrales repetidos (si lo miráramos por la parte superior.

En este espacio, acotado pero por completo transparente, el espectador puede observa una presencia humana que, en su obra, siempre resulta incómoda. Un enano que carece de pies, convirtiéndose en un tentetieso que, realmente, no podría avanzar en un espacio tan longitudinal como el creado por las columnas.

Es, además, una figura tocada por el capirote que en la tradición hispana relacionamos con la inquisición, haciéndolo aún más siniestro.

En esta obra pesa la gran tradición metafísica de Chirico y sus arquitecturas vacías o las esculturas de Giacometti.

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HABITACIÓN CON PECES ROJOS. MATISSE

 

Una ventana abierta que comunica exterior, el estudio con la ciudad, y todo el conocimiento pictórico del mundo

Una composición que te conduce por medio del cuadro desde los objetos de primer plano (aplanados por el abandono de la perspectiva), nos lleva al plano medio (la conexión entre ambos mundos, marcado por toques cálidos de color naranja y los maravillosos peces) y de allí al exterior, que rápidamente nos bloquea con el gran edificio y anima una luz más clara frente a la penumbra interior.

Una paleta de fríos que van haciendo ecos, del verde al verde exterior, del azul de la pecera al de el estanque o el jardín, con el naranja dividiendo y enlazándolo todo.

Y todo en torno a aquellos peces rojos que aparecerán en varios cuadros del momento tras su vuelta de África. La única vida de un espacio lleno de una lenta maravilla, de suave placer con el tiempo es abolido.

Un cuadro perfecto en su entramado geométrico (con el rectángulo de proporción aurea como base de todo) que consigue (en la unión con el cromatismo) un lugar de armonía casi griego. 

Matisse ha conseguido congelar la vida en un instante perfecto en su cotidianeidad; y eso sólo lo consiguen los genios.

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Aparición de Cristo resucitado a su madre, Pedro Berruguete.

Esta  aparición de Cristo resucitado a su madre, ca. 1500, de Pedro Berruguete, se encuentra en la Colegiata de Santa María del Campo, Burgos.

Es una verdadera obra maestra del palentino. Un delicado equilibrio entre el realismo heredado de la corriente hispano flamenca, hegemónica en Castilla, y las lecciones italianas sobre volumen y uso de la luz de Piero della Francesca.

Esta magnífica oposición es sumamente evidente en el fondo plano y decorativista, con estofados que recuerdan a los textiles del momento, y la volumetría y duro realismo de las figuras.

Un verdadero prodigio, además, de detallismo al modo flamenco

Frente a la gravedad, elegancia y belleza de la Virgen.

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Nuestra particular estatua de la libertad madrileña

 En 1912 se trasladó este monumento a la Libertad (20 de febrero de 1857)  desde el cementerio de  San Nicolás (muy cerca de Atocha)  al patio central del Panteón de Hombres ilustres. En él se encontraban los sarcófagos de tres destacados progresistas de la primera mitad del XIX: Mendizábal, Argüelles y Calatrava.

El proyecto corresponde a Federico Aparici, En las paredes exteriores se esculpieron las alegorías de la Pureza, el Gobierno  y la Reforma. 

La estructura se corona con la imagen de la libertad realizada por Ponciano Ponzano. Con gorro frigio (iconografía clásica de los libertos que se retoma en la revolución francesa), su mano izquierda porta un cetro y  la derecha un yugo roto, mientras la cabeza refulge con una diadema de rayos

Es 10 años anterior a la estadounidense.

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RINCONES DE MADRID

CÚPULAS ANDALUSÍES. DE CÓRDOBA A GRANADA

 

Bóvedas califales (nervios con centro libre y bóveda gallonada en la parte superior) de la mezquita de Córdoba 

Típica cúpula semiesférica con mocárabes. La Alhambra

La Alhambra

JUAN MUÑOZ. LAS PIEZAS DE CONVERSACIÓN

Uno de los tipos de obras más conocidos de Juan Muñoz fueron las llamadas piezas de conversación.

Se trata normalmente de esculturas de resina a tamaño menor del real (sin pies, a veces como tentetiosos) con cabezas repetidas desde un mismo molde encontrado en un anticuario.

Los ojos rasgados y el traje Mao los convirtió en "chinos" para el escultor, con esa sonrisa leve y la mirada que no se fija en nada.

Las figuras parecen relacionarse entre ellas, pero no es cierto, en realidad viven en un mundo propio, profundamente extrañado. Tampoco se relacionan con el espectador, aunque este pueda pasar entre ellos , fotografiarse con ellos, mirarlos, casi tocarlos.

Pero seguirán impasibles, pues como ya dijimos, todo es un teatro, y nosotros solo somos espectadores que nunca comprenderemos su sonrisa irónica.

No existe la empatía, ni entre ellos ni con nosotros. Hay multitudes de individuos solos que son el perfecto reflejo de nuestra sociedad actual, nunca trágicos (¿Cómo te va la vida?/ Muy bien, ¿y a ti?)

La libertad que siempre le da al comisario le permite replantear estas piezas y crear diversas ocupaciones del espacio que influirán en los movimientos y visiones de los espectadores

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MARINA NÚÑEZ

Vanitas 1

Vanitas 2

                           NADA TAN PROFUNDO COMO LA PIEL

INMERSIÓN

Rivane Neuenschwander. Deseo tu deseo,.

La autora trabaja con el público y sus deseos, literalmente.

La obra no puede ser más simple como sugestiva.

La pared se llena de cintas con deseos de otros públicos que se pueden recoger siempre y cuando tú escribas los tuyos en un papel para que la obra siga en curso y pueda llenarse otra ciudad con nuevos deseos.

Si nos fijamos un poco en ellos vemos una mayor representación de la generación Z en los deseos, seguido por la milennial y, mucho menos representada, la más metida en año (Os muestro las fotos giradas para que podáis observar este perfecto estudio sociológico sobre lo que aspira cada generación, pues está claro que también los deseos es política, en realidad, y junto con los miedos,  el motor oculto de la política)

Ginevra Cantofoli. Una fantástica pintora boloñesa

Ginevra Cantofoli (1618?-1672), educada en el taller de Elisabetta Siriani y figura destacada en el cenáculo artístico femenino creado por Sirani en Bolonia en esos años.

Cantofoli se dedica a la pintura, prefiriendo la representación de figuras femeninas como ninfas y sibilas (más fáciles de realizar y vender para una mujer), aunque también practicó la pintura religiosa.

Su pintura es suave, un punto melancólica, con un tratamiento lumínico exquisito, claramente emparentado con las formas de Guido Reni (al que se había atribuido alguna de sus obras, lo que nos habla de su extraordinaria valía.