jueves, 5 de febrero de 2015

ORIGEN Y CARACTERÍSTICAS DEL MANIERISMO


"Rompimiento con los esquemas compositivos y visuales del clasicismo y su sustitución por otros que los contestan heréticamente desde sus mismos presupuestos"

En torno a 1520 la pintura italiana y escultura romanas sufren un enorme cambio, abandonando el equilibrio clásico para buscar unas escenas mucho más tensas y crispadas, estilo que se denominará Manierismo. Este cambio ya es observable en las obras de los grandes maestros (Rafael y Miguel Ángel) acentuándose aún más con sus seguidores (Pontorno, Bronzino, Parmigianino, Rosso).



   Incendio del Borgo. Rafael

Las causas de este cambio son múltiples.
Por una parte se trata de una reacción artística frente a la crisis generalizada que sufre Italia, tanto económica como política (guerras entre Francia y España en tierras italianas que culminan con el propio saqueo de Roma, Sacco di Roma) o religiosas (a mediados del siglo XVI se produce la Reforma de Lutero que divide al mundo religioso y crea una especial sensibilidad religiosa, intimista y mística, en el mundo católico). 
Todo esto rompe la idea de mundo ideal que había sido el caldo del cultivo del clasicismo, haciendo reaccionar a los artistas que ya no pueden seguir hablando de belleza y armonía. 
Miguel Ángel. Piedad de la Opera del Duomo. Florencia

Esta aparición del manierismo también se puede entender desde el propio desarrollo artístico del Renacimiento. Si seguimos las ideas de Wölfflin, deberíamos entender el manierismo como la única salida posible al Clasicismo del Cinquecento que había llegado al final de un proceso: la búsqueda total de la armonía, belleza y equilibrio. Tras él sólo quedaba la repetición estéril o la búsqueda de nuevos caminos.
Cosme I de Medicis según Bronzino

No debemos olvidar tampoco la importancia que tendrán en el nuevo estilo los mecenas y comitentes (duques de Toscana en Florencia, aristocracia comercial veneciana, círculos erasmistas en España, la corte de Fontainebleau francesa, corte de Rodolfo II en Praga). 
Estas cortes, cada vez más sofisticadas, ya se encuentran hastiadas de la pura armonía y hay en ellas un deseo de novedades, de refinamientos, incluso de extravagancias. Se trata de entornos muy cultivados que conocen a la perfección el arte anterior y disfrutan viendo cómo se fuerzan los límites del clasicismo y valoran enormemente la técnica y la destreza.


Por último hay que señalar que, en último punto, gran parte de lo que hoy consideramos manierismo es el desarrollo de la obra de un único autor: Miguel Ángel. En su propia evolución personal que pasa del puro platonismo mediceo al desencanto por la belleza y una progresiva religiosidad, Miguel Ángel experimenta con todo un catálogo de soluciones (forma serpentinata, non finito, composiciones dinámicas, expresividad total, deformación idealizada de la realidad, manipulación de la perspectiva y el espacio con fines expresivos, juego anticlásico de los elementos clásicos de la arquitectura,...) que desarrollarán sus colaboradores y admiradores

La unión de todos estos mimbres genera (Hauser) una tendencia a lo subjetivo ya sea a través de la profundización en la experiencia religiosa (el Greco), ya a través de un intelectualismo extremado que lleva aun refinamiento preciosista (Broncino) y con el progresiva importancia del artista como genio (potenciando su invención hasta la extravagancia, Shearmann).
 Grombrich insiste en la importancia de la dimostracione. En este sentido Burke relaciona manierismo con el progresivo culto a la destreza. Por último Panofsky asegura que el manierismo frío es la última consecuencia del neoplatonismo y la preeminencia de la idea.

  Bajo estas premisas pasamos a una revisión de las principales características del Manierismo (en contraposición con el clasicismo), aunque tendremos que tener en cuenta que el Manierismo es, por esencia, paradójico, y muchas de las características son contradictorias entre sí.

La tensión, el dramatismo frente al equilibrio clásico. Se buscan composiciones confusas, descentradas, huyendo de la simetría, el equilibrio


El agobio espacial (o las perspectivas sumamente aceleradas o en vertical) frente a la amplitud tranquila en donde figuras y fondo se complementan

(perspectiva en vertical)

Agobio espacial (apenas hay espacio para tantas figuras que se apiñan si dejar aire o espacio entre ellas) en la Deposición de Rosso o



La luz expresiva frente a la representativa.

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Colores metalizados en el Cristo de uno de los Apostolados del Greco


La ruptura del canon, ensanchándolo o alargándolo, para así romper con la idea de antropocentrismo armónico anterior.

La expresividad o lo extravagante frente a la belleza idealizada y las formas correctas
Arcimboldo. Verano

La inquietud y la sorpresa frente al orden.

La desproporción frente a la armonía.


Las posturas inestables frente a las estables. (La famosa forma serpentinata que hace una hélice)
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La relectura intelectualizada, sin ningún rasgo de ingenuidad (Shearmann), supersofisticada (para un nuevo mecenas aristocrático), que curiosamente le aproxima a la posmodernidad actual.

La confusión (buscada) entre lo real y lo ficticio que nos hace replantearnos nuestras ideas sobre la verdad y la realidad percibida por los sentidos


Aparición frecuente de un erotismo explícito
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Bronzino. Agnolo de Cosimo

 No hay que olvidar dos tipos de maniera, la cálida (desde Miguel Ángel o Tintoretto) frente a la fría, hipersofisticada, más florentina.

El interés por el arte anterior (como lugar de modelos y normas que pueden ser manipulados en la nueva ideología del manierismo, profundamente iconoclasta y, a la vez, amante de lo anterior) hará que proliferen extraordinariamente los Tratados de Arte.

Como señala Friedlaender, en apenas 40 años escriben sus tratados Vasari, Dolce (Aretino), Danti (Tratado de proporción perfecta), Cellini, Vignola, Palladio, Francesco Sansovino, Bocchi, Borghini, Lomazzo...


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