Acerca de Kiefer (1)

Dos de estas obras, Böse Blumen (2012-2016) y Der Tod und das Mädchen (Death and the Maiden) (2018), incluyen un característico libro de plomo

«Es casi como si los libros de Kiefer nos dijeran que miremos más allá de lo que las palabras representan y significan y notemos en cambio su textura y las conexiones que forman entre sí. Esto es algo así como mirar una pared y quedar impresionados por su sensación general en lugar de por los ladrillos individuales que la componen».

Orhan Pamuk

Es todo un juego entre figuración y abstracción típico del autor (y en general de los jóvenes salvajes alemanes, que partieron del expresionismo abstracto pero regresándolo a sus orígenes más figurativos para que fondo y forma cobraran una tensión mayor). La forma que aparece en medio de un fondo que es una pura ebullición, una tactilidad, a veces agresiva, a veces tan delicada

La tercera obra perteneciente a la colección, Walhalla (2015-2017).

Presenta  otra característica de la práctica de Kiefer, como es el vertido de plomo sobre pinturas que representan paisajes. 

Es, también, una actividad, el fruto de una actividad, como los primeros expresionistas abstractos, como el propio Tapies; una gestualidad

 El propio Kiefer cuenta cómo surgió esta técnica en una especie de diario que escribió en 2017 con motivo de una exposición en la galería Thaddaeus Ropac de París, donde se adquirió esta obra: «Ayer vertí plomo. En varios cuadros antiguos de esos que ya no quieres ni mirar. A diferencia de antes, tumbé las pinturas en el suelo sin ira, sin desesperación, y vertí el plomo ardiente sobre ellas. Ya no había motivo para la desesperación, porque ya sabes: en algún momento algo saldrá de ello; de hecho, cuentas con la decepción desde el principio. ¿El resultado sería diferente, el plomo fluiría de manera diferente, si el acto destructivo se realizara con rabia y no deliberadamente?»

EL ANTIGUO EDIFICIO DE IBM EN MADRID

Hablo de antiguo porque a día de hoy la empresa se ha mudado a la Castellana y el edificio se está demoliendo poco a poco, tal y como se verán en las fotos 

Tomado de wikipedia

Realizado por Salvador Gayarre, Tomás Domínguez del Castillo y Juan Martín Baranda, y construido entre 1987 y 1989, representa un incipiente posmodernismo en donde se jugaban con las escalas, con una superestructura de grandes pilares de ladrillo sobre los que se apoyaría un gran dintel.

Sobre esta forma esencial, y en mármol encontramos unas basas y una estructura de ventanas en línea que se resguardan bajo lo anterior.

Con su progresiva demolición vemos su alma de hormigón sobre el que se colocan las placas de mármol y ladrillo, rompiéndonos la visión de dos escalas de la que hablábamos.

Por el contrario, su forma de buque varado, con una gran proa hacia la carretera de Barcelona, es mucho más evidente

TODOS NUESTROS RINCONES DE MADRID

Bailarina acróbata. Arte egipcio

 

Esta obra de la época ramesida (12.000 a C) fue encontrada en el poblado de Deir el Medineh. El lugar ha sido hogar y lugar de trabajo de arquitectos y todo tipo de artesanos.

Se trata de un trozo de caliza pintada (casi un ostracón, un lugar para pruebas y bocetos)

Posiblemente su origen nos puede ayudar a entender por qué se aparta de las convenciones tradicionales egipcias, como la frontalidad, el canon o el hieratismo.

No se trataba de una pieza pública y se podía innovar o experimentar con ella con detalles asombrosamente realistas (como su cabellera rizada que se extiende por el suelo) y otros puramente mentales (como la forma del pecho, como si estuviera en pie, los larguísimos pies o el pendiente que desafía la gravedad)

Es posible que su posición se relacionara con las representaciones de la diosa Nut como el cielo protector (en realidad las bailarinas podían tanto aparecer en contextos cortesanos como en otros puramente religioso en donde la danza se convertía en un elemento trascendente).

Realmente toda la obra es de una agilidad (y levedad, y movimiento) muy notable, muy pocas veces visto en el arte egipcio

LA FAMILIA DEL ANARQUISTA EL DÍA DE LA EJECUCIÓN. Manuel Benedito Vives

 

El tema fue propuesto a los pintores por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando para optar a la beca de estudios en Roma en el año 1899.

Este discípulo de Sorolla consiguió una de las mejores obras (aunque no consiguió la beca) por su composición que ayuda a darle un profundo dramatismo, con ese anarquista apresado al que se acerca su padre con la nieta (e hija) en las manos mientras su madre y esposa es consolada por un sacerdote.

