No quiero nuevas leyes educativa; sólo necesito políticos coherentes

¿Cómo voy a pedir a mis alumnos honestidad en sus estudios, exámenes y trabajos cuando roda una expresidenta de una Comunidad Autónoma hizo (supuestamente) que manipularan sus notas de máster?

¿Cómo voy a poder enseñarles  que los valores propios son uno de nuestros pocos y verdaderos patrimonios cuando un líder de un partido que lucha contra la casta y pide que los políticos se acerquen a la calle se compra (legalmente pero no con legitimidad) un chalet en una zona cara de la provincia?

¿Cómo voy a hablarles de la lacra que es la corrupción con los tres últimos expresidentes de la Comunidad de Madrid imputados por financiación ilegal y, también los dos últimos secretarios generales del partido gobernante están en prisión preventiva por un supuesto y cancerígeno asunto de corrupción?

¿Cómo convencerles que lo público es de todos y, por tanto, algo verdaderamente sagrado, cuando algunos políticos andaluces se habían gastado los fondos publicos en clubes de alterne, cocaína y fiestas?

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¿Cómo hablar de ética, de la necesidad de respetar los valores de los otros (también los religiosos, por supuesto) cuando hay una presidenta autonómica que se hace retratar en plena pandemia como una Dolorosa sufriente (¿cuántos kilos de photoshop en su rostro depauperado y sis ojos hinchados?) en la portada de un periódico nacioonal?

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¿Cómo hacerles comprender de la importancia de cumplir la ley como la forma más alta de democracia con presidentes como el de Cataluña practicar la desobediencia de la ley con tal intensidad que pronto la convertirán en deporte olímpico?

Realmente no necesito reformas educativas. Me conformaría con políticos que, si no son capaces de dar ejemplo y convertirse en símbolos de lo que debería hacerse, al menos no crean toda esta cantidad de inmoralidades que podríamos seguir refiriendo en todos los partidos y escalafones de gobierno.

Lucas Corralejo, el sabio



                                 TODA NUESTRAS ANIMA MUNDI

FLORES DE AGUA. Lluvia sobre agua

Vicente Camarasa Domínguez

Todos los derechos reservados

Oliva. 2019
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Serie FLORES DE AGUA
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(Una primera aproximación)

TODAS MIS FOTOS

SUSANA SOLANO. (1) Jaulas

 No me gusta hacer literatura de mi trabajo, ni me gusta explicar dónde empiezan y dónde acaban las obras. No quiero expresarlas como algo cerrado y prefiero la ambigüedad. De ahí esta resistencia, porque en realidad la historia es el entrecruzamiento de experiencias y sueños. Relatos de fugas, de incapacidad, de conflictos, de articulaciones y de gentes. El discurso como interferencia.

Babelia. El País

Unas de las señas más personales de Susana Solano es la aparición de la malla metálica, un material profundamente ambiguo que le va a permitir la realización de esculturas en donde el vacío es atrapado (visualmente) por dichas mallas (una continuación de la labor arquitectónica sobre el espacio interior de sus maestros como Julio González, Chillida u Oteiza).

Se crean así jaulas en donde lo transparente a la vista se opone a la imposibilidad de penetrar en él. 

SSe crean así una serie de espacios problemáticos, tan vez traumáticos (por ello me gusta calificarlo como jaulas)

Proclive a una gestión enconada del espacio, habitado aquí por unidades de raíz arquitectónica fraguadas en la retícula más elemental. Hay cierta crudeza en este lugar, una tensión lacerante en el modo en que estas formas cortan y producen espacio. 

https://museoph.org/exposicion/susana-solano

Un espacio que tiene una cualidad que se mueve entre lo arquitectónico pero también lo doméstico, minimal en su desarrollo visual pero profundamente subjetivo en su contemplación (a la manera posminimal pero también posmoderna)

                   TODOS NUESTROS POST SOBRE SUSANA SOLANO

ACTIVIDADES INTERACTIVAS ARTE SIGLO XIX

                              

                           Un crucigrama sobre el arte del siglo XIX
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                                            UN TEST VISUAL

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UN PASAPALABRA

AQUELLAS PRADERAS AZULES. Roma es Haendel

DALE AL PLAY Y ESCUCHA ALGUNAS DE LAS ALMAS DE ROMA 

Si Venecia fue, y desde la primera visita, Mahler; Roma suena a Haendel.