Un naturalismo llevado a extremos teatrales, tal y como gustaba en estos momentos (recuérdese Ciencia y Caridad de Picasso joven) que sirva de entretenimiento emocional a la burguesía biempensante que mira esta realidad a través del filtro de un cuadro, de forma segura, incluso dando una pequeña oportunidad de simpatía moral ante el asesino (o más bien hacia su pobre familia)

PRIMAVERA. THERA. ARTE MINOICO

 

La cultura micénica celebra la vida y es la primera cultura occidental que le da un papel protagonista a la naturaleza, convirtiendo al paisaje en un tema. Prefiere así la vida de la naturaleza y sus ciclos a la muerte de la guerra y sus conquistas.

Esta paz que practicarán hasta que los micénicos les borren del mapa.

Hasta entonces embellecieron sus palacios con estos frescos en donde aparece el paisaje de Thera antes de la erupción volcánica, con sus lirios rojos y sus colinas que dan una constante ondulación a la escena para crear la sensación de vida.

Una vida que se remata con los vuelos de las golondrinas en sus paradas nupciales,  anunciando simbólicamente el renacimiento anual de la naturaleza.

Fresco de primavera. Akrotiri, Thera, siglo XVI a.C.

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CASA PALAZUELOS. PALACIOS

Encargado por el promotor privado Demetrio Palazuelo, para crear un edificio de carcácter comercial con tiendas, escaparates, oficinas y despachos. Era algo pionero en Madrid, inspirado en la arquitectura estadunidense.

Realizado en los primeros años 20 del siglo XX se inspira en la escuela de Chicago (en cuando a funcionalidad de exteriores y pasillos de comunicación) y el art Deco en los detalles, aunque también existe una fuerte influencia del mundo tardobarroco imperial (en su magnífica escalera y barandilla ondulada, con gran vidriera superior que ilumina el interior)

Toda la estructura se organiza en torno a este patio que se crea en triángulo para terminar por formar el chaflán).

Hacia el exterior juega con el clasicismo de las dobles columnas y la modernidad del cristal y el hierro que constituye el cerramiento exterior.

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Jugando a las muñecas con Alaska

 

En 1982 nacía la revista HELICE y su póster central se lo dedicaban a la ya entonces famosa Alaska. Un dibujo firmado por Feria y Rodrigo.

En una forma transgresora típica de la Movida se retoma lo popular y se entremezcla con el fetichismo, se une lo infantil con lo sexuado, la maruja, con la dolorosa, la sado o el casticismo erotizado.

Un gusto por la mezcla, lo impuro, la ruptura de las categorías y sus jerarquías típico de la posmodernidad vital del movimiento.

Un ansia de provocación contra la España franquista y sus morales

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Jacomart y Reixach. Retablo de Santa Ana. Seo de Játiva

El cardenal Alfonso de Borja, más tarde Calixto III, encargó a Pere Reixach en 1452 un retablo para la capilla de santa Ana, protectora de la Familia Borja. Hoy se conservan muy pocas tablas de aquel retablo. En 1924 se recompuso lo que ahora tenemos 

Como aparece en la parte superior (y también en los diversos contratos firmados en Roma) este retablo se realizó por Reixach (aunque algunos autores quieren ver también la mano de su maestro, Jacomart) para la capilla financiada levantada por el papa Calixto III.

En la zona central se encuentra santa Ana (patrona de los Borja) con María y el Niño en la típica secuencia medieval de ir reduciendo el tamaño de las figuras para adaptarlas al tema. A sus lados, como donantes, San Joaquín y el arcángel San Gabriel

A la izquierda, la tabla representa a san Agustín, obispo y doctor de la Iglesia junto su madre, santa Mónica, arrodillada .

La tabla de la derecha nos muestra a san Ildefonso

Sobre estas tablas aparecen el bautismo de san Agustín celebrado en la catedral de Milán  por el obispo san Ambrosio con santa Mónica dando gracias a Dios , y la imposición de la casulla a san Ildefonso.

Ahora aislados de la composición se encuentra Santa Helena y San Sebastián

Todas las composiciones son de gran riqueza cromática (con una especial riqueza en los suelos de baldosines polícromos) que contrastan con la gravedad y volumetría de las figuras, trabajadas de una forma ya casi renacentista

Willian Godward. Campaspe

Campaspe es uno de los pocos desnudos integrales del pintor John William Godward.

Este pintor se mueve entre el final del prerrafaelismo (del que toma una versión dulce pero profundamente sexualizada del pasado) y la obra de  Alma-Tadema,

Para su realización, posó la joven modelo británica Lily Pettigrew.

Campaspe era la famosa  concubina de Alejandro Magno y modelo de Apeles para su Venus Anadiomena, aunque , en el fondo, es simplemente la excusa para un desnudo tan sumamente explícito que se adorna con un sucinto escenario de riqueza y poder.

Es la mujer, tan habitual en la época, que inspira deseo a la vez que temor. Su autocontrol, su empoderamiento (diríamos ahora) es un señuelo sexual a la vez que un peligro (esto ya lo analizamos , la mujer fatal, aquí, y también aquí) y la convierte en una divinidad perversa. que se amplifica con su exquisito uso de las texturas

Cranach, el Viejo. Charitas

 

El tema es habitual en la obra del pintor y su taller, repetido en diferentes interpretaciones y composiciones.

Deriva de la las composiciones italianas en donde una mujer amamantaba a uno o dos hijos, que él retoma con su característica forma de desnudos

La aparición de las manzanas introduce la iconografía cristiana de forma muy tangencial

LOS TEMPLOS GRIEGOS DE PAESTUM

Fundada por los colonos griegos de Sibari, eligieron la fértil llanura al sur del río Sele para fundar la ciudad, con el nombre de Poseidonia.

Paestum fue probablemente una de las ciudades griegas más grandes en la costa del mar Tirreno en la Magna Grecia. Conquistada por los Lucanos a finales del siglo V a. C., que la llamaron Paistos, fue conquistada posteriormente por los romanos a quienes debe su actual nombre de Paestum.

 

El templo dórico de Atenea edificado en piedra caliza local, se remonta a finales del siglo VI a. C.

Templo de Neptuno, es el más grande y es el mejor conservado, se remonta al siglo V a.C. y es considerado como un magnífico ejemplo de la arquitectura dórica en la península itálica.

La atribución a Neptuno se debe a los investigadores del siglo XVIII que creyeron se había construido en honor del dios Poseidón-Neptuno que da nombre a la ciudad. Sin embargo, estudios recientes lo atribuyen a Apolo, en su calidad de médico.

Su estructura es períptera, exástila y de tres naves en el interior de la naos con un doble orden.

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El Templo de Hera es el más antiguo de los tres templos, el templo estaba dedicado a la diosa Hera, esposa de Zeus . Fue construido alrededor del año 550 a.C.

OTROS POST SOBRE PAESTUM

YOLANDA ANDRADE. DIOS ES BISEXUAL

 

Esta imagen es perfecta para explicar dos de las características más definitorias del trabajo de Yolanda Andrade.

Por una parte se encuentra su fascinación por lo urbano y la expresión popular que ella recoge en pintadas y múltiples manifestaciones de Méjico DC.

Por otra parte esta su activismo en favor del colectivo LGTBI+, algo complejo en una sociedad tan tradicional y machista como es la mejicana.

El mensaje es tan breve como rotundo y abre una inacabable polémica que afecta a las mismas bases (más emocionales) de la religión católica (tan heterosexual y ante todo tan masculina), pero se carga de emotividad con los personajes movidos que la atraviesan, uniendo una sentencia (moral e ideológica) con la vida más cotidiana

Ángeles Santos. Mi Mundo

 vagos ángeles malvas

apagan las verdes estrellas

Una cinta tranquila

de suaves violetas

abrazaba amorosa

a la pálida Tierra.

Pintada en 1929 cuando la artista tenía solo 17 años, esta obra monumental se inspira en estos versos del propio Juan Ramón Jiménez.

A partir de ellos, y mezclando realismo mágico, surrealismo y Nueva Objetividad alemana, la jovencísima pintora crea todo un mundo que cambia la esfera por las caras de un gran cubo.

En ellas se multiplican las escenas sin parar, jugando con las perspectivas y las proporciones, ensamblando puntos de vista como haría un cubista.

Con paredes abiertas el espectador puede fisgar con toda comodidad y ver cines o escuelas

Hay trenes, barcos o entierros

Si ahora abandonamos el detalle y volvemos a la totalidad nos encontraremos con dos aspectos angélicos

Rodeando toda la tierra cuadrada hay múltiples ángeles que toman los rayos de sol para iluminar sus estrellas.

Por otra parte, y a la derecha, nos encontramos con otras alienígenas mujer que acunan a sus crías al son de la música mientras otras figuras, también filiformes, onduladas, bajan por una escalera de caracol

En todo el cuadro reina la creación de un mundo nuevo con sus propias mitologías y quehaceres que a veces se parece al nuestro pero es cambiante, oscilante. Un lugar en donde hay tragedia pero también ternura, y un poco de risa y mucha poesía que está muy cerca de las verbenas de Maruja Mallo