No es Beethoven, pues la épica de sus iglesias se desmorona cuando los estucos se desmoronan tras las lluvias, cuando se avanza por la oscuridad de sus callejuelas en invierno. 

No puede ser Bach, pues ella misma sabe que, por mucho que lo intente con sus trampantojos, el mundo no es perfecto y las matemáticas son una simple poesía.

Ni siquiera Albinioni aunque pueda parecerlo, ni mucho menos el ateo de Vivaldi que vistió de sedas lo que era pura carne y deseos.

Acaso fue Monteverdi, pero eso fue un intento imposible del pasado; y nunca el austero maestro Vitoria que chirriaría ante sus fingidas glorias.

En algún momento de su inacabable existencia soñó con ser Wagner, pero Musolini no tuvo la sensibilidad suficiente para utilizar sin parar sus fanfarrias en vez de subirse al balcón del palazzo Venezia y actuar como una caricatura de sí mismo.

Por todo eso Roma (y no siempre) es Haendel, aunque unas veces son sus juegos acuáticos, otras el Mesías y, en algún atardecer traidor, sus más tiernas arias de opera. 

Tanto Alfonso como Vicenzo lo supieron siempre y por eso cayeron enamorados de ella como se hace de una mujer real, con sus encantos y miles de sombras que no se deben negar, pues acaso en ellas reside su más íntima belleza.

Yo reconozco que antes de mi primer viaje a Italia esperaba mucho más de Florencia o Venecia, pero lo cierto es que Roma fue la que me cautivó desde el primer día y para siempre.

Y no precisamente por el tiempo hecho pedazos de los foros imperiales que más que épica daban una imagen de inabarcable desastre.

Ni siquiera el Vaticano con sus grandezas, acaso precisamente por ellas.

Ni la fontana de Trevi, ya por entonces invadida de turistas.

No. 

Roma es Haendel y miles de iglesias en calles olvidadas por el tiempo y los camiones de limpieza; trozos de esculturas parlantes confundidas en las esquinas y llenas de pintadas.

Es una pasta sencilla con aglio e olio en una osteria fuera de los itinerarios, y cuadros barrocos oscurecidos por las velas.

Son los millones de reliquias que dormitan entre el polvo y mujeres que caminan como funambulistas perfectas entre las caries de sus adoquines.

Eso es Roma, una ciudad de registros en donde la historia se ha ido posando como sedimentos en un valle, desde los emperadores a los nuevos césares vestidos de púrpura, a los centenares de artistas y prostitutas, cortesanas y rameras.

Es la gloria en medio de la decadencia, y los pasados presentes que los turistas pisotean sin apenas darse cuenta que por allí pasó Alarico y predicó con la música San Felipe Neri, florecieron miradas de santos y los más terribles nepotes que coleccionaron arte y malas artes mientras Caravaggio mataba a otro proxeneta como él o Quevedo paseaba su cojera poniendo sus pies en las pisadas que había dejado años antes Cervantes.

Es todo eso y los heréticos soldados suizos que la saquearon por orden del más católico de los emperadores mientras la línea tres del Metro nunca acaba de terminarse jamás, enredada en las profundidades misteriosas del Celio.

Son las catacumbas en donde hay tantos hombres santos como canallas redomados y un enjambre de funcionarios que invaden los bares de mañana para tomarse un ristretto y un panini mientras en las alturas del Quirinal hombres encopetados representan la eterna farsa de gobernar un país que nunca ha tenido otro gobierno que la guerra, la religión o los deseos.

Todo eso es Roma y Haendel

Es la canícula del ferragosto o la tristeza sin medida de sus noches de invierno.

Sus coches eléctricos a los que desciende un cable desde el piso tercero de un antiguo palacio de cualquier condottiero olvidado.
O los gelatti de  Campo dei Fiori,
o las calles secretas que rodean la Via Giulia en donde Borromini se lanzó contra una espada y

Cuántas cosas pueden ser Roma, la ciudad de ciudades decenas de veces destruida y vuelta a construir sobre los propios escombros que son las ceneizas con más memorias del mundo.

AQUELLAS PRADERAS AZULES. CANCIONES

ÁNIMA MUNDI

CORREGGIO. VIRGEN CON NIÑO

Las múltiples direcciones de la pintura de Correggio  son verdaderamente fascinantes.

En esta obra de la Virgen con Niño, San Jerónimo y Magdalena plantea una composición apiñada y triangular que deriva de algunas investigaciones de Leonardo como la Virgen con Santa Ana y el Niño.

En ella plantea el enlazamiento de las formas hasta convertirlas en una masa única y sinuosa (especialmente en el grupo que forman la Virgen, el Niño y Magdalena) que contrapone a un segundo motivo, San Jerónimo que hace correspondencia con el cortinaje derecho y se une al grupo anterior por medio de la figura del ángel, creando un óvalo cerrado en donde sólo se abren dos espacios abiertos, uno muy cercano (el pequeño trozo de tierra bajo la Virgen) y otro muy lejano (el paisaje, también leonardesco) que generan un espacio que se interseca en medio del grupo central.

Toda una lección de composición múltiples y a la vez conjunta en donde se contrapone la suavidad y exquisitez de algunos rostros con la ironía y el carácter ambiguo de los ángeles o la severidad de San Jerónimo

Parmigianino retomará estos modelos para su obra más madura.

FOTOGALERÍA ENLAZADA DE CORREGGIO

LOS MOSAICOS DE LA MARTORANA. PALERMO

Santa Maria dell'Ammiraglio se divide en dos partes. La más antigua pertenece al sículo normando (al que dedicaremos el post), ampliándose en los siglos XVI y XVII

El monumento se planteaba como una cruz griega con cúpula central en donde se encuentra el pantocrator, los 8 profetas y los cuatro evangelistas.

En los brazos de la cruz aparecen escenas dedicadas a la Virgen María, desde la Anunciación al Nacimiento o la presentación en el templo al Tránsito o Dormición de la Virgen.

Virgen Playtera

Entre ellos aparecen multiplicidad de santos y arcángeles en el resto de los espacios, así como los característicos árboles.

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En cuanto al solado sigue los esquemas cosmatescos pasados por la estética musulmana, como son habituales en la isla.

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TODOS NUESTROS POST SOBRE ARTE SÍCULO NORMANDO
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TODOS NUESTROS POST SOBRE SICILIA

BENJI Y OLIVER Y EL FUTURISMO

Los más nostálgicos la recordarán; los más jóvenes la descubrirán.

A nosotros, sin embargo, más que la serie en sí, nos interesa su capacidad de utilizar múltiples de las técnicas futuristas para una serie de animación (las explicamos aquí) para conseguir dar la sensación de movimiento como sus barridos fotográficos (líneas que se crean sobre el objeto, hasta difuminarlo),  la multiplicación de perfiles que se repiten para crear el movimiento (una técnica cubista que repite el motivo en distintas posiciones, como el balón que va girando o el golpeo del balón), las líneas de fuerza que se desprenden del objeto, como si fuera un halo, sugiriéndonos de nuevo velocidad, la deformación de los objetos por el efecto de su propio desplazamiento...

POR LAS CATEDRALES DE PLASENCIA

LA PORTADA PLATERESCA

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UN ALTAR CERÁMICO DE TALAVERA

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SALA CAPITULAR
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NUESTRA SEÑORA DEL SAGRARIO

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RETABLO MAYOR CATEDRAL NUEVA. GREGORIO FERNÁNDEZ

dEFINICIONES

Sinestesia: Técnica pictórica utilizada por los artistas postimpresionistas. Esta consiste en atribuir una sensación a un estimulo que no le pertenece, por ejemplo escuchar colores o ver canciones. La visión tras el sermón-Paul Gauguin.

plein air (pintura al aire libre) Técnica pictórica del siglo diecinueve utilizada sobretodo por los impresionista que consiste en pintar delante del elemento elegido, como este solía ser un paisaje consiste pintar frente a este en la calle. Con esto los pintores conseguían captar la luz natural. Impresión, sol naciente- Monet.

o    Abocetado: estilo pictórico utilizado para designar al de los pintores cuya obra, aparentemente, tiene un aspecto de ejecución fácil, rápido y no terminado (non finito en escultura. Pintura impresionista).

Anti literario Técnica pictórica comenzada por los impresionistas que consiste en no contar ninguna historia en tus cuadros, la importancia pasa de la historia a los sentimientos que expresa o las luces que representa. Impresión, sol naciente- Monet.

Colores complementarios: técnica pictórica utilizada por los posimpresionistas de finales del s.XIX destacando van Gogh en el que utiliza colores que se oponen dentro de la rueda cromática, provocando que al ser colores contrarios no se puedan ver a la vez como le ocurre al rojo y verde., lo que genera fuertes tensiones. Café nocturno, Noche estrellada de Vincent van Gogh.

Paisaje sublime: concepto estético, utilizado principalmente en el Romanticisimo, que mezcla lo bello y lo siniestro pera crear una estética grandiosa para llevar al espectador a un “éxtasis”. El caminante sobre el mar de nubes, Friedrich.

        

Paisaje pintoresco: concepto estético, utilizado principalmente para el Rococó, en el que se muestra un paisaje envolvente, brumoso y muy extravagante, que intenta provocar una sensación de curiosidad al espectador pero llena de tranquilidad. El columpio, Fragonard.

Neoclasicismo Estilo artístico de finales del siglo XVIII y principios XIX relacionado con la ilustración e ilustrados, este se da tanto en arquitectura como en pintura y busca la vuelta a los clásicos a la sobriedad y las formas geométricas, por tanto cuenta con gran influencia griega, latín ay renacentuiasta.En pintura se caracteriza por gestos teatrales, temas clásicos y medidas muy exactas. Mientras que en arquitectura recurre a lo estructural y órdenes clásicos. La muerte de Marat 

Romanticismo: movimiento cultural (no sólo artístico), nacido en el siglo XIX y que reacciona contra el neoclasicismo, valorando más la subjetividad, el exotismo, la rebeldía, y sobretodo la devoción por la Edad Media. Estéticamente recogerá la influencia veneciana y barroca (pincelada suelta, diagonales, escorzos, momentos de mayor tensión, tenebrismo, importancia del color ...)  La libertad guiando al pueblo, Delacroix.

o    Realismo: estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet.Se llegó a calificarlo de obsceno (que influirá directamente en Manet). Se caracteriza por su compromiso con las clases bajas y trata de marcar la sensibilidad social e ideológica. Millet retratará fundamentalmente campesinos, mientras Daunier dará un fuerte impulso a la caricatura

Impresionismo:Estilo artístico que se desarrolla en las últimas décadas del s.XIX, estarán obsesionados por la luz y buscará su captación en ambientes naturales pintando al aire libre llegando realizarel mismo objeto en serie, así como la utilización de una pincelada muy suelta llegando a ser abocetada, y de carácter antiliterario. Las amapolas de Monet,impresión del sol nacientede Monet.

Tenebrismo: técnica pictórica iniciada durante el Barroco en Italia por Caravaggio, basada en el claroscuro y creando un gran contraste extremo entre la luz y las sombras, funcionando como un “foco” que destaca lo esencial de la obra. San Jerónimo escribiendo, Caravaggio.

Barroco clasicista: estilo artístico que se desarrolló con los Carracci y en el s.XVI, estos buscaban una salida al manierismoempezando a buscar una vía contrarreformista sin traspasar el decoro, e intentando un equilibrio entre la realidad y el embellecimientodirigido unos clientes elitistas mediante temas mitológicos y escenas religiosas buscando fórmulas de compromiso entre el realismo y las ideas heredadas del Renacimiento de Rafael, con la armonía de sus composiciones, y Miguel Ángel, con sus anatomía hercúleas, así como la delicadeza de Caravaggio y los venecianos con su pincelada suelta. Palacio Farnese de Carracci

Barroco decorativo: estilo artístico predominante en la segunda mitad del siglo XVII en Europa que se  se caracteriza por la decoración de los muros, especialmente de las bóvedas de edificios. El Barroco decorativo favorece una pintura más dinámica  con gamas mas amplias de colores que contribuyen a los efectos de tridimensionalidad y el dramatismo en las escenas. Los personajes parecen flotar en las bóvedas mientras “se mueven” en su dinámica etérea. Pintura en la Sacristía de la Catedral de Toledo. Lucas Jordán.

Paños flotantes: Técnica que se usa para aportar dinamismo a las prendas, consiguiendo el efecto de que son movidas por la brisa o el viento, esto es un recurso tanto pictórico como de uso para la escultura, pero solo se aplica para las prendas. Como ejemplo tenemos el “éxtasis de Santa Teresa” de Bernini.

Vanitas: estilo artístico iniciado en los Países Bajos, en el siglo XVII, que resalta la vacuidad de la vida y la relevancia de la muerte como fin de los placeres mundanos. Vanitas, Antonio Pereda.

Paisaje holandés: elemento pictórico barroco del s.XVII, en el que,  debido a que los artistas tienen mayor libertad para con sus comitentes, empezarán a pintar bosques, así como horizontes donde el cielo tendrá gran importancia siendo reservado gran cantidad de lienzo para ello, además se utilizará de forma horizontal, aplicando en el paisaje una luz muy suave. Hobbermer, vista de Delft de Vermeer
Columna salomónica: Elemento decorativo arquitectónico empleadas en el Barroco, son columnas curvas desproporcionadas y gigantescas finalidad de estas es conseguir movimiento y dinamismo. Por ejemplo el Baldaquino

Doelen: tema pictórico habitual en la pintura barroca flamenca que trata de pintar figuras que forman un conjunto, se relacionan y se comunican unas con otras. El creador de este retrato colectivo es FransHals. Los Regentes del Hospicio de Ancianos o Tembrandt (Ronda nocturna)

Barroco clasicista Estilo artístico que se da durante el siglo XVII y que busca el equilibrio entre la movilidad y teatralidad barroca y ciertas ideas heredadas del Alto Renacimiento como la armonía, anatomía hercúlea o pincelada suelta de los venecianos. Creada para un público rico y sofisticado que no le interesa la corriente naturalista de Caravaggio. Palacio Farnesio. Carracci

o  cartones para tapices: conjunto de obras que pintó Goya para la Real Fábrica de Tapices. El tema era elegido por los reyes. Consta de composiciones equilibradas, a menudo triangulares, colores pastel, gestos aristocráticos y empleo de sfumato y luz suave. En general corresponden a una estética rococó. La vendimia.

Pinturas negras Etapa pictórica del pintor español Goya que se da a finales de su carrera. Este Inmerso en una crisis personal pintará sobre las propias paredes temas relacionados con la vejez muerte o lo siniestro. En ellas podemos ver el uso de la paleta sucia, deformación de la realidad y claroscuros potentes .Dos viejos comiendo sopa

Concilio de Trento: acuerdo que se desarrolló en 1545 y 1563, pretendía hacer frente a las desviaciones protestantes realizadas por Lutero y además reformó la organización de la Iglesia acabando con la corrupción, creando un único texto canónico(la Vulgata) y intentar buscar medios de acercamiento y el control de la fe mediante el arte como forma de convencer. Catedral de San Pedro de Bernini, el baldaquino de Bernini.

Rocalla: Elemento decorativo escultórico a mitad de camino entre lo vegetal y lo mineral utilizado en el Rococó. Ejemplo Sagrario de las Cartujas de Granada.

Rocalla; técnica escultórica característico del movimiento Rococó y se trata de una decoración disimétrica inspirada en el arte chino, que imita contornos de piedras y de conchas, se encuentra empleada en palacios y viviendas urbanas